正版西方音乐史朱秋华北京大学出版社北京大学素质教育教材9787301058145 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱秋华 著

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• 西方音乐史
• 音乐史
• 朱秋华
• 北京大学出版社
• 高等教育
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• 北京大学

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出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301058145

商品编码：29859859252

页数：485

图书基本信息
书名：	西方音乐史
丛书名：	北京大学素质教育通选课教材
作者/主编：	朱秋华
出版社：	北京大学出版社
ISBN号：	9787301058145
出版年份：	2002年

版次：	第1版
总页数：	485页
开本：	1/32
图书定价：	30.00元
实际重量：	440g
新旧程度：	正版全新

《北京大学素质教育通选课教材:西方音乐史》由北京大学出版社出版。

章古希腊、古罗马音乐 节概述 第二节古希腊音乐 第三节古罗马音乐 第四节基督教音乐的兴起 第五节拜占庭音乐 第二章中世纪音乐 节宗教音乐 第二节世俗音乐 第三节音乐美学 第四节音乐理论与实践 第五节乐器 第三章文艺复兴时期的音乐 节概述 第二节法国音乐 第三节意大利音乐 第四节德国音乐 第五节尼德兰乐派 第六节音乐理论研究与器乐 第四章巴洛克音乐 节概述 第二节歌剧的产生与新的声乐体裁 第三节器乐的发展 第四节格鲁克与歌剧改革 第五节亨德尔与巴赫 第五章维也纳古典乐派 节概述 第二节维也纳古典乐派的代表：海顿、莫扎特、贝多芬 第六章浪漫主义音乐 节概述 第二节德、奥音乐：韦伯、舒伯特、门德尔松、舒曼、勃拉姆斯、瓦格纳 第三节意大利音乐：罗西尼、威尔地 第四节法国音乐：古诺、比才、浪漫主义音乐的其他重要体裁、柏辽兹、圣一桑、弗朗克 第五节匈牙利音乐：埃尔凯尔、李斯特 第六节波兰音乐：肖邦 第七节浪漫主义音乐中的民族乐派 第八节捷克音乐：斯美塔那、德沃夏克 第九节挪威音乐：格里格 第十节俄罗斯音乐：格林卡、强力集团、柴可夫斯基 第七章晚期浪漫主义音乐 节概述 第二节德、奥晚期浪漫主义音乐的代表：马勒、施特劳斯 第三节芬兰及俄罗斯晚期浪漫主义音乐的代表：西贝柳斯、拉赫马尼诺夫、斯克里亚宾 第四节意大利晚期浪漫主义音乐：普契尼、雷斯比基 第八章印象主义音乐 节印象主义音乐的产生 第二节印象主义音乐的特征 第三节印象主义音乐的代表人物：德彪西、拉威尔、杜卡 第九章现代音乐的发展 节科学对音乐艺术的影响 第二节艺术领域内的现代化倾向 第三节哲学思潮对音乐艺术的催化 第四节现代音乐的主要流派 第五节音乐法则的演变 第十章美国音乐概况 节早期美国音乐的发展概况 第二节美国乐坛上的三位代表：格什文、格罗菲、科普兰 第十一章通俗音乐的发展 节爵士乐 第二节爵士乐的特征 第三节爵士乐的派别 第四节摇滚乐 第十二章当代音乐 节偶然音乐 第二节噪音音乐 第三节电子音乐 第四节具体音乐 第五节当代音乐的代表作曲家及作品：斯特拉文斯基、勋伯格、巴托克、普罗科菲耶夫、萧斯塔科维奇、米约、奥涅格、欣德米特、凯奇、瓦雷兹、布莱兹、施托克豪森、彭德雷茨基 参考书目 后记 

《北京大学素质教育通选课教材:西方音乐史》立足于文化史、艺术史的大背景下展开西方音乐发展过程的阐释。从音乐文化的角度来分析西方传统音乐发展历史中的各种现象，力求广泛、概括地介绍自古希腊、古罗马到当代的种种音乐艺术风格，介绍各种音乐创作倾向的代表者及代表作品，介绍产生不同音乐风格与流派的社会背景。揭示音乐作品在不同社会历史时期所具有的人文精神与审美特征。与此同时，尽力避免过多地涉及较深的音乐技术理论分析。注重对学生进行音乐感性认识的培养。使他们在了解西方音乐发展脉络与文化特征的同时。也进一步提高其音乐审美与鉴赏能力。  

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，不涉及您提到的《正版西方音乐史朱秋华北京大学出版社北京大学素质教育教材9787301058145》的内容。 --- 《交响的史诗：从巴赫到马勒的欧洲音乐演变》 导言：穿越时空的声响 本书旨在为音乐爱好者、学生以及任何对西方艺术史感兴趣的读者，提供一部宏大而细腻的欧洲音乐发展史。我们不将音乐视为孤立的声音事件，而是将其置于其产生的社会、哲学和艺术背景之中，探讨音乐语言如何随时代变迁而演化，以及那些划时代的作曲家们如何以其独特的创造力，塑造了我们今天所理解的“古典音乐”。 本书的叙事脉络，将从巴洛克鼎盛时期开始，延伸至浪漫主义晚期的情感巅峰，力求通过深入的文本分析和对历史语境的考察，展现欧洲音乐在近三百年间所经历的深刻变革与内在联系。 第一部分：巴洛克的回响——理性与激情的交织 (约 1600–1750) 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满活力和对比的时代。它以精巧的对位法、强烈的装饰性以及对“情感的狂喜”（Affektenlehre）的追求而著称。 一、巴洛克音乐的诞生与早期形态： 我们将从歌剧在意大利佛罗伦萨的起源讲起，探讨早期音乐家如何试图复兴古希腊戏剧的理想，并确立了主调音乐（Monody）的基本原则。蒙特威尔第（Monteverdi）作为这一转型的关键人物，其作品中对戏剧张力和情感色彩的把握，为后世的创作奠定了基础。 二、赋格与协奏曲的成熟： 这一部分将重点分析巴赫（J.S. Bach）的艺术成就。巴赫将巴洛克对位法的技巧推向了无与伦比的巅峰。《平均律键盘曲集》不仅是键盘技术的百科全书，更是对调性体系的深刻哲学探讨。同时，我们将解析维瓦尔第（Vivaldi）等人在协奏曲体裁上的贡献，特别是对“快速-慢速-快速”结构以及独奏乐器与乐队之间对比的规范化。 三、风格的过渡：从严谨到清晰： 随着巴洛克晚期的临近，音乐开始向更清晰、更均衡的结构转变。手稿的整理与传播也在此阶段为古典主义的出现积蓄了力量。 第二部分：古典主义的黄金比例——平衡、清晰与形式的胜利 (约 1750–1820) 如果说巴洛克是精雕细琢的建筑，那么古典主义就是追求和谐与秩序的典范。在启蒙运动思想的熏陶下，音乐界转向了对普适性、清晰的旋律和严谨的曲式结构的不懈追求。 一、奏鸣曲式的确立与发展： 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义音乐的基石。我们将详尽剖析呈示部、展开部和再现部中主题的冲突与解决，探讨海顿（Haydn）如何通过其在交响曲和弦乐四重奏中的创新，成为“交响乐之父”。 二、莫扎特的光辉与悲剧： 莫扎特（W.A. Mozart）将古典主义的优雅、旋律的纯净与深刻的人性洞察完美结合。本书将分析他在歌剧领域（如《费加罗的婚礼》、《唐璜》）中如何利用音乐描绘复杂的人物心理，以及他在协奏曲中对独奏乐器与乐队对话的精妙处理。 三、贝多芬的革命性突破： 贝多芬（L. van Beethoven）被视为连接古典与浪漫的桥梁。他的早期作品遵循古典规范，但其中期作品，如“英雄”交响曲，则充满了个人意志的表达和对既有形式的拓展。我们将重点研究他如何通过扩展乐章长度、增加对位密度和情感张力，为浪漫主义开辟了道路。 第三部分：浪漫主义的狂潮——自我、情感与民族精神 (约 1820–1910) 浪漫主义音乐是对古典主义的理性限制的反抗，是对个体情感、想象力、自然崇拜以及民族历史的深度探索。音乐的主导地位空前提高，作曲家不再仅仅是宫廷的工匠，而是被视为拥有先知般洞察力的艺术家。 一、抒情独白与室内乐的革新： 舒伯特（Schubert）将德语艺术歌曲（Lied）提升到了独立艺术的地位，歌曲循环（Song Cycle）成为表达私密心境的完美载体。同时，肖邦（Chopin）专注于钢琴，将波兰的民族情感融入到夜曲、叙事曲等小型体裁之中，发展出极其精致的演奏技巧和和声语言。 二、大型叙事性音乐的兴起： 这一时期，音乐的“文学性”日益增强。柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》展示了标题音乐（Program Music）的巨大潜力，通过“固定意念”（Idée Fixe）组织庞大的乐队编制，讲述复杂的故事。 三、德奥后期浪漫主义的宏大叙事： 随着调性体系被推向极限，瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论，通过半音化和声和“主导动机”（Leitmotif）的运用，彻底改变了歌剧的面貌，并对20世纪和声学产生了深远影响。 四、马勒与交响诗的终结： 晚期浪漫主义的集大成者马勒（Mahler），以其庞大的人声与器乐结合的交响曲，探索了生与死、世俗与神圣的终极命题。他的作品是对整个欧洲音乐传统的总结和告别，预示着新世纪调性秩序的瓦解。 结论：回望与前瞻 本书在梳理完从巴赫到马勒的清晰脉络后，将简要总结古典音乐这一“经典时期”所建立的结构、体裁和美学标准。正是这些奠基性的成就，为二十世纪初的音乐实验与多元化发展提供了可以继承、挑战或彻底颠覆的参照系。通过本书，读者将能更深刻地理解，每一段旋律、每一个和弦背后的时代精神与艺术抉择。

评分☆☆☆☆☆

这本被誉为“经典之作”的音乐史巨著，初捧上手便能感受到它沉甸甸的分量，这不仅仅是物理上的重量，更是知识体系的厚重感。我是在一位音乐系前辈的强烈推荐下开始阅读的，他用了“如沐春风，醍醐灌顶”来形容初次接触这本书的感受。我原本对西方音乐史的认知还停留在零散的、碎片化的知识点上，比如巴赫的对位法、莫扎特的歌剧咏叹调，但这本书却构建了一个完整、宏大的时间轴。作者的叙事功力极为高超，绝非那种枯燥的教科书式堆砌，而是充满了人文关怀和对作曲家个体命运的深刻洞察。比如，在讲述浪漫主义早期时，对贝多芬在耳聋后内心挣扎的描写，那种文字的力量仿佛能穿透时空，让你真切体会到艺术创作在巨大痛苦中爆发出的不朽光芒。我特别欣赏它在探讨不同音乐时期风格转变时所采用的对比分析法，将不同流派的代表作进行并置解读，使得那种微妙的风格差异变得清晰可见，让人对“何为古典，何为浪漫”有了更深层次的理解。这本书的图文排版也极为考究，大量的乐谱选段和历史绘画的穿插，让阅读过程成为一种享受，仿佛置身于那个时代的回响之中。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我当初选择这本书，很大程度上是被其“北京大学素质教育教材”的名头所吸引。我期待它能提供一个既权威又易于理解的学习路径，事实证明它确实做到了。与其他侧重于技术分析的教材不同，这本书似乎更注重“文化语境”的建构。它不仅仅告诉你某部作品的结构是什么，更深入地探讨了这部作品诞生的社会背景、赞助人的偏好、哲学思潮的影响，甚至包括当时乐器制造技术的进步。这种全景式的考察角度，极大地拓宽了我的视野。举例来说，在讲解中世纪音乐向文艺复兴过渡时，作者对“人文主义”思潮如何渗透到音乐创作中，从单纯的宗教赞美转向对个体情感的关注，阐述得细致入微。阅读过程中，我常常需要停下来，查阅一些相关的历史文献或艺术史资料，因为作者总能在不经意间抛出一个引发深度思考的问题。对于非音乐专业出身，但对西方文化有浓厚兴趣的读者来说，这本书无疑提供了一把钥匙，一把通往古典艺术殿堂的钥匙，它引导你从“听众”升级为“理解者”。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余的古典音乐爱好者，过去主要依靠网络课程和一些流行的音乐普及读物来构建自己的知识体系。然而，那些内容往往浅尝辄止，缺乏系统性。这本书的出现，彻底改变了我的学习模式。它最让我感到惊艳的是其对早期音乐（如古希腊音乐理论的残存影响，以及格里高利圣咏的流变）的梳理。这部分内容通常在很多通俗读物中被一带而过，但这本书却花费了相当大的篇幅，细致地勾勒出西方音乐理性思维的源头。作者对于术语的界定极为严谨，但解释时又充满灵活性，避免了陷入晦涩难懂的泥潭。比如，它解释“调式”时，不仅仅给出了音阶的排列，还结合当时的教会礼仪和情感表达功能进行了阐释。我尤其喜欢它在引入“复调”概念时所采用的类比手法，将不同声部的独立发展比作一场精心编排的哲学对话，使得原本复杂的对位关系变得直观可感。这种学术深度与可读性的完美平衡，是许多音乐史著作难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我是在对比了几本市面上主流的西方音乐史教材后，最终选择了这一本。最核心的优势在于其叙事的“节奏感”。很多教材在处理从巴洛克到古典乐派的演进时，常常让人感觉节奏拖沓，重点不突出。但这本书对“风格转型期”的把握极为精准。在描述“巴洛克晚期”向“前古典时期”过渡时，作者没有急于宣告新时代的到来，而是细致描绘了旧体系的“松动”和新元素的“萌芽”。它清晰地展示了洛可可风格对繁复对位法的“反叛”，以及对旋律清晰度和情感表达的回归需求是如何一步步催生了奏鸣曲式的成熟。我曾反复研读关于海顿的作品分析部分，作者对海顿“幽默感”的音乐学解读，令人耳目一新——那不是简单的滑稽，而是在严格结构框架下的智慧的嬉戏。对于希望深入研究西方音乐发展脉络的读者而言，这种对细节的尊重和对历史动态的把握，是至关重要的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名希望打好基础的自学者，我最看重的是教材的“可靠性”和“视野的广阔度”。这本书在严谨的音乐学框架内，始终保持着一种开放的文化视野。它不局限于欧洲中心论的窠臼，而是适当地引入了当时周边文明对欧洲音乐产生的影响，例如拜占庭音乐对早期教堂音乐的潜在影响，虽然篇幅不长，却展现了作者深厚的学术功底和国际化的研究视角。在讨论到20世纪的变革时，作者的处理尤其精彩，面对瓦解传统的各种流派——十二音体系、序列主义、偶然音乐——作者没有采取简单的褒贬态度，而是以一种冷静、客观的态度，分析了每一种流派在特定历史条件下解决音乐“固有矛盾”的努力。这种成熟的处理方式，让我避免了陷入某种流派的狂热或偏见之中，而是学会了用历史的眼光去审视音乐的每一步探索。这本书，绝对是值得反复翻阅和珍藏的工具书和思想指南。