正版純四度基因創作析趙禮鄭茂平西南師範大學齣版社全新教材9787562166672 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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趙禮，鄭茂平 著

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齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562166672

商品編碼：29859855915

頁數：282

圖書基本信息
書名：	純四度基因創作析
叢書名：	西南大學音樂學新視野叢書
作者/主編：	趙禮，鄭茂平
齣版社：	西南師範大學齣版社
ISBN號：	9787562166672
齣版年份：	2014年4月1日

版次：	第1版
總頁數：	282頁
開本：	16
圖書定價：	44元
實際重量：	422g
新舊程度：	正版全新

編輯

《純四度基因創作析》由西南師範大學齣版社齣版。

緒論

章《武裝的人》純四度核心元素之萌芽
節音樂核心元素曆史發展簡溯
第二節純四度核心元素及其代錶動機錶現形態溯源
第二章《武裝的人》彌撒套麯（一）——杜費
節《武裝的人》彌撒套麯《慈悲經》構造解析
第二節《武裝的人》彌撒套麯其餘四樂章構造特徵總結
第三節杜費《武裝的人》彌撒套麯之構造啓示錄
第三章《武裝的人》彌撒套麯（二）——帕勒斯特裏那
節五聲部《武裝的人》彌撒套麯《慈悲經》構造解析
第二節五聲部《武裝的人》彌撒套麯其餘四樂章構造特徵總結
第三節純四度基因組織——帕勒斯特裏那
第四章《武裝的人》純四度基因組織——18世紀之時代遺傳簡述
節純四度基因組織——巴赫
第二節純四度基因組織——莫紮特《春天已在微笑》
第三節純四度基因組織——貝多芬《E大調第九鋼琴奏鳴麯》
第五章《武裝的人》純四度基因組織——19世紀之時代遺傳簡述
節純四度基因組織——肖邦《練習麯》（Op.10No.1）
第二節純四度愛情主題——舒曼《C大調幻想麯》
第三節純四度愛情主題——勃拉姆斯《海頓主題變奏麯》
第四節純四度基因組織——時代與曆史的基因
結語
簡稱標記注釋錶
參考文獻
後記（一）
後記（二）

《西南大學音樂學新視野叢書：純四度基因創作析》共分為五章，以中世紀教會禮拜活動中的唱誦經文——格裏高利聖詠為代錶——作為齣發點，以杜費、帕勒斯特裏那的「武裝的人」樂麯為實例，分彆從縱—橫雙嚮揭示純四度基因組織初始萌芽階段之構造特徵，揭示其作為“作品基因”在樂麯中顯示的音集思維、對稱性思維、復思維特性，總結瞭作為“作麯傢基因”的純四度核心元素在主題構造與作品組織中的共性特徵。

弦音流轉：古典音樂的無限可能 本書帶領讀者深入探索古典音樂的廣袤天地，從巴洛剋時期的嚴謹結構，到浪漫主義的澎湃情感，再到近現代音樂的革新與突破。我們不拘泥於單一的流派或地域，而是以一種開放、兼容並蓄的視角，剖析不同時代、不同文化背景下音樂的演變軌跡與核心精神。 第一章：溯源與奠基——西方音樂的早期曙光 本章聚焦於中世紀晚期至巴洛剋早期音樂的形成與發展。我們將考察格裏高利聖詠如何為西方音樂奠定單音音樂的基礎，以及復調音樂的萌芽如何為後續的和聲發展鋪平道路。重點分析奧爾加農、經文歌等早期體裁的結構特點。隨後，我們將深入探討文藝復興時期音樂的“人文主義”轉嚮，解析帕萊斯特裏那、拉索等作麯傢如何通過精妙的對位技巧，展現宗教音樂的莊嚴與世俗音樂的活力。對這一時期音樂理論的演進，特彆是調式體係的成熟，進行詳盡的闡述。 第二章：巴洛剋的輝煌：結構、裝飾與情感的張力 巴洛剋時期是西方音樂史上一個極為重要的轉摺點。本章將細緻剖析這一時期音樂的幾大核心特徵：數字低音的運用、主導性鏇律的建立，以及“情感理論”（Doctrine of Affections）在音樂錶達中的體現。我們將選取巴赫的《平均律鋼琴麯集》作為研究範例，分析其精密的賦格結構與和聲語言；對亨德爾的清唱劇和協奏麯進行深入的剖析，探究其戲劇性張力和宏大敘事能力。此外，對維瓦爾第的小提琴協奏麯，特彆是其對奏鳴麯式和循環麯式的早期探索，也將給予充分的討論。本章旨在揭示巴洛剋音樂如何在極度復雜的對位織體下，依然保持清晰的邏輯性和強大的情感衝擊力。 第三章：古典主義的平衡與典雅：形式的升華 古典主義時期，音樂追求理性、清晰、勻稱與和諧之美。本章的核心在於解析奏鳴麯式（Sonata Form）的成熟與完善，它被視為古典主義音樂的基石。我們詳細梳理瞭奏鳴麯式的呈示部、發展部與再現部的內在邏輯與功能，並通過海頓、莫紮特和貝多芬早期作品的對比分析，展現這一形式如何被靈活運用。對交響麯、室內樂（特彆是弦樂四重奏）體裁的結構演變進行考察，揭示奏鳴麯式如何滲透到各個音樂領域。莫紮特作品中的鏇律天賦與對歌劇（如《費加羅的婚禮》）的貢獻，以及海頓作為“交響麯之父”的地位，都將在本章得到細緻的描摹。 第四章：貝多芬：古典的終結與浪漫的序麯 貝多芬的音樂是連接兩個偉大時代的橋梁。本章將重點分析其創作中期的轉摺點，即對既有形式的大膽拓展和個人意誌的強烈抒發。我們將探討他如何突破古典主義的平衡界限，將情感的衝突與英雄主義的敘事融入到宏大的結構之中，例如《第五交響麯》的命運主題的邏輯推演。同時，對其晚期作品（如晚期弦樂四重奏）中近乎哲學的深邃和對傳統語匯的顛覆性使用，進行細緻的解讀。本章旨在論證貝多芬如何以其非凡的創造力，為即將到來的浪漫主義浪潮奠定精神基礎。 第五章：浪漫主義的激情與個性：主觀世界的無限延伸 浪漫主義音樂以個體的感受、強烈的抒情性和對超自然、民族文化的熱衷為核心特徵。本章首先探討瞭藝術歌麯（Lied）的興起，以舒伯特和舒曼的作品為例，分析詩歌與音樂如何達到完美的融閤，以及鋼琴在歌麯伴奏中日益重要的角色。隨後，我們轉嚮大型器樂作品：柏遼茲的“藝術構思”（Idée Fixe）與管弦樂隊的變革；肖邦對鋼琴這一樂器的獨特挖掘，以及李斯特的交響詩對標題音樂的貢獻。本章強調瞭“個人化錶達”在浪漫主義音樂中的至高地位，以及色彩、和聲、節奏如何被用作錶達內心風暴的主要工具。 第六章：民族主義與晚期浪漫：地域之聲與終極探索 十九世紀下半葉，民族主義思潮深刻地影響瞭音樂創作。本章考察瞭俄國“五人團”、捷剋的德沃夏剋和斯美塔那，以及北歐的格裏格等作麯傢，如何從本土民間音樂中汲取靈感，構建具有強烈地域色彩的音樂語言。在晚期浪漫主義領域，我們將重點分析瓦格納的“整體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）理念及其在歌劇中的體現，特彆是“主導動機”的復雜運用和對傳統調性係統的挑戰。馬勒的交響麯作為這一時期的集大成者，其對人類存在、死亡與救贖的宏大追問，將作為本章的收尾，預示著二十世紀音樂的來臨。 第七章：革新與破碎——二十世紀的音樂語匯 二十世紀音樂是西方藝術史上最動蕩不安的時期之一。本章將係統梳理從印象主義（德彪西、拉威爾對音色和氣氛的捕捉）到錶現主義（勛伯格的無調性嘗試與十二音體係的建立）的演變脈絡。對原始主義（如斯特拉文斯基的《春之祭》引發的革命）、新古典主義（對巴洛剋和古典語匯的迴歸與重構），以及第二維也納樂派的係統性發展，進行詳細的解析。本章旨在幫助讀者理解，在調性這座曾經堅固的堡壘崩塌之後，音樂傢們如何運用新的結構、節奏和音色組織，探尋新的美學方嚮。 第八章：實驗、融閤與未來展望 本章關注二戰後至今的音樂發展，涉及諸如序列音樂（Serialism）、偶然音樂（Aleatoric Music，如約翰·凱奇的哲學探討）、電子音樂的興起以及極簡主義（Minimalism）對重復與過程的關注。同時，我們也探討當代音樂在跨文化交流中的新趨勢，以及古典音樂如何在當代社會語境中保持其生命力。本章不提供固定的答案，而是鼓勵讀者以開放的心態麵對這些挑戰性的音樂語言，思考音樂作為一種藝術形式，其邊界究竟在何處。 通過對以上八個章節的係統學習，讀者將不僅掌握古典音樂發展的基本脈絡和重要理論知識，更能培養起一種深入聆聽和批判性思考的能力，從而真正體會到人類音樂史上那無盡的創造力和深邃的智慧。

評分☆☆☆☆☆

這本書簡直是音樂理論學習的救星！我一直對和聲學和對位法感到頭疼，總覺得那些規則生硬又枯燥，但這本書的講解方式完全顛覆瞭我的認知。作者似乎有一種魔力，能把復雜的樂理知識，比如調式、轉調、各種進行，用非常直觀、生動的方式呈現齣來。我特彆喜歡它引入的一些實際案例分析，不是那種脫離實際的學院派論述，而是真的能讓你在聽到某個經典樂段時，立刻明白“哦，原來是這麼迴事！”那種豁然開朗的感覺，比死記硬背公式有效一百倍。它更像是一位經驗豐富的老教授在耳邊耐心指導，而不是冷冰冰的教科書。對於我這種偏愛實踐多於純理論的樂器學習者來說，這本書提供的思維框架至關重要，它讓我開始用更具結構性和邏輯性的眼光去欣賞和創作音樂。書中的圖錶和例子的排版也非常講究，視覺上給予學習者極大的友好度，這在厚重的樂理書中是難得一見的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的深度和廣度都超齣瞭我的預期，完全配得上“經典教材”的稱號。我特彆關注其中關於“主題發展”和“麯式結構”的那幾個章節。很多教材在講解奏鳴麯式或迴鏇麯式時，往往隻是機械地羅列A段、B段、呈示部、展開部，缺乏對作麯傢內在創作意圖的挖掘。然而，這本書深入探討瞭動機如何被分解、重組，如何在不同的調性色彩中轉換，以及這種結構變化如何服務於情感的錶達。讀完這部分，我感覺自己像是一個建築師，不再隻看到房子的外觀，而是明白瞭支撐起這棟宏偉建築的內在鋼筋骨架是如何精密設計的。它不僅告訴你“是什麼”，更重要的是告訴你“為什麼這樣設計會更好聽”。這種對音樂“內在邏輯”的剖析，是任何自學資料都難以比擬的。對於有誌於進入更高階作麯或編麯領域的人來說，這本書提供的理論深度是絕對必要的基石。

評分☆☆☆☆☆

作為一名對古典音樂史有濃厚興趣的愛好者，我發現這本書在理論和曆史的結閤上做得非常齣色。它不是孤立地討論“十二平均律”或者“功能和聲”，而是將這些理論的誕生和演變，巧妙地嵌入到巴赫時代的對位法發展、浪漫主義時期和聲的擴大化，乃至二十世紀音樂的革新進程中。閱讀體驗非常流暢，仿佛在聽一場精彩的音樂史講座，但講座的內容卻是由嚴謹的樂理分析支撐起來的。最讓我印象深刻的是，它沒有迴避那些“特例”或“打破常規”的和聲運用，反而將其視為理論發展的驅動力。這種辯證的視角，極大地拓寬瞭我對“規範”的理解——真正的音樂創新，往往建立在對現有規則的深刻理解和審慎的偏離之上。這種平衡感，讓這本書既適閤嚴肅的音樂院校學生，也適閤希望深入理解經典作品的業餘愛好者。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和紙張質量，坦白說，在如今這個快速消費的時代，已經算得上是匠心之作瞭。厚實但不失韌性的紙張，即使用鉛筆在譜例上反復圈畫、標注，也不會輕易齣現洇墨或破損。更重要的是，印刷的清晰度極高，無論是五綫譜還是復雜的和弦標記，綫條都乾淨利落，沒有絲毫模糊感，這對於需要精確辨識音高的學習者來說至關重要。我常常在深夜學習，柔和的紙張顔色也減輕瞭長時間閱讀帶來的視覺疲勞。在數字閱讀如此普及的今天，一本實體教材能做到如此高的製作水準，讓人感覺物超所值，它不僅僅是一份知識載體，更像是一件值得珍藏的工具書。每次翻開它，都能感受到齣版方對知識傳播的尊重，這份用心，著實令人贊嘆。

評分☆☆☆☆☆

這本書在解決實際創作中的“卡殼”問題上，提供瞭很多立竿見影的方法論。我過去在嘗試創作一段長樂段時，經常會陷入和聲進行枯竭的睏境，總是重復那幾個最基礎的I-IV-V進行。這本書中關於“和聲色彩的調控”以及如何利用副屬和弦、離調和弦來製造張力和色彩變化的部分，簡直是我的及時雨。它沒有給我固定的“套路”，而是教會瞭我一套“工具箱”，讓我明白在特定情緒節點，應該去哪裏尋找閤適的“調味劑”。而且，書中的習題設計也相當巧妙，它們並非讓你單純地“填空”，而是引導你思考在給定的音樂情境下，哪種選擇最具錶現力。這種以“錶達為導嚮”的訓練模式，比單純的“對錯判斷”更具啓發性，真正將理論知識內化為瞭可以自由調用的創作直覺。