法国视唱(第2册第1分册2A) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[法] 亨利·雷蒙恩古斯塔夫·卡卢利... 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968201

商品编码：29745372114

开本：16

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：法国视唱(第2册**分册2A)
• 作者：编者:(法)亨利·雷蒙恩//古斯塔夫·卡卢利
• 定价：28
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968201

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：95
• 字数：134千字

经典音乐的深度探索：西方音乐史与和声学专题研究 图书简介 本书是一本面向高等音乐院校学生、专业音乐工作者以及对西方古典音乐理论有深入探究需求的学习者的专题研究著作。它旨在系统梳理并深入解析西方音乐自巴洛克时期迄今的演变脉络、核心理论体系及其在不同历史阶段的具体实践。全书内容紧密围绕音乐史的宏观叙事与和声学的微观分析展开，力求在理论的严谨性与实践的指导性之间找到完美的平衡点。 第一部分：西方音乐史的里程碑与风格变迁 本部分聚焦于西方音乐史的关键转折点和代表性风格，深入剖析了不同历史时期音乐语言的特征、社会文化背景的影响以及重要作曲家的贡献。 第一章：巴洛克晚期至古典主义的桥梁 本章首先回顾了巴洛克时期（约1600-1750年）复调音乐的精髓，重点分析了巴赫对赋格结构和对位法的集大成，以及亨德尔在清唱剧和协奏曲体裁上的开拓。随后，笔锋转向古典主义（约1750-1820年）的兴起，探讨了“风俗化”与“清晰化”的时代思潮如何促使音乐从复杂的对位转向结构清晰的奏鸣曲式和曲式框架。重点分析了海顿在交响乐和弦乐四重奏中确立的典范结构，以及莫扎特如何将歌剧中的人物刻画和旋律的灵动性推向极致。 第二章：浪漫主义的激情与个体表达 浪漫主义（约1820-1910年）被视为音乐史上对情感表达最为炽热的时期。本章细致考察了贝多芬晚期作品中蕴含的超越古典规范的个人意志，以及舒伯特如何将德语艺术歌曲提升至前所未有的高度。随后，深入探讨了肖邦对钢琴这一乐器的革命性挖掘，以及李斯特在钢琴技巧和交响诗体裁上的大胆尝试。中后期浪漫主义部分，重点解析了瓦格纳的“总体艺术作品”概念、主导动机的运用，以及马勒在交响曲中对人类生存困境的哲学式追问。本章特别关注了民族乐派的兴起，剖析了德彪西和拉威尔如何用印象主义的色彩和声开启通往现代音乐的序幕。 第三章：二十世纪的多元探索与断裂 二十世纪音乐的特点在于风格的极度分散化和对传统规范的全面反思与颠覆。本章首先解析了斯特拉文斯基在《春之祭》中对节奏的重塑和原始主义的回归。接着，详细阐述了第二维也纳乐派的理论基础，包括勋伯格的无调性探索、十二音体系（Dodecaphony）的规则构建及其与序列主义（Serialism）的内在联系。此外，本章还涵盖了新古典主义（Neo-Classicism）对历史风格的回溯，以及介于西方主流与边缘地带的实验性音乐，如电子音乐和偶然音乐的早期发展，为读者提供一个理解现代音乐语汇的必要背景。 第二部分：和声学理论的深度解析与实践运用 本部分是本书的核心理论部分，它超越了基础和声学的范畴，进入到对功能和声的深入剖析，并兼顾了非功能性和声的初步介绍。 第四章：功能和声的精细化研究 本章建立在对传统三和弦、七和弦功能（主、属、下属）的熟练掌握之上，着重讲解了和声进行中的复杂变化。内容包括：副属和弦（Secondary Dominants）的系统运用、导七和弦（Leading-Tone Diminished Seventh Chords）的多重功能分析以及远程转调（Chromatic Mediants）的技法。特别辟出一节讨论了李斯特、勃拉姆斯等后期浪漫主义作曲家如何模糊和弦的传统功能性，运用色彩和弦（如九和弦、增六和弦）来增强和声的张力与情感深度。 第五章：调式与色彩和声的拓展 本章引导读者走出大调与小调的二元体系，进入调式音乐的领域。详细分析了教会调式（如多利亚、弗里吉亚等）在十九世纪音乐中的复苏与应用，特别是其对旋律色彩的影响。随后，深入探讨了增性和弦（Augmented Triads）与减七和弦（Diminished Seventh Chords）在和声连接中的多解性与模糊功能。对于增六和弦（如意大利式、法国式、德国式），本书不仅梳理了其向属和弦的解决路径，更讨论了其在特定语境下作为色彩性非功能和弦的使用。 第六章：对位法与织体分析 理解和声的有效性，必须回归到其组合的织体结构。本章简要回顾了严格对位法（J.S. Bach的风格为蓝本）中对位声部的独立性原则，随后过渡到分析性对位，即如何在既定的和声框架下，分析主调音乐中旋律与伴奏声部之间的逻辑关系。重点讲解了织体转换（Texture Variation）的技巧，例如如何将和弦分解为琶音、如何通过高低音区的对比来塑造音乐的立体感，以及如何运用模仿和声（Imitative Harmony）来构建复调的音响效果，这对学习管弦配器和合唱配曲至关重要。 第七章：调性边界的突破与前卫理论初探 本章旨在为读者打下理解二十世纪音乐和声的理论基础。首先回顾了瓦格纳和德彪西如何通过全音阶（Whole-Tone Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）来削弱传统功能和声的导向性。接着，系统介绍了集合理论（Set Theory）在描述无调性音乐结构中的初步应用，解释了如何运用音高类（Pitch Class）和音高类集合（Pitch Class Set）来分析十二音作品的内部逻辑。本书力求严谨地呈现这些理论，同时强调理论分析必须服务于对音乐作品的审美体验，而非脱离音乐本体的纯粹数学游戏。 结语 本书结构严谨，理论阐述详尽，旨在培养学习者扎实的理论功底和敏锐的音乐洞察力，使之能够独立分析和驾驭复杂的音乐作品。所有理论分析均辅以大量的中外经典曲目实例进行验证和说明，确保学以致用。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的“法国味儿”真是浓得化不开，这一点对于我这种对法国音乐情有独钟的人来说，简直是雪中送炭。它里面的视唱材料，绝大部分都像是从德彪西或拉威尔的作品中截取出来的小片段，或者是由他们的风格启发而创作的练习曲。这意味着，你在练习那些技术难点时，同时也在潜移默化地吸收法国音乐特有的和声色彩和旋律走向。例如，书中有一组关于“非三度叠置和弦”的视唱练习，如果用普通教材来教，可能就是一堆密密麻麻的音符；但在本书中，这些和弦被巧妙地嵌入到一段模拟着“水波纹”般流动的旋律中，练习起来，脑子里浮现的不再是抽象的和弦名称，而是清晨雾气弥漫的塞纳河畔。这种将技术训练与艺术审美紧密结合的处理方式，极大地提高了我的学习积极性。我不再是为了完成任务而视唱，而是为了更好地理解这些优美乐曲背后的结构逻辑而进行训练。可以说，这本书成功地将枯燥的“技术体操”包装成了一场优雅的“艺术漫步”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的难度曲线是相当陡峭的，但它的梯度设计却非常高明，让人在不断挑战中感受到进步的喜悦。它似乎是为那些已经掌握了基础视唱技巧，正面临“平台期”的进阶学习者量身定做的“升级包”。当练习进入到后半部分时，它开始大量使用小调和声中的“变化音”，并要求在极快的速度下保持音高的准确性，同时还要兼顾到法国传统歌剧咏叹调中那种对气息控制的细微要求。这已经不再是简单的“看谱唱歌”，而是要求将乐谱转化为具有音乐表现力的声音。我记得有一组练习，要求在四四拍中唱出类似三连音的切分节奏，同时保持和声的色彩稳定，第一次尝试时完全是一团糟，但经过反复拆解练习后，那种豁然开朗的感觉非常过瘾。这本书的价值在于，它没有为了讨好初学者而稀释难度，而是提供了一个真实反映专业音乐世界复杂性的训练场。如果你真的想把视唱练耳的能力从“会唱”提升到“能准确驾驭复杂的法式音乐语汇”的水平，那么这本教材绝对是不可或缺的指南。

评分☆☆☆☆☆

从教学法角度来看，这本书展现出了非常现代和实用的理念。它清晰地认识到，一个学习者可能在某一特定领域（比如音准稳定度）非常强悍，但在另一领域（比如复杂节奏的即时阅读）却相对薄弱。因此，它在章节编排上避免了平均用力，而是采用了一种“模块化”的设计。你可以根据自己的弱点，灵活地选择进入不同模块进行针对性强化训练。例如，如果你发现自己对半音阶的快速上下行把握不准，可以直接跳到专门针对该主题的练习组进行强化。我特别欣赏它在提供练习范例时，不仅给出五线谱，还常常附带一些简化的节奏符号或提示性的歌词（即便歌词本身可能没有太多意义），这极大地辅助了初学者在快速视唱时找到歌曲的“重音锚点”。而且，书中的一些“挑战性”练习，明显是为小组合作或师生互动设计的，它要求学习者在视唱的同时，还要留意同伴的声部，这对于培养团队合作中的听觉敏感度非常有益。整体而言，这本书体现了一种高度的灵活性和以学习者为中心的设计哲学。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《法国视唱（第2册第1分册2A）》的时候，我其实挺犹豫的。说实话，我对视唱练耳这块一直抱着一种“敬而远之”的态度，觉得那玩意儿太枯燥，又是音高又是节奏，感觉就是纯粹的机械训练。然而，当我翻开这本书的前几页，立刻被它那种不同于传统教材的编排方式吸引住了。它没有一上来就堆砌那些让你头皮发麻的复杂音程和不规则节拍，而是非常巧妙地将理论知识融入到一些富有法国音乐气息的小练习中。比如，初期的练习曲，虽然考察的是基础的五线谱识读，但旋律线条的流畅性和美感，让人感觉不像是在“做题”，更像是在学唱一首小香颂。我尤其欣赏它对和声概念引入的处理，不是冷冰冰地告诉你什么是属七和弦，而是通过一些耳熟能详的法国民谣片段改编，让你在不知不觉中体会到和声的色彩变化。这本书的排版设计也相当人性化，字体大小适中，留白充足，即便是长时间盯着看，眼睛也不会那么容易疲劳。对于那些和我一样，对传统枯燥视唱教材感到畏惧的音乐学习者来说，这本书绝对提供了一个更亲切、更具艺术性的入门途径。它让我开始相信，视唱练习也可以是一种享受，而不是一种负担。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度，远超出了我最初的预期。我原本以为第二册的内容会集中在对固定唱名法和首调唱名法的交叉运用上，但实际体验下来，它将这两种体系的融合与对比做得非常精妙。比如，在处理那些包含大量转调和复杂调式转换的段落时，作者并没有简单地给出标准答案，而是设计了一系列对比练习，引导学习者主动去思考在不同调性环境中，音高关系的感知会发生怎样的微妙变化。这对于建立真正的“听觉肌肉记忆”至关重要。更令人称道的是，它在节奏训练部分引入了许多非对称和复节奏的素材，这些素材的选择明显带有二十世纪初法国印象派音乐的影子，旋律的进行常常带有出人意料的呼吸感和流动性。这不仅仅是机械地数拍子，更像是要求你用心去感受节拍的内在“弹性”。我尝试用它附带的伴奏进行练习，发现录制的质量非常专业，为独奏练习提供了极佳的参照标准。对于已经有一定基础，希望将视唱能力提升到演奏或指挥应用层面的学习者，这本书提供了一个坚实且富有挑战性的进阶平台。