视唱练耳教程书籍（下册） 熊克炎著 上海音乐出版社视唱练耳教程.下(多声部视唱与听写)//(音乐卷) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 视唱练耳
• 音乐教学
• 音乐理论
• 熊克炎
• 上海音乐出版社
• 多声部视唱
• 听写
• 音乐卷
• 高等教育
• 教材

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539607

商品编码：29867249020

丛书名： 视唱练耳教程.下(多声部视唱与听写)(音乐卷

开本：16开

出版时间：2001-09-01

 

目录

 

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第三编 多声部视唱
章 二声部视唱
第二章 三声部以上视唱
第四编 多声部听写
部分 中国调式多声部听写
章 和声性二声部
第二章 复调性二声部
第三章 变化音
第四章 转调
第五章 三声部及三声部以上音乐听写
第二部分 大小调体系多声部听写
章 和声性二声部

第二章 复调性二声部
第三章 变化音
第四章 转调
三声部及三声部以上音乐听写
章 和声性三声部
第二章 复调性三声部
第三章 几种织体与声部数目不等的曲例
第三部分 和弦连接听写
章 密集排列的三声部与四声部和弦连接
第二章 混合排列的四声部和弦连接
第四部分 转调和弦连接听写
章 大调至 I 级关系调的转调
第二章 小调至 I 级关系调的转调
 

 

 

内容提要

 

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作为文化部“九五”规划的重点工程，拟向我国推荐使用的专业艺术教育的教材，“大系”的编写集中了文化部直属的中央音乐学院、中国音乐学院、上海音乐学院、中央美术学院、中国美术学院、中央戏剧学院、上海戏剧学院、中国戏曲学院、北京舞蹈学院等被称为“国家队”院校的各学科领头人、以及中央工艺美术学院、武汉音乐学院等在相关学科的翘楚俊杰，计**一统的专家学者数百人。同时，这些教材都是经过了长期或至少关学科的翘楚俊杰，计****的专家学者数百人。同时，这些教材都是经过了长期或对少几轮的教学实践检验，从内容到方法均已被证明行之有效，并且比较稳定、完善的教材，其中已被列为***重要教材的有9种，部级重点教材19种。况且，这些教材在交付出版之前，均经过各院校学术委员会、“大系”各分卷编委会以及总编委的三级审读。可以相信“大系”的所有教材，足以代表当今中国专业艺术教学成果的水平；也有理由预见，它对中国规范今后的专业艺术教育，包括普通艺术教育，将起到难以替代的作用。

 

 

 

音乐理论与实践进阶指南 一部全面深入的音乐知识体系构建之作 本书旨在为音乐学习者提供一个系统、严谨且富有实践指导性的理论框架与技能训练工具。它并非一本侧重于特定技能训练（如视唱练耳）的工具书，而是一部涵盖更广阔音乐领域知识的综合性教材，旨在帮助读者建立起坚实的音乐学基础，并能将其有效地应用于实际的音乐创作、分析与表演之中。 本书的编纂立足于音乐学科的整体结构，着眼于培养学习者扎实的理论功底、敏锐的听觉判断力以及广阔的音乐视野。内容组织上，我们遵循循序渐进的原则，从基础概念的澄清入手，逐步深入到复杂的音乐结构分析与风格理解。 第一部分：西方音乐体系的基石——和声学原理与实践 本部分是全书的核心，详细阐述了西方功能和声体系的演进、结构与应用规律。我们力求超越机械的规则罗列，深入探讨和声背后的逻辑与美学基础。 一、调性与音高组织： 首先回顾并深化了十二平均律体系下的音高概念，重点解析了调式（大小调、五声调式、自然音阶体系）的构成及其在不同历史时期的功能差异。调性中心的建立、离调与转调的机制被详细分析，强调了调性色彩在音乐表情中的作用。 二、和弦的构成与功能分析： 详细介绍了三和弦、七和弦（属七、导七、减七、增三和弦等）的构建方法及其在传统功能和声中的核心角色。重点剖析了和弦的功能性——主、属、下属三大功能群的相互作用与转换逻辑。书中不仅包含了古典时期的标准配置，还引入了浪漫主义时期和声色彩的扩展，如经过和弦、副属和弦（代理和弦）的运用，并讨论了它们如何增强和声的张力与解决。 三、织体与声部写作： 本章聚焦于如何将独立的旋律线组织成和谐的复调织体。内容涵盖了四部和声的严格写作规范，包括声部的进行规则（如平行五八度的避免）、连接法、旋律线的流畅性要求。此外，还探讨了织体的概念——如主调音乐（Homophony）与复调音乐（Polyphony）的对比，以及如何通过改变织体密度来塑造音乐的宏观轮廓。 四、和声在不同音乐时期的演变： 超越巴赫时期的严格对位，本书将和声的视角拓展至古典乐派的清晰结构与浪漫乐派的色彩探索。探讨了半音化和声、扩大和声语言的趋势，为读者理解贝多芬、舒伯特乃至德彪西早期和声尝试奠定理论基础。 第二部分：对位法与复调思维——音乐的线性逻辑 对位法是音乐逻辑的基石，它关注的是多条独立旋律线如何相互交织，形成有机统一的整体。本部分强调的是“线性思维”的训练，而非简单的和声堆砌。 一、单线条对位（一、二、三、四、五世对位）： 系统讲解了帕莱斯特里那风格的纯正对位法，精确区分了各种音值组合下的节奏关系（如第二、三、四、六度音程的连接处理）。重点在于培养旋律的独立性和逻辑性，确保每一声部都具有歌唱性和内在的连贯性。 二、两部、三部与四部对位实践： 从最基础的两部对位（模仿、卡农基础）开始，逐步过渡到更复杂的结构。特别深入分析了赋格曲（Fugue）的基本要素：呈示部、中段、再现部的结构安排，主部主题的变形（移位、扩大、缩短），以及如何运用各种对位技巧来保持多声部间的清晰度与平衡感。 三、卡农的构造与技巧： 卡农作为对位艺术的缩影，被单独设立章节进行探讨。不仅限于模仿卡农，还包括如增值卡农、转位卡农等复杂形式，旨在展示旋律材料的极高可塑性。 第三部分：音乐分析与结构解析——理解作品的蓝图 理论的最终目的是为了更好地理解和欣赏音乐作品。本部分提供了系统的分析方法论，教会读者如何“阅读”音乐。 一、曲式结构分析： 详细讲解了从小型曲式到大型套曲的结构框架。涵盖了： 小型曲式： 短乐思、二部曲式、三部曲式（ABA结构）。 奏鸣曲式（Sonata Form）： 呈示部、展开部、再现部的功能、调性布局与主题发展策略。 回旋曲式与颂歌主题（Rondo and Theme and Variations）： 结构特点与在协奏曲、奏鸣曲中的应用。 大型套曲： 组曲、幻想曲以及交响乐的结构剖析。 二、主题发展与动机分析： 强调了动机（Motive）在音乐叙事中的核心地位。通过对贝多芬、莫扎特等大师作品的实例分析，展示了如何通过重复、对比、扩展、音级移位等手法，将一个微小的动机发展成宏大的音乐篇章。 三、配器与音色学基础（概述）： 虽然本书不专注于配器法本身，但提供了理解配器色彩的基础知识。简要介绍了管弦乐队的声部划分、常用乐器的音域特点、音色对比及其在不同和声背景下的效果，帮助读者在理论分析中联想到实际的听觉体验。 第四部分：西方音乐史脉络与风格鉴赏 本部分提供了一个宏观的历史视角，将前述的理论知识放置在历史发展的长河中进行考察，理解音乐风格的流变。 一、从早期复调到巴洛克高峰： 概述了中世纪（格里高利圣咏、奥尔加农）到文艺复兴时期（众赞歌、经文歌）的音乐特点，并深入分析了巴洛克时期（巴赫、亨德尔）的结构严谨性、持续低音的应用以及对位技巧的巅峰成就。 二、古典主义的清晰与平衡： 探讨了海顿、莫扎特、贝多芬如何确立了以奏鸣曲式为核心的古典乐派风格，强调了清晰的结构、均衡的比例以及对纯粹音乐形式的追求。 三、浪漫主义的个体表达与和声扩张： 分析了肖邦、舒曼、瓦格纳等人如何将主观情感置于中心，和声色彩变得丰富、模糊，调性界限逐渐松动，为现代音乐的到来埋下伏笔。 四、二十世纪音乐的突破： 简要介绍二十世纪初音乐语言的剧变，包括印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格），以及序列主义、十二音体系和新古典主义的出现，拓宽读者的音乐接受范围。 结语：融会贯通，学以致用 本书的核心理念是“理论为实践服务”。通过严谨的理论学习、结构化的分析训练，读者将不仅能“听懂”音乐，更能“看懂”音乐的内在机制，从而提升自身的演奏、创作与批评能力，最终在广阔的音乐世界中找到属于自己的理解和表达方式。本书为音乐学习者提供了通往更深层次音乐理解的阶梯。

评分☆☆☆☆☆

对于视唱的部分，这本书给出的挑战性是实打实的，一点都不含糊。我发现自己必须放下之前的一些侥幸心理，因为很多谱例的节奏型和音程关系都设计得非常刁钻，它们巧妙地避开了那些我们习惯性使用的“舒适区”。例如，在处理那些跨越了好几个八度的不规则音程跳跃时，如果不用正确的内部听觉图像来引导，光靠肌肉记忆是绝对不行的。这本书的巧妙之处在于，它很早就引入了多声部视唱的概念，不仅仅是两个声部的对唱，而是将声部间的独立性要求提升到了一个新的高度。你必须在脑子里同时“看见”三四条旋律线如何相互交织、各自独立又和谐统一。这对于提升我们的乐感空间感，有着立竿见影的效果。我记得有一组练习，要求我们在一个稍微有些模糊的调性中，快速辨识并唱出其中一条特定的声部，那种需要高度集中注意力的感觉，简直就像在做一场精密的听力手术，非常考验功力。

评分☆☆☆☆☆

听写部分的设计简直是“魔鬼级”的，但也因此充满了学习的乐趣和成长的痛快感。它没有简单地停留在传统的“主和弦、属和弦”识别上，而是大量穿插了带有明确织体特征的片段。比如，一段复杂的四部和声进行，要求你不仅要准确写出和弦的转位和功能，还要能判断出它所处的音乐背景是赋格的片段还是奏鸣曲呈示部的主题发展。这种对“听觉画面感”的构建，才是真正的高阶要求。而且，书里提供的听写练习的难度曲线设计得非常科学，它会先给你一个相对清晰的框架，然后逐渐引入更多模煳、更依赖内听能力的细节。我发现自己不再是听完一句记一个音，而是开始在脑海中预先构建这段音乐的整体走向和色彩，这无疑是视唱练耳学习中的一个重要里程碑。这种由“技术训练”向“艺术理解”转化的过程，是这本书带给我最宝贵的财富之一。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性也体现在它的配套资源和学习引导上，虽然我手中的是纸质书，但那种严谨的逻辑和结构，让我可以非常高效地规划自己的学习进度。它不仅仅是一本练习册，更像是一套完整的课程体系蓝图。作者在每部分的开头和结尾，都会用很小的篇幅总结该部分的核心要点，这对于复习和自我检测尤其重要。比如，在讲解了某一种特殊的半音进行后，紧接着就会有一组专门针对这种技巧的“突击训练”，让你能立刻把理论转化为实际操作能力，而不是学完一个大块知识点后，需要费力气在后面零散的练习中去寻找对应的应用。这种“即学即用”的编排方式，极大地提高了学习效率。对于那些准备考级或参与专业音乐比赛的同学来说，这本书提供的深度和广度，绝对是构建扎实基本功的坚实地基，我非常推荐给所有想要认真对待视唱练耳这项基本功的严肃学习者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常朴实，米白色的封底配上简洁的黑色字体，给人一种沉稳、专业的印象。拿到书的时候，就能感受到它分量十足，这让我对其中的内容充满了期待。这本书的装帧质量相当不错，纸张厚实，印刷清晰，即使是复杂的五线谱和听写练习，看起来也一目了然，这对长时间伏案学习的我们来说，无疑是一个巨大的加分项。我个人尤其欣赏它在排版上的用心，无论是视唱的谱例还是听写的练习题，都留有足够的空白区域供读者进行标注和演算，这种细节处理真的体现了作者和出版社对学习者需求的深刻理解。作为一本专门针对高级阶段的教材，它显然不是那种“入门即走”的速成读物，更像是一位经验丰富的老师，带着你一步步深入到音乐的肌理之中。翻开目录，就能感受到课程内容的递进性非常强，从基础的和声概念的巩固，到复杂多声部织体和曲式结构的分析，每一章的衔接都显得那么自然而然，让人感觉学习过程是循序渐进、水到渠成的，而不是生硬的知识堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容深度的挖掘上，真的达到了我预期甚至超出的标准。我之前尝试过几本号称“进阶”的教程，但往往在遇到真正复杂的对位和调式转换时就显得力不从心，或者讲解得过于抽象。然而，熊克炎老师的这本“下册”处理得非常巧妙。它不仅仅是简单地给出练习题让你去“练”，更重要的是，它在理论阐述部分，用非常精炼却又饱含洞察力的语言，揭示了为什么某些和声进行会产生特定的听觉效果。特别是对于那些不常见的、甚至有些“怪异”的转调和减七和弦处理，书里都有详细的分析和实例支撑，这对我理解古典时期晚期到浪漫主义早期音乐的语汇构建，提供了极大的帮助。它要求你不仅要“听对”，更要“唱准”背后的逻辑，这种对音乐思维的训练，远比单纯的技巧堆砌要宝贵得多。我感觉自己不再是机械地模仿音符，而是开始理解作曲家在特定情绪下是如何选择这些声音组合的。