窦娥冤(交响序曲)/21世纪华人作曲家作品系列 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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牟洪 编

图书标签:

• 窦娥冤
• 京剧
• 交响乐
• 中国古典
• 21世纪音乐
• 华人作曲家
• 音乐作品
• 古典音乐
• 戏曲
• 中国音乐

店铺： 新瑞图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968232

商品编码：29763238256

出版时间：2017-08-01

基本信息

• 商品名称：窦娥冤(交响序曲)/21世纪华人作曲家作品系列
• 作者：牟洪
• 定价：40
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968232

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-08-01
• 印刷时间：2017-08-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：66

《声韵流转：二十世纪中西音乐交汇的华章》 导言：时代的回响与音乐的革新 二十世纪，一个充满剧变与创新的时代，深刻地影响了全球的艺术版图。在东方，古老的文化在与西方现代思潮的激烈碰撞与交融中，催生了前所未有的音乐活力。本书《声韵流转：二十世纪中西音乐交汇的华章》并非聚焦于某一特定作品的演绎或某个历史片段的叙事，而是旨在深入剖析这一时期华人作曲家群体，如何在继承本土深厚音乐传统的同时，积极吸收、消化并转化西方现代音乐语汇，最终构建起具有鲜明民族身份与世界视野的音乐美学体系。本书将从宏观的时代背景切入，逐步深入到具体的创作技法、体裁演变以及重要音乐家的思想脉络之中，描绘出一幅波澜壮阔的二十世纪华人音乐发展图景。 第一部分：历史的熔炉——时代背景与文化张力 本章将首先回顾二十世纪初至世纪末的重大历史事件对音乐创作产生的深远影响。从“五四”新文化运动对传统戏曲音乐和民间音乐的反思与“启蒙”，到抗日战争与解放战争时期音乐所承载的社会责任与民众情绪，再到新中国成立后国家艺术政策的指导，以及改革开放后西方音乐思潮的再度涌入，每一个历史节点都如同一次强力的文化冲击，塑造着作曲家的创作动机和表现方式。 我们将探讨“民族性”与“现代性”这对核心议题在华人音乐界引发的持续论辩。作曲家们如何在坚守民族文化精神的内核（如五声音阶、传统调式、戏曲的板式结构等）的同时，探索如何有效地运用十二音体系、序列主义、偶然音乐等西方现代技巧，以求在国际音乐语境中发出自己的声音。这不是简单的模仿或嫁接，而是一场深刻的文化选择与再创造的过程。 第二部分：体裁的拓展与形式的重塑 二十世纪的音乐创作，体裁的极度丰富化是其显著特征之一。本书将系统梳理这一时期华人作曲家在几大主要音乐体裁中的探索与成就，但重点将放在那些体现中西融合、突破传统框架的作品类型上。 管弦乐的交响诗性： 传统交响音乐在华人作曲家手中获得了新的生命力。我们不会深入分析任何特定的器乐曲，而是着重探讨他们如何将中国传统叙事（如神话传说、历史典故、山水意境）融入到西方奏鸣曲式、回旋曲式或自由幻想曲结构中。例如，如何利用管弦乐团的音色组合来模拟中国传统乐器群体的音响效果，或如何将传统速度术语与中国特有的“板眼”节奏概念进行对接。 歌剧与清唱剧的本土化： 歌剧作为一种高度综合性的艺术形式，在本土化过程中面临巨大的挑战。本章将讨论作曲家们如何处理汉语的发音特性与美声唱法之间的矛盾，如何借鉴中国戏曲的舞台调度和表演程式来丰富歌剧的戏剧张力，而非仅仅套用威尔第或瓦格纳的模式。 室内乐的微观构建： 室内乐因其更小的编制，成为实验新技巧的理想场所。我们将分析作曲家们如何将少数民族音乐的细微音高变化、复调织体与西方现代室内乐的对位法相结合，探究他们如何利用传统独奏乐器（如古筝、二胡）与西方乐器（如弦乐四重奏、木管五重奏）进行对话，构建出既具深度又充满异域情调的听觉空间。 第三部分：技法的大观园——音高、节奏与音色 本章是本书技术分析的核心，它将超越简单的“引用”概念，深入探讨技术层面的创新。 音高系统的拓展： 探讨作曲家如何处理五声性与七声音阶在现代和声框架下的运用。重点分析如何巧妙地将传统微分音或滑音（揉弦、推弓等）转化为西方记谱法中的音高变化或特殊的演奏技法指示，从而在不完全放弃调性的前提下，保持音乐的“中国味”。我们将讨论序列技术与模态思维的交织。 节奏的多元性与灵活性： 中国音乐的节奏观，特别是板眼结构带来的自由时值感，与西方固定拍号体系存在差异。本章将研究作曲家如何运用复节奏、多拍子、自由拍号，甚至引入传统民间音乐中即兴化的节奏处理方式，打破僵硬的节拍束缚，使音乐更具流动性和呼吸感。 音色的魔术： 声音的色彩（Timbre）被视为二十世纪音乐的“第三要素”。华人作曲家如何系统性地挖掘和发展传统乐器的潜力，并将其融入到交响配器之中，是本章的重点。例如，对打击乐器组的革新性使用，或通过特定的演奏法（如“无弓”、“泛音”等）来模拟自然界的声音或抽象的意境。 第四部分：个体与流派——地域与代际的差异 二十世纪的华人作曲家群体并非铁板一块，而是因地域（大陆、港台、海外）和代际的不同，形成了风格迥异的流派。 地域的烙印： 讨论在不同社会和文化环境下成长的作曲家群体所体现的差异。例如，早期大陆作曲家对民族歌剧和管弦乐的集体主义叙事倾向，与海外作曲家在学术体系中对纯粹音乐结构与个人表达的探索之间的分野。 代际的传承与反叛： 梳理从早期受西方学院派训练的先驱者，到“文革”后恢复创作并接受西方前卫思潮的中间一代，再到新世纪后成长起来的，更早接触全球音乐信息的年轻一代，他们各自在继承与反叛中如何确立自己的美学坐标。 结语：未来的展望 本书的最后将总结二十世纪华人音乐发展所取得的里程碑式的成就，这些成就为二十一世纪的音乐创作奠定了坚实的基础。它强调，真正的创新并非是割裂历史，而是在深刻理解自身文化根源的基础上，以开放的心态与世界对话。《声韵流转》旨在提供一个深入、全面、多维度的视角，让读者理解这百年间华人音乐家们如何用音符书写自己的时代、自己的故事。这本书所呈现的，是音乐语言在碰撞、融合与重生中的不朽魅力。

评分☆☆☆☆☆

这张专辑的出版对于研究近三十年华人作曲家的发展脉络具有重要的文献价值，这一点从其系列名称便可见一斑。它不仅仅是孤立的一部作品，更是置于一个更广阔的艺术谱系中去考量的。作品的风格倾向于表现宏大叙事和对传统文化符号的现代解构，但处理手法上又带有明显的个人印记，避免了陷入僵化的“民族风格”窠臼。我特别留意了其配器法中对东方传统乐器音色的模拟或融合（当然，这需要更专业的乐理知识来确认），但即便是从非专业角度去感受，也能体会到其中蕴含的文化张力——即如何在一个高度国际化的音乐语言体系中，表达根植于本土的、具有普世意义的题材。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我对当代音乐的理解一直停留在比较浅显的层面，但这张专辑（或者说这个系列作品中的这首曲目）却像一把钥匙，为我打开了一扇通往更复杂、更精妙的音乐世界的大门。它的结构处理极其精妙，即便是反复聆听，依然能捕捉到之前忽略掉的细节——比如某个不和谐音程的微妙处理，或者某个旋律片段的几次不同配器的变奏。这绝非那种一听就“抓耳”的流行曲式，它要求听者投入时间去理解其内部的逻辑和情感脉络。对我而言，聆听的过程更像是在解码一部复杂的乐谱，每一次深入，都能感受到作曲家在音色选择和织体构建上的匠心独运。这种需要“功课”的艺术品，往往更耐人寻味，它挑战了我们对“美”的固有认知，将美感建立在结构的严谨与情感的深度之上。

评分☆☆☆☆☆

老实说，一开始我带着一种略微保守的心态来接触这类“21世纪作品”，生怕听到太多晦涩难懂的无调性实验。但出乎意料的是，尽管其和声语言无疑是现代的，但其内在的情感流向却是极其清晰和动人的。它没有为了先锋而先锋，而是将复杂的技巧服务于表达。那贯穿始终的，仿佛是命运的巨大阴影，它时而清晰可见，时而潜伏于背景的低吟之中。这让我联想到文学作品中那种宿命论的悲剧色彩，音乐似乎在无声地诉说着关于不公、抗争与最终无可挽回的结局。这种直击人心的力量，即便是不理解所有复杂的对位和复调结构，也能被其强大的情感能量所捕获。

评分☆☆☆☆☆

从纯粹的听觉体验来说，这首序曲（或者说作品）的音响效果堪称一流。低音铜管的沉稳和木管组的灵动形成了鲜明的对比，尤其是在高潮部分，整个乐队爆发出的能量，那种浑厚而富有层次感的音墙，即使用一般的耳机也能感受到其穿透力。然而，最让我印象深刻的，反而是那些极其安静的片段。在喧嚣退去之后，留下的那些近乎寂静的时刻，往往蕴含着最强大的情绪张力。它们像是暴风雨来临前，空气中凝固的、令人窒息的沉默。这种对动态范围的极致掌控，体现了创作者对听觉心理的深刻洞察力，知道何时该给予听众喘息的空间，何时又该用声音的重量将其完全压垮。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的磅礴气势着实让人震撼，初听之下，仿佛置身于一个宏大叙事的史诗场景之中。作曲家对于管弦乐团的驾驭能力达到了炉火纯青的地步，各种乐器的交织、碰撞，如同历史的洪流在听者的耳边奔腾而过。特别是中段那段对人声的运用，虽然没有直接描绘具体的场景，却以一种抽象而有力的方式，烘托出一种深沉的、难以言喻的悲剧宿命感。那种压抑与爆发的张弛有度，使得音乐的张力始终保持在一个极高的水平线上，让人不自觉地屏息凝神，全身心地投入到这音乐的叙事之中。我想，这种将传统叙事内核与现代交响语汇完美融合的尝试，无疑是当代音乐创作领域一次勇敢且成功的探索，它没有流于形式上的炫技，而是真正捕捉到了某种深刻的时代精神和人性挣扎。