关迺忠音乐作品集(第2集) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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关迺忠 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968447

商品编码：29745386108

开本：16

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：关迺忠音乐作品集(第2集)
• 作者：关迺忠
• 定价：88
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968447

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：273
• 字数：420千字

好的，这是一份不包含《关迺忠音乐作品集（第2集）》内容的图书简介，内容详实，力求自然流畅。 --- 鸿儒雅韵：近代中国音乐先驱的探索与实践 一部追溯中国近现代音乐思想演变与审美革新的宏大史诗 本书并非聚焦于某一特定音乐家的个人作品汇编，而是旨在提供一个更宏阔的视角，深入剖析二十世纪上半叶至中叶，中国音乐界在传统与西风碰撞中产生的深刻变革。它系统梳理了那一时期，一群富有远见卓识的音乐家、教育家和理论家如何肩负起“为民族谱新声”的使命，如何在中国传统音乐的土壤中，嫁接、融汇西方音乐体系的结构与和声，最终孕育出具有鲜明时代烙印与民族精神的“新音乐”。 第一部分：时代背景与文化交融的序曲 本书的第一部分，将环境的描摹置于首位。我们探讨了清末民初以来，中国社会在政治、思想、教育上的剧烈动荡，如何间接地催生了音乐领域的革新浪潮。不同于早年零星的西方乐器传入，本时期音乐教育的系统化和理论的引进成为主流。 废乐改乐的思潮：详细阐述了以蔡元培、章太炎等人为代表的知识分子，对传统雅乐、宫廷音乐乃至民间俗乐的批判与反思。他们试图以“科学”和“理性”的尺度来衡量音乐的价值，为引入西方记谱法和和声学奠定了理论基础。 留洋先驱的回归：聚焦于第一批赴日、赴欧学习西方音乐的中国学子。他们带回的不仅是乐谱和乐器，更重要的是一套完整的音乐思维体系——对五线谱的掌握、对复调结构的理解，以及对交响乐、歌剧等大型体裁的憧憬。书中将分析他们早期回国后，在传授课程、改编古曲中体现出的初次融合尝试。 音乐教育机构的建立：考察了早期国立音乐学校（如北京音乐专科学校、上海国立音乐学院前身）的创办历程。这些机构如何成为新音乐思想的温床，它们在教材选择、师资聘用上如何平衡中西，以及对培养第一代专业音乐人才的关键作用。 第二部分：理论构建与审美重塑的实践 第二部分是本书的核心，它深入探讨了理论家们如何将抽象的西方音乐理论，转化为适用于中国音乐语汇的实践工具。这并非简单的模仿，而是一场艰苦的学术“再创造”。 五声音阶与西方和声的对接：书中详尽分析了如何将中国传统的五声音阶（宫、商、角、徵、羽）纳入西方大调、小调的调式框架中进行分析和和声处理。特别讨论了如何使用经过音、变音记号来丰富五声音阶的和声色彩，避免过于单调或生硬的欧化倾向。 体裁的本土化改造：重点分析了在器乐、声乐创作中，作曲家们如何大胆地运用西方体裁，但内容上紧扣中国文化内核。例如，对民族乐器的管弦化改编、对中国古典诗词、戏曲唱腔旋律的“交响化”处理。书中会引用大量非关迺忠先生的作品实例，展示如何将奏鸣曲式应用于中国叙事性音乐，或如何用赋格结构来处理民间小调。 音乐评论与审美论战：收录和梳理了当时报刊杂志上关于“中国音乐之出路”的激烈辩论。这些论战涉及的议题包括：是否应该完全抛弃传统记谱法？民族乐器的前途在哪里？如何定义“时代精神”的音乐表达？这些思想交锋极大地塑造了后续一代音乐家的创作方向。 第三部分：民间曲库的学术抢救与再创作 本书的第三部分，关注的是音乐家们如何将目光投向广阔的民间，进行具有人类学意义的采集、整理和升华工作。 田野调查的兴起：记录了早期音乐人类学家和作曲家们深入乡间、戏园子、茶馆进行的音乐记录工作。他们采集的素材不仅是旋律，更是关于地域文化、生活习俗的活态档案。 戏曲音乐的现代转译：京剧、昆曲等传统戏曲艺术，在这一时期面临着如何适应新的演出环境和审美趣味的挑战。本书将分析当时的音乐家如何从戏曲板式结构中提取节奏模型，将其融入到新的器乐作品中，实现“洋为中用”的典范。 歌曲的普及与爱国主题：探讨了在社会变革时期，音乐作为教育和宣传工具的强大力量。如何将复杂艰深的音乐理论，转化为朗朗上口、易于传唱的歌曲，用以唤醒民众、凝聚民族情感。这些歌曲的旋律往往基于传统，但配器和和声处理则明显体现了西方的影响。 总结与展望 本书并非一部作品选集，而是一部关于“音乐现代性”的史学著作。它旨在描绘一幅由多位先驱共同绘制的宏伟蓝图：他们如何用西方科学的工具箱，去重新构建和表达东方的灵魂。读者通过本书，将清晰地看到中国音乐在浴火重生中确立其新的美学标准和创作范式的过程，理解那些开创性的理论构建和艺术实践的复杂性与伟大意义，为理解当代中国音乐的多元面貌提供坚实的时代基石。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐爱好者的福音，尤其是那些对古典音乐有着深厚情感的读者。我迫不及待地翻开了第一页，就被作者深邃的音乐洞察力所吸引。他不仅仅是在记录旋律，更像是在讲述一个个音乐灵魂的故事。从他对巴赫复调手法的细腻解读，到对莫扎特钢琴协奏曲中那种难以言喻的轻快与忧郁的精确捕捉，每一个字都充满了对音乐发自内心的热爱与敬畏。阅读过程中，我仿佛能听到那些尘封已久的乐章在耳边重新响起，那些复杂的和声进行不再是抽象的符号，而是鲜活的情感流动。作者的笔触冷静而富有激情，他没有使用太多晦涩的专业术语，而是用一种近乎诗意的语言，将音乐的内在逻辑和外在美感完美地结合在一起。特别是关于浪漫主义时期作品的论述，那种对个人情感爆发和宏大叙事的平衡把握，让人深思良久。这本书的排版也十分考究，字体选择和留白都恰到好处，使得长时间阅读也不会感到疲劳，反而让人更加沉浸其中，仿佛置身于一个高雅的音乐沙龙。我强烈推荐给所有对西方音乐史有兴趣，或者希望提升自己音乐鉴赏能力的朋友们。它绝对是一本值得反复品读的案头珍藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量让人爱不释手，拿在手里沉甸甸的，透着一股庄重感，这本身就是对所收录内容的一种尊重。内容方面，我尤其欣赏作者的跨界比较能力。他不仅仅局限于单一的音乐流派或地域，而是将不同文化背景下的音乐思想进行碰撞和对比，从而提炼出一些更具普适性的艺术规律。这种广阔的视野，使得全书的论述气度非凡，避免了陷入狭隘的“学院派”窠臼。阅读过程中，我常常需要停下来，对照着作者提到的乐谱片段或者录音版本进行验证，这种主动的互动学习方式极大地增强了我的参与感。作者对音乐史脉络的梳理清晰可见，让你清楚地知道，今天的音乐是如何一步步从过去的探索中演变而来的。它不是简单的时间轴罗列，而是充满了内在的因果联系和戏剧性的转折。这本书非常适合那些希望建立起一套完整、立体的音乐知识体系的读者，它提供的框架非常坚固，足以支撑日后的深入探索。

评分☆☆☆☆☆

这是一本需要静下心来细细品味的著作。它的语言结构有时候显得非常古典和严谨，但正是这种古典美，赋予了内容一种恒久的价值感。我注意到作者在引用和参考资料方面做得非常扎实，这让整本书的论点都建立在坚实的基础之上，让人读起来非常信服。最让我感到震撼的是作者对于音乐中“情感张力”的分析。他不是简单地描述“悲伤”或“欢乐”，而是深入剖析了作曲家是如何通过对位法、调性转换甚至是速度的微小变化来精确地雕刻出人类复杂而矛盾的情感状态的。这超越了一般的音乐欣赏，更像是一种对人类心理深处的探秘。读完之后，我感觉自己对艺术创作的本质有了新的认识，明白真正的艺术大师是如何用看似简单的音符，构建起一个宏大且细致入微的精神世界。这本书不是快消品，它更像是一坛老酒，需要时间去体会其中复杂的韵味，每一次重读都会有新的感悟。强烈推荐给对艺术哲学和音乐美学有追求的读者。

评分☆☆☆☆☆

我向来认为，好的音乐评论不应该仅仅是赞美或批评，而应该是一种深入灵魂的对话。这本书做到了这一点。它的行文风格是如此的内敛而又力量十足，每一次落笔都像是精准地敲击在乐曲的核心之上。我印象最深的是作者对“沉默”在音乐作品中作用的探讨，他阐述了休止符并非简单的“没有声音”，而是一种充满张力的、构建节奏框架的关键元素。这种对细节的极致关注，体现了作者非凡的敏锐度和长期的积累。读起来的感受，就像是有人拿着一把精密的放大镜，为你逐一展示那些平时在听觉上容易被忽略的精彩纹理。书中的某些论述，虽然涉及复杂的音乐结构分析，但作者总能巧妙地将其转化为听者可以感知的具体感受，避免了纯理论的空泛。全书看完，我感觉自己对“聆听”这个行为本身有了更深刻的理解，不再是让音乐从耳边溜走，而是主动地进入到作曲家的意图之中去体验。这是一种心智上的提升，非常宝贵。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这类偏向学术性或鉴赏性的书籍抱持着一丝谨慎的态度，担心内容会过于枯燥乏味，充斥着生僻的理论术语。然而，这本书出乎意料地成功地平衡了深度与可读性。它没有故作高深，而是用一种非常平易近人的方式，带领读者走进音乐世界的深处。我特别欣赏作者在分析某一特定作曲家风格演变时的逻辑链条，那种层层递进的论证过程，非常有说服力。举例来说，他对特定时期管弦乐配器法演变的梳理，清晰地展示了技术进步是如何反哺艺术表达的，这对我理解现代交响乐的结构大有裨益。书中的某些章节甚至带有一种历史考察的意味，将音乐置于其产生的社会文化背景下进行剖析，拓宽了我的认知边界。我甚至因此重新去听了一些过去被我忽略的曲目，带着新的视角去聆听，收获是巨大的。对于音乐学院的学生来说，这无疑是一本绝佳的补充教材；而对于像我这样业余爱好者来说，它提供了一个系统而又充满启发性的学习路径，让人在阅读中不断获得“原来如此”的惊喜感。