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黄祖禧 编

图书标签:

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• 音乐制作

店铺： 博睿图书

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968416

商品编码：29763221509

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：歌曲写作教程
• 作者：黄祖禧
• 定价：32
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968416

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：225

歌曲写作教程 一部深入探索音乐创作核心的权威指南 作者： [在此处填写作者姓名，例如：艾米丽·卡特] 书籍简介： 《歌曲写作教程》并非一本教你如何“抄袭”或简单模仿现有流行金曲的速成手册。相反，它是一部致力于解构音乐创作过程，剖析优秀歌曲背后深层结构与情感逻辑的权威著作。本书旨在为有志于创作出具有持久生命力和独特艺术性的音乐作品的作者、作曲家、音乐制作人以及对音乐幕后世界充满好奇的爱好者，提供一套系统、深入且极具实践指导意义的知识体系。 本书的核心理念在于，优秀的歌曲是结构、情感、叙事和技术完美融合的产物。我们不满足于停留在表面的“三和弦万能论”，而是深入探究和声的色彩学、旋律的记忆点构建、歌词的诗性张力以及歌曲结构的动态平衡。 第一部分：音乐语言的基石——理论与感知 本部分将带领读者从最基础的音乐元素出发，建立起扎实的理论框架，但这绝非枯燥的乐理堆砌。我们将以“为创作服务”为导向，讨论如何将枯燥的理论转化为富有表现力的工具。 和声的深度挖掘： 我们将超越传统的级数和弦概念，探讨如何运用色彩和弦（如大七、小九、增三和弦）来营造特定的情绪氛围。书中会详细分析不同调式（如弗里吉亚调式、利迪亚调式）如何为你的歌曲注入异域或梦幻的色彩。例如，如何利用和声的“紧张与释放”原则，在副歌部分制造出恰到好处的听觉高潮，以及如何通过次属和弦的运用，巧妙地在不落俗套的前提下实现转调。 旋律的记忆工程学： 旋律是歌曲的灵魂。本书将深入研究节奏型、音程关系和轮廓设计在旋律创作中的作用。我们会拆解经典旋律的“钩子”（Hook）是如何形成的，探讨重复、变化和发展（Thematic Development）在保持旋律新鲜感的同时确保其可唱性和记忆度的技巧。我们不会给出固定的旋律公式，而是提供一套方法论，帮助你识别和发展自己独特的声音原型。 节奏与律动的生物学： 节奏不仅仅是鼓点。本章将分析不同音乐风格（如放克、嘻哈、民谣）中节奏组的互动关系，并讨论人声旋律与节奏的咬合艺术。重点在于如何通过微小的节奏延迟或提前来创造出“摇摆感”（Groove）或内在的驱动力。 第二部分：叙事的力量——歌词的诗学与技术 歌词是连接音乐与听众内心世界的桥梁。本书认为，好的歌词是诗歌与大众传播学的完美结合。 清晰与模糊的边界： 我们将探讨叙事视角、时态运用和意象选择的艺术。如何使用具体的、感官化的细节来描绘抽象的情感？书中会详细分析“展示而非告知”（Show, Don’t Tell）在歌词创作中的具体应用。我们将对比那些依赖陈词滥调的歌词和那些通过独特比喻和隐喻构建起丰富世界观的作品。 结构化叙事： 歌词的结构（主歌、副歌、桥段）必须服务于情感的递进。主歌如何铺垫背景？副歌如何提炼核心主题？桥段（Bridge）又如何提供一个全新的视角或情感上的突破？本书将提供分析框架，帮助作者理解如何在保持主题统一性的前提下，让歌词的“剧情”自然发展。 韵律的自然化： 过于刻意的押韵常常会损害歌词的流畅性。我们将讨论“弱韵”、“内韵”和“半韵”的使用，指导作者如何在保持音乐性和节奏感的同时，避免生硬的、为了押韵而押韵的表达。 第三部分：歌曲的建筑学——结构与形态的动态平衡 一首歌曲的成功，很大程度上取决于其结构布局是否能有效引导听众的情感旅程。 经典形态的解构与重构： 我们将详细分析 AABA、主副歌交替、Verse-Chorus-Verse-Chorus-Bridge-Chorus 等主流结构，并探讨它们背后的心理学基础。更重要的是，本书鼓励读者打破这些框架。例如，如何设计一个“渐进式副歌”（Pre-Chorus）来积累能量，或如何创造一个“回声段落”（Coda）来留下悠长的回味。 动态张力管理： 一首好歌需要呼吸。本章关注歌曲在不同段落间的密度变化。何时应该极简（如只用吉他/钢琴和人声），何时需要全乐队的爆发？我们将从配器、演奏力度（Dynamics）和音域变化三个维度，提供管理歌曲能量曲线的具体方法。 人声旋律的“主导性”分析： 探讨主唱旋律在歌曲整体结构中扮演的角色。如何确保主旋律在复杂的器乐背景下依然清晰可辨、直击人心，并且在不同的段落中展现出足够的对比度。 第四部分：创作实践与技术整合 本书的最后一部分将目光投向创作的实际操作层面，强调“练习”与“反馈”的重要性。 灵感捕捉与迭代工作流： 我们不会宣扬灵感是神秘的馈赠，而是将其视为可以培养的习惯。书中会介绍多种高效的灵感记录与分类系统，以及从模糊的片段发展成完整作品的系统化迭代流程。 技术整合与声音设计初探（非制作技术指南）： 探讨编曲理念如何影响歌曲的最终表达。例如，某个和弦使用钢琴还是合成器演奏，会带来何种截然不同的情感重量。这部分聚焦于如何用声音的“质地”来强化歌词和旋律所传达的信息，帮助作者在与制作人合作时，能够清晰地表达自己的声音愿景。 自我批判与修订的艺术： 创作的真正工作往往在初稿完成之后才开始。本书提供了一套严格的自我评估清单，指导作者如何客观地审视自己的作品，识别“自我满足”的陷阱，并进行外科手术式的精准修订，直至作品的每一个元素都服务于核心的艺术目标。 《歌曲写作教程》是一面镜子，它反射出音乐创作的复杂性与美妙之处。它不提供捷径，但提供清晰的地图，帮助每一位有抱负的创作者，构建起属于自己的、坚实而独特的音乐殿堂。阅读本书，你将掌握的不是一套公式，而是一种创造的思维方式。

评分☆☆☆☆☆

第三段评价： 作为一名已经摸索了好几年，但始终在“业余”水平徘徊的创作者，我原以为这本书的内容对我来说可能有些过于基础。没想到，恰恰是这些看似基础的“地基”，才是我最薄弱的地方。我过去常常为了追求炫酷的和弦变化而忽略了歌曲的情感连贯性，这本书用非常严谨的篇幅解释了为什么“简单”的和弦进行往往更具力量，以及如何通过节奏和编排来增加层次感，而不是仅仅依赖于复杂的和声色彩。书中关于“律动”和“空间感”的论述，简直是醍醐灌顶。作者似乎拥有化繁为简的魔力，能把那些在录音棚里需要耗费数小时才能领悟的道理，用几句话就清晰地呈现在你面前。我甚至可以想象，如果我早十年就能读到这本书，我的创作生涯也许会少走许多弯路。对于那些希望将自己的“灵感碎片”真正打磨成“成品乐曲”的朋友来说，这本书的实操指导价值无可替代。

评分☆☆☆☆☆

第二段评价： 坦白说，我一开始对市面上那些“速成”类的音乐教程持怀疑态度的，总觉得真正的艺术创作是无法被公式化的。然而，这本书却以一种极其巧妙的方式，在“技巧传授”和“艺术表达”之间找到了完美的平衡点。它没有强迫你模仿任何既有的风格，反而更注重引导你挖掘自己内心深处独特的声音。比如，关于歌词创作的部分，它没有提供一堆空洞的押韵技巧，而是深入探讨了如何提炼个人情感的“原型”，如何将那些难以言喻的瞬间捕捉成精准的意象。我特别欣赏作者对“叙事弧光”的讲解，它让我明白一首好歌不只是旋律的堆砌，更是一个完整的故事流程。书中引用了许多不同年代、不同流派的经典案例进行拆解分析，从巴赫的对位法到现代流行乐的结构，跨度极大，但讲解丝毫不显凌乱。通过对这些范例的剖析，我开始能够更敏锐地察觉到优秀作品背后的“骨架”是如何搭建的，这对于提升我的鉴赏力和创作内功都有着巨大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

第一段评价： 这本书简直是为我这种对音乐创作一窍不通的新手量身定制的！我一直对写歌抱有憧憬，但每次打开空白文档，脑袋里就一片空白，完全不知道从何下手。这本书的结构非常清晰，从最基础的和弦进行分析开始，循序渐进地引导我们进入旋律创作的殿堂。它没有故作高深地堆砌晦涩难懂的音乐理论术语，而是用大量生活化的例子来解释复杂的概念，比如如何用色彩来比喻不同的音色，如何用讲故事的方式来构建歌曲的叙事结构。读完前几章，我竟然真的写出了一段像模像样的副歌旋律，那种成就感简直无与伦比。作者的笔触非常亲切，读起来就像是和一位经验丰富的朋友在咖啡馆里聊天，分享着创作路上的点点滴滴。尤其让我惊喜的是，书中还专门辟出了一章讲解如何克服“创作瓶颈”，里面提供的几个小练习我都试过了，效果立竿见影，帮我打破了不少思维定势。这本书真的帮我点亮了音乐创作的火花，让我相信，只要掌握了正确的方法，人人都可以成为歌词或旋律的编织者。

评分☆☆☆☆☆

第四段评价： 这本书的排版和设计也值得称赞，它绝不是那种枯燥的教科书式读物。每一次阅读体验都像是一场视觉和思维的盛宴。大量的图表、手写笔记风格的插图，以及穿插其中的作曲家小传，让学习过程变得异常轻松愉快。我尤其喜欢作者在讲解音阶和调式时，所配的那些充满创意的图形辅助工具，它们极大地帮助我理解了听觉上抽象的概念。而且，书中不仅关注“写出歌”，更关注“完成歌”和“发布歌”的全过程。它涉及了版权基础知识、DEMO录制的基本流程，甚至包括如何与乐手有效沟通等“幕后”环节。这让我意识到，创作歌曲远不止坐在钢琴前那么简单，它是一个系统工程。这本书提供了一个非常全面且务实的视角，让我们这些独立音乐人能够更好地应对从创作到成品的全周期挑战。它教我的，是如何成为一个更专业的音乐人。

评分☆☆☆☆☆

第五段评价： 我必须承认，我之前尝试过几本号称能教人写出“爆款”歌曲的指南，它们大多只关注了时下最流行的套路，读完后感觉自己写出的东西都像是流水线上复制出来的工业品。但这本书的境界完全不同，它关注的是“永恒的价值”和“个人的真诚表达”。作者反复强调，技术是为人服务的，最重要的是你的“为什么”要写这首歌。书中关于“主题提炼”和“情感投射”的章节，对我产生了深刻的触动。它让我开始审视自己创作的初衷，不再盲目追逐潮流，而是努力挖掘那些只有我能讲述的故事。这本书的最终目的，不是让你成为另一个谁，而是让你成为一个更强大、更清晰的自己。我感觉自己不再是被动地“学习”技巧，而是主动地“激活”潜能。读完后，我感觉自己对待音乐的态度都变得更加谦卑和敬畏了，这是一本能改变你对音乐创作看法的“哲学指南”，而非仅仅是“操作手册”。