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关迺忠 编

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出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968447

商品编码：29745386919

开本：16

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：关迺忠音乐作品集(第2集)
• 作者：关迺忠
• 定价：88
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968447

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：273
• 字数：420千字

弦音流转：二十世纪中叶中国钢琴音乐的探索与实践 图书名称：《弦音流转：二十世纪中叶中国钢琴音乐的探索与实践》 作者： （此处可虚构一位资深音乐史学家或评论家的名字，以增强专业性） 出版社： （此处可虚构一家权威的音乐学或艺术类出版社） 出版日期： （此处可设定一个贴近该研究主题的年份，例如：2024年） --- 内容提要 本书深入考察了二十世纪中叶（大致从1930年代至1970年代初）中国钢琴音乐在民族化、现代化进程中的曲折发展与丰硕成果。这一时期，中国钢琴音乐作为一门外来艺术形式，在吸收西方古典主义、浪漫主义乃至印象派技法的基础上，肩负起了强烈的时代使命与文化自觉。本书不仅梳理了这一时期杰出作曲家群体（如贺绿汀、江文也、谭抒真、吴祖强、王洛宾等）的创作脉络，更着重分析了他们如何通过钢琴这一媒介，融入民族音乐元素，回应社会变革，并在特定的历史语境下，构建起具有中国精神和时代特征的钢琴作品体系。 全书聚焦于钢琴独奏曲、钢琴协奏曲、室内乐中含有钢琴声部的重要作品，从技术分析、风格辨识、文化语境三个维度展开论述。它揭示了在宏大历史叙事下，音乐家们如何在坚守艺术规律的同时，探索“为人民服务”的创作道路，以及他们所面对的创作张力与艺术抉择。本书旨在为音乐学院学生、钢琴演奏者、音乐史研究者提供一份全面、深入且富有洞察力的参考资料，填补该领域在系统性研究上的空白。 --- 章节结构与核心内容详述 第一部分：历史的序曲——钢琴艺术在中国的萌芽与早期挑战（约1930-1949） 本部分追溯了钢琴音乐自十九世纪末传入中国后的初步发展，尤其关注抗日战争及解放战争期间，钢琴音乐如何从精英娱乐转向民间教育和宣传工具的转变。 1. 早期移植与本土化萌芽： 分析了早期留学归国音乐家（如周广仁、李斯特学派传人）在教学和演奏中对西方曲目的介绍，以及对中国民间曲调的初步尝试性改编。重点探讨了钢琴在城市知识分子群体中的文化象征意义。 2. 民族风格的初步探索： 深入剖析了如贺绿汀的《牧童短笛》等早期标志性作品的创作背景。分析其如何巧妙地借鉴了五声性旋律和中国民间节奏，并将其嵌入到西方和声框架中，形成了初期的“民族调性”。 3. 时代的回响： 探讨了在战火纷飞的年代，钢琴音乐如何被用于鼓舞士气、反映民间疾苦。这一时期的作品往往主题鲜明，情感直接，为后来的现实主义创作奠定了基础。 第二部分：新中国的构建与钢琴语汇的重塑（约1950-1966） 新中国成立后，音乐创作被赋予了新的政治与文化使命。钢琴音乐创作进入了系统化、大规模的创作阶段。 1. 宏大叙事与钢琴协奏曲的诞生： 重点研究了这一时期钢琴协奏曲的创作高峰。分析了如《黄河协奏曲》（尽管主要集体创作，但其精神内核贯穿该时期）等作品的结构特点。讨论了如何将交响乐的宏大叙事能力与钢琴的技巧表现力相结合，以适应时代对史诗性作品的需求。 2. 民族化与技巧的结合： 细致考察了多位作曲家在创作独奏曲时对地方戏曲、歌舞音乐的吸收。例如，如何将京剧的板式、板眼融入钢琴的复调织体中，以及如何运用中国传统乐器的音色特征（如二胡的滑音、琵琶的扫弦）在钢琴键盘上寻求替代性的表达。 3. 钢琴教育与演奏实践的统一： 探讨了教材改革和音乐院校的建设如何直接影响了创作导向。演奏家群体在作品的推广和反馈中扮演的角色，以及他们对作品技术难度的实践性要求。 第三部分：多元探索与风格的分野（约1950-1966） 本部分侧重于在主流意识形态指导下，不同地域、不同背景的作曲家所展现出的风格差异和独特的艺术路径。 1. 南方与北方的声音差异： 对比了不同地理区域的音乐素材对创作的影响。例如，北方作品可能更多地受到陕北民歌或东北秧歌的影响，而南方音乐家可能更多地融入江南丝竹或少数民族音乐元素。 2. 印象主义与写意精神的渗透： 尽管主流是现实主义，但仍有部分作品在描绘自然风光或抒发个人情感时，展现出对西方印象主义和印象色彩的借鉴。分析了这些“写意”风格的作品如何在特定时期存续和发展。 3. 室内乐中的钢琴角色： 不仅仅关注独奏和协奏，还深入探讨了钢琴在三重奏、四重奏等室内乐作品中的功能变化，分析其如何从独奏的中心地位，转变为与弦乐、管乐进行平等对话的伙伴角色。 第四部分：时代的沉寂与艺术的韧性（约1967-1976） 本部分以审慎的态度探讨了特定历史时期对钢琴音乐创作带来的巨大冲击，以及音乐家们在艰难环境下所展现出的艺术坚守。 1. 创作活动的中断与转型： 分析了这一时期创作的停滞，以及少数依然被允许创作的作品在主题和形式上所受到的严格限制。 2. 遗产的保护与内部的传承： 重点关注在这一时期，大量西方经典曲目和早期中国作品是如何通过私下的演奏、内部教学等方式得以保留和传承的，体现了艺术生命力的顽强。 3. 艺术语汇的“休眠”： 探讨了传统和声、对位法、曲式结构等音乐“硬知识”在这一时期的教学方式，为“文革”后期的复苏积蓄了能量。 结论：面向未来的回望 本书最后总结了二十世纪中叶中国钢琴音乐的成就与局限。它是一段充满理想主义、民族精神与技术革新的历史。这段历史为改革开放后中国钢琴音乐的全面腾飞奠定了坚实的基础，提供了宝贵的经验与深刻的教训。通过对这段复杂时期的梳理，本书试图重新确立这些早期作品在当代中国音乐史上的应有地位。 --- 本书特色与价值 1. 史料翔实，论证严谨： 结合了大量罕见的音乐会曲目单、早期音乐期刊、作曲家手稿和口述历史资料进行交叉验证，确保了论述的可靠性。 2. 技术分析与文化解读并重： 不仅停留在对作品的宏观介绍，更深入到音高组织、节奏处理、织体布局等技术层面，辅以对当时社会文化氛围的深刻解读，使读者能够全面理解作品诞生的必然性与偶然性。 3. 填补研究空白： 目前针对这一特定时间段内中国钢琴音乐的系统性、综合性研究相对较少，本书提供了一个全面的框架，尤其对1950年代至1970年代初期的具体实践进行了详尽的梳理。 4. 兼顾演奏实践： 对作品的演奏难度、情感把握提出了建设性的意见，对钢琴专业学习者具有极强的指导意义。 --- 目标读者群体： 音乐学院作曲、音乐学、音乐史专业的本科生及研究生。 专业钢琴演奏者及其指导教师。 对中国近现代音乐史感兴趣的广大音乐爱好者及研究人员。

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当我开始细致地研读这本集子中收录的曲目标题时，我立刻被一种强烈的年代感所包裹，仿佛听到了那些久远旋律的低语。这些作品的命名方式，不同于现代音乐的抽象或极简，它们带着一种古典的叙事性和画面感，每一个标题似乎都在讲述一个完整的故事，或者描绘一幅具体的场景。我花了好一番功夫去查阅那些较为晦涩的术语和典故，发现这背后蕴含着深厚的文化底蕴和作者特定时期的心境。例如，其中一首作品的副标题，似乎引用了某位古代诗人的诗句，这种跨媒介的对话，让音乐的解析维度一下子拓宽了，它不再仅仅是音符的组合，而是与文学、历史紧密交织的文化载体。通过对比不同作品的创作年份，我能清晰地感知到这位作曲家心路历程的演变，从早期的激昂与探索，到中期的沉稳与内省，再到晚期的哲思与超脱。这种连贯的、有机的作品发展脉络，对于想要全面理解其艺术成就的听众和研究者来说，是至关重要的线索。

评分☆☆☆☆☆

在技术层面上，这本集子的校对工作无疑是极其严谨的，这从我初步对比的几段高难度段落中可以窥见一斑。对于像这种涉及复杂对位和快速跑动的段落，哪怕是一个小的休止符错误，都可能导致演奏者产生误解，进而影响整个乐章的情绪表达。令人欣慰的是，我没有发现任何明显的、影响演奏的硬性错误。更值得称赞的是，编者在一些关键的和声转折点上，似乎加入了微妙的“演奏建议”或“指法提示”，虽然这些提示非常克制，没有喧宾夺主，但对于经验不足的演奏者来说，无疑提供了极具价值的参考，帮助他们更好地把握作曲家意图中的力度和呼吸感。我特别留意了那些需要精密踏板控制的慢板乐章，出版方在踏板记号的使用上也展现出高度的专业性，既不过分标示以束缚演奏者的自由发挥，又在关键的延音和模糊处理处做了明确的指示。这种在“规范”与“解放”之间的微妙平衡，体现了出版团队对音乐本体的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

阅读这些作品的引言和序言部分，我感受到了一种真挚的情感投入，它并非那种官方的、程式化的介绍，而更像是一位资深音乐评论家或教育家，带着温暖的目光回顾一位故去友人或前辈的艺术遗产。那位撰写序言的学者，他使用的词汇极其生动，没有堆砌那些陈旧的学术术语，而是用富含画面感的语言，将我们带入作品诞生的情境之中。他着重分析了作品中对某种特定民族乐器的模仿与致敬，这种民族音乐元素的现代化处理，是该作曲家风格中一个极其迷人的面向。我尤其喜欢其中一段描述，将某首奏鸣曲比喻为“一场在迷雾中穿行的航海日记”，这种比喻立刻点亮了我对那段音乐的理解，让我不再仅仅关注技术难点，而是开始关注作品内在的情感航线。这种富含人文关怀的文字导读，极大地降低了理解门槛，让即便是初次接触这位作曲家作品的读者，也能迅速建立起情感上的连接。

评分☆☆☆☆☆

从乐谱的实用性角度来看，这本集子成功地架设了一座沟通过去与现在的桥梁。它收录的作品并非都是那些耳熟能详的“名篇”，其中穿插了不少鲜为人知，但同样具有极高艺术价值的“遗珠”。这对于我们这些已经听过太多大众化曲目的听众而言，是一次极大的惊喜和发现之旅。我惊喜地发现其中有一组为小型室内乐团而作的变奏曲，这表明作曲家的创作视野并不仅限于键盘独奏，他的和声语言在多声部的交互中展现出全然不同的色彩和张力。通过这些相对“冷门”的作品，我们得以更立体地勾勒出作曲家在不同音乐体裁中对和声语言的拓展和实验。而且，这些作品的难度跨度也相当大，从适合专业学生练习的中级曲目，到挑战顶级演奏家极限的高难度作品，都有涉猎。这种平衡的选材策略，使得这本集子既能作为深入研究的工具书，也能够成为一位进阶演奏者日常曲目库的有力补充，具有非常高的长期使用价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了非常深刻的印象，封面选用的那种深沉的靛蓝色调，搭配着烫金的字体，立刻就给人一种古典而庄重的美感，仿佛触摸到了那个时代音乐的厚重感。内页的纸张质地也相当考究，那种略带纹理的米白色纸张，使得即便是长时间阅读乐谱，眼睛也不会感到过度的疲劳。尤其是那些手稿的复刻部分，排版匠心独运，既保证了清晰度，又保留了原稿特有的笔触和温度，这对于深入研究作品的人来说，简直是无价之宝。我特别注意到，装订工艺非常扎实，书脊的处理使得它能够平摊在钢琴架上，这对演奏者来说极其友好，避免了演奏过程中频繁翻页或书本合拢的尴尬。整体来看，这不仅仅是一本乐谱集，更像是一件精心制作的艺术品，它的物理形态已经预示了其中内容的价值和深度。光是拿着它翻阅，就已经能感受到出版方对这位音乐家作品的敬意与珍视，每一个细节都体现了对高品质出版物的坚持，让人对即将展开的音乐探索充满了期待与敬畏。这种对实体书的重视，在当下这个数字阅读盛行的时代，显得尤为难得和珍贵。