表演秀系列(第2级古典乐曲) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 南希·菲伯尔兰德尔·菲伯尔... 编

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• 古典乐
• 钢琴谱
• 儿童钢琴
• 初级
• 练习曲
• 乐谱
• 古典音乐
• 技巧提升
• 分级教材
• 表演曲

店铺： 火把图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103051351

商品编码：29772609619

开本：16

出版时间：2016-06-01

基本信息

• 商品名称：表演秀系列(第2级古典乐曲)
• 作者：编者:(美)南希·菲伯尔//兰德尔·菲伯尔|译者:刘琉
• 定价：29
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103051351

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-06-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：25

内容提要

南希·菲伯尔、兰德尔·菲伯尔编的《表演秀系 列(第2级古典乐曲)》为钢琴之旅系列丛书中的“表 演秀系列”配套曲集。“钢琴之旅”系列教材是人民 音乐出版社和美国海伦德公司共同出资合作的图书出 版项目。该套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6 级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类 型分为“精选曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐” 、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“*喜爱的歌 ”等七本。
    

作者简介

南希·菲伯尔与兰德尔·菲伯尔结合了各自作曲家与演奏家的背景，使众多钢琴教师与学生成为其追随者。这对夫妇组合已出版了超过200种的专业图书，其中就包括在世界范围内广受赞誉的“钢琴之旅”系列出版物。 菲伯尔夫妇认为，学习钢琴不仅是为了个人情感的表达与演奏的成功，*重要的是为了发展孩子的音乐创造性与认知能力。这个理念也全面地体现在菲伯尔夫妇的文章、教材以及教学实践中。

目录

土耳其进行曲(选自《雅典娜的废墟》)
浪漫曲(选自《弦乐小夜曲》)
鳟鱼
摇篮曲
金婚式
乡村舞曲(选自《第三交响曲“英雄”》终曲)
终曲(选自《**交响曲》)
终曲(选自《动物狂欢节》)
大象(选自《动物狂欢节》)
睡美人圆舞曲
终曲(选自《第九交响曲——自新大陆》)
斯拉夫进行曲
音乐术语词典

好的，以下是为您的图书《表演秀系列(第2级古典乐曲)》撰写的一份不包含该书内容的详细图书简介： --- 《璀璨星光：现代流行音乐创作与演绎大师课》 面向进阶音乐人、词曲作者、歌手及音乐制作人 解锁您的下一个热门金曲 在这个瞬息万变的音乐世界里，仅仅掌握技巧已不足以立足。真正的突破来自于对音乐商业逻辑的深刻理解、对听众情感的精准捕捉，以及将个人创意转化为市场爆款的能力。《璀璨星光：现代流行音乐创作与演绎大师课》并非一本传统的乐理或技巧手册，它是一份深入一线、直击灵魂的实战指南，旨在为有志于在主流音乐市场中脱颖而出的创作者和表演者提供全方位的指导。 本书将引领读者穿越流行音乐工业的重重迷雾，从灵感的萌芽到作品的最终打磨与发行，全面解析当代流行音乐从概念到商业成功的完整链条。我们聚焦于那些驱动现代榜单的元素：结构创新、旋律记忆点、节奏驱动力、以及情感的叙事深度。 第一部分：灵魂的蓝图——现代歌曲的结构与叙事革命 本部分将彻底解构传统流行歌曲的框架，并展示如何打破这些框架以创造耳目一新的听感。 第一章：超越主歌-副歌的线性思维 我们将探讨当代流行音乐中日益复杂的结构模型，例如AABA 3.0、循环递进式结构（Cyclical Progression）以及叙事性桥段（Narrative Bridge）的有效运用。重点分析如何通过非传统段落的设置，引导听众的情绪曲线，避免早期泄气或后期疲软。深入解析节奏型（Groove）如何独立于旋律和歌词，成为驱动歌曲前进的核心动力。 第二章：旋律的“钩子”技术：记忆点的科学 为什么有些旋律能在一夜之间流传开来？本章剖析构建“抓耳旋律”（Earworm Melody）的科学原理。我们将从音程选择、节奏切分、以及音高轮廓（Pitch Contour）的设计入手，研究如何运用大量的重复、微妙的变奏和关键的爆发点，确保您的核心旋律能在大脑中形成持久的烙印。此外，还将涵盖如何利用“未解决的张力”（Unresolved Tension）来延长听众的期待感。 第三章：歌词的“画面感”与情感共振 优秀的歌词不仅仅是文字的堆砌，更是场景的构建。本章专注于歌词的电影化处理。我们将学习如何使用强烈的意象、感官细节（视觉、听觉、触觉）和对白片段，将抽象的情感转化为可触摸的体验。探讨当代流行音乐中“真实性”与“可接受度”之间的微妙平衡，以及如何利用个人经历进行普适性的情感投射。 第二部分：声音的炼金术——编曲、制作与音色设计 本部分聚焦于将草稿转化为具有市场竞争力的录音产品所需的制作技巧和声音审美。 第四章：节奏驱动力：从鼓点到律动的深层设计 在现代音乐中，节奏往往比旋律更具决定性。本章深入探讨如何设计具有个性的鼓组音色和节奏模式。我们将分析Trap、Afrobeat、Funk 等流派中节奏的“空间感”和“推拉感”（Push/Pull），并教授如何通过对律动微小的时间偏差（Micro-timing）处理，赋予作品更人性化和更具感染力的摇摆感（Swing）。 第五章：音色塑造：打造属于您的“签名声场” 录音的音色是艺术家身份的一部分。《璀璨星光》将带您进入专业录音室的心脏地带。讲解如何选择和处理主唱声音的“特性”（Character），如何利用效果器链（Effect Chains）来构建三维的声场空间感。重点分析如何使用合成器设计具有辨识度的Lead Sound，避免使用预设（Presets），实现真正的音色创新。 第六章：层次管理与动态控制 一个优秀的混音作品，其信息量是惊人的，但听起来却毫不拥挤。本章详细阐述多轨录音中的层次管理策略，包括频率分配（Frequency Slotting）、侧链压缩（Sidechain Compression）的应用艺术，以及如何通过动态范围的精心控制，确保作品在任何播放设备上都能保持清晰度和冲击力。 第三部分：舞台的磁场——表演艺术与现场魅力构建 创作完成只是第一步，如何将作品转化为令人难忘的现场体验，是衡量一位顶尖音乐人的试金石。 第七章：从录音室到舞台：表演风格的转化 录音室演唱的完美与现场的“生命力”之间存在鸿沟。本章指导如何根据歌曲的情感核心，设计符合个人形象的舞台肢体语言和眼神交流技巧。探讨如何在不同的场地规模（从小酒馆到体育场）下，调整声乐的投射方式和舞台走位，以维持能量的稳定输出。 第八章：即兴与互动：构建不可复制的瞬间 顶尖的现场表演总包含即兴元素。本章教授如何安全地进行即兴的Vocal Run、乐器Solo的结构构建，以及如何利用观众的实时反馈来调整表演的走向。重点分析如何在确保歌曲完整性的前提下，创造出“此刻只属于我们”的独特瞬间，增强粉丝粘性。 第九章：跨媒体叙事：音乐的视觉延伸 在数字时代，音乐的推广离不开视觉内容。《璀璨星光》最后一部分将探讨如何将歌曲的主题和情绪，自然地延伸到MV、社交媒体内容和专辑艺术设计中。学习如何构建统一的视觉语言，使听众在多重感官体验中，深化对您音乐世界的沉浸感。 --- 本书特色： 案例驱动学习： 全书引用超过50个近期（2018年后）登上全球各大榜单的成功曲目进行深度剖析，揭示其幕后决策。 实战工具箱： 提供了大量可立即应用于创作流程的“思维导图模板”和“动态测试清单”。 跨界访谈： 独家收录了三位金牌制作人、一位顶尖词曲作家的幕后对话，分享他们处理创意瓶颈的方法论。 谁应该阅读本书？ 无论您是独立音乐人、被包装的练习生、专业的音乐制作人，还是渴望将自己的歌曲推向更广阔市场的创作者，《璀璨星光》都将是您职业生涯中不可或缺的指南。它将带您从“会写歌”升级到“会制造热门”。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的琴童家长，我最看重的是教材的实用性和趣味性平衡。坦白说，很多所谓的“古典乐入门”书籍，要么枯燥得让孩子望而却步，要么难度提升得太快，导致挫败感严重。但这本乐谱集，却给我带来了耳目一新的感觉。它选取的小品片段，虽然经典，但经过了非常人性化的改编和简化，音域和节奏都控制在了让人感到“可达成就”的范围内。我儿子在练习其中一首改编自莫扎特奏鸣曲的片段时，兴趣盎然，因为他能很快地听出成品和原曲的关联，这极大地激发了他的自信心。出版社在排版上也下了功夫，字体清晰，行间距合理，即便是光线不佳的环境下练习，眼睛也不容易疲劳。我特别喜欢它在每首曲子前面附带的简短背景介绍，虽然只是寥寥数语，但却为乐曲赋予了生命和画面感，让孩子在弹奏时不再是机械地移动手指，而是尝试去理解作曲家当时的心境。这对于培养未来对音乐的深刻理解至关重要。

评分☆☆☆☆☆

如果从纯粹的演奏艺术角度来审视，这本书的价值在于它对“乐汇”的细腻处理。我个人对过于机械化的练习曲持保留态度，因为它们往往牺牲了音乐的流动性。然而，这本乐谱集中的作品，无一例外地都要求演奏者关注乐句的呼吸与连贯性。拿其中一首海顿的小步舞曲来说，很多版本处理得过于“方正”，缺乏舞曲应有的那种轻盈和律动。而这本选集，则通过微妙的重音提示和延音线的处理，引导演奏者去挖掘潜藏在简单结构下的优雅与幽默感。它教会你如何使用踏板，不是简单地踩到底，而是精确地进行“分割”与“连接”，以营造出空间感。我尝试着用书中的建议去处理一段赋格的模仿句，发现以往略显僵硬的交替声部，瞬间变得立体而有层次。对于追求“声响美学”的演奏者来说，这种对音乐内在逻辑的深度挖掘，远比单纯的技巧堆砌要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是为那些渴望在古典音乐的海洋中稳健前行的演奏者量身定做的“指南针”。我初次翻开它时，立刻被它精心的编排所吸引。它的曲目选择非常巧妙，既有耳熟能详的巴赫小品，也有一些相对冷门但旋律极其优美的早期浪漫主义片段。对于我们这些已经掌握了基础技巧，但尚在“初级进阶”阶段的音乐学习者来说，这种难度跨度把握得恰到好处。它没有一上来就抛出令人望而生畏的炫技曲目，而是通过对特定技巧的集中训练，比如琶音的平稳过渡、对位法的清晰表达，逐步提升读谱和演奏的准确性。更值得称赞的是，书中的指法标注详尽而富有洞察力，很多地方的建议简直是‘醍醐灌顶’，解决了我在日常练习中常常感到别扭的指位问题。比如有一首小奏鸣曲的第三乐章，我之前总是弹得断断续续，但对照书上的建议，稍微调整了左手无名指的支撑力度后，乐句立刻变得连贯而富有歌唱性。总而言之，它不仅仅是一本曲集，更像是一位耐心的、经验丰富的导师，陪伴你稳步跨越技术瓶颈。

评分☆☆☆☆☆

对于已经有几年琴龄、正在寻找“可靠的下一站”的音乐爱好者而言，这本书的出现简直是一场及时雨。我之前使用的教材难度曲线太陡峭了，导致我的进步停滞不前，陷入了“瓶颈期”。这本书的巧妙之处在于，它并非堆砌了大量知名的“大部头”作品的简化版，而是精选了一些结构完整、风格鲜明、且对技术要求非常“聚焦”的小品。它的价值不在于难度有多高，而在于它对“准确性”的极致追求。例如，对音阶跑动的均匀度要求到了吹毛求疵的地步，每一个音符的清晰度都要在相同的力度下完美呈现。这强迫我重新审视自己以往可能忽略的、那些自认为已经“掌握”的基础。当我重新专注于每一个手指抬起的动作和触键的深度时，我发现自己的音色厚度和稳定性都有了质的飞跃。这本书教会我的，是如何把“弹响”变成“歌唱”，这是一种对音乐表达的更深层次的责任感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是在寻找一些高质量的、适合快速融入合奏或小型室内乐的练习材料时发现了这本书。很多我们这个级别的练习材料，往往只关注独奏的表现力，对声部平衡的训练相对不足。然而，这本《表演秀系列（第2级古典乐曲）》中的曲目，即便单独看是独奏小品，其内在的结构也充满了对话感。例如，某几首选自练习曲但被赋予了歌唱旋律的作品，其旋律线与伴奏声部之间的张力处理，如果能清晰地表达出来，就如同练习二重奏一般。这极大地锻炼了我的“内部听力”——即在弹奏时能够同时监控自己演奏出的不同声部之间的关系。我将其中几首曲子尝试用两个不同的音色组来处理，惊喜地发现它们原本就具有很强的对位基础。这对于那些希望未来能参与到更复杂乐队或室内乐排练中的学习者，无疑是一个极佳的过渡性桥梁。