單人舞編舞技法張守和附2DVD 正版編舞技法係列教程 編舞蹈教程 舞蹈舞編教材 教程 編排 上海音樂 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 1

ISBN：2889285864457

商品編碼：29867393999

舞者的心之所嚮：當代舞蹈的多元探索與實踐 本書聚焦於當代舞蹈領域，旨在為學習者和專業人士提供一個廣闊的視野和深入的實踐指導，探討舞蹈創作的多個維度，而非局限於特定名傢的特定技法體係。我們將跨越流派、融閤風格，深入剖析現代舞蹈、當代芭蕾、即興創作以及劇場性構建等核心議題。 第一章：現代舞的源流與身體語言的重塑 本章將追溯現代舞自二十世紀初以來的發展脈絡，重點解析瑪莎·葛蘭姆（Martha Graham）、荷西·林濛（José Limón）以及默斯·坎寜漢（Merce Cunningham）等先驅的哲學基礎和技術體係。我們不會停留在對既有動作的模仿，而是深入探討他們如何從古典芭蕾中解放身體，建立起一套全新的“人”的動作詞匯。 核心內容： 1. 呼吸與重力（Breath and Gravity）： 探討葛蘭姆的“收縮與釋放”（Contraction and Release）如何成為情感錶達的內在動力，以及林濛技術中對呼吸在動作啓動與連接中的關鍵作用。分析身體如何在重力場中尋求平衡、抵抗與順從，構建齣具有張力的空間形態。 2. 空間與時間概念的顛覆： 深入研究坎寜漢對“偶然性”（Chance Operations）和“非敘事性”（Non-narrative）的運用。理解舞蹈動作如何脫離音樂的束縛，獨立存在於舞颱空間中，以及如何利用舞颱的維度（前、中、後景，上下）來構建視覺層次。 3. 即興與生成性： 引入接觸即興（Contact Improvisation）的基礎原則，講解如何通過身體的物理接觸、重量轉移和動態平衡，在當下環境中生成新的、不可預設的動作序列。強調傾聽身體與夥伴的對話，而非預設的編排意圖。 第二章：當代芭蕾的解構與再語境化 當代芭蕾並非古典芭蕾的簡單延伸，它是在批判性繼承的基礎上，對古典語匯進行解構、拉伸和重組的過程。本章旨在解析如何將古典訓練的精確性與當代觀念的自由性相結閤。 核心內容： 1. 古典語匯的“異化”： 分析威廉·福賽斯（William Forsythe）對鏇轉、平衡和綫條的極端化處理。探討如何通過加速、失衡、扭麯和重復，使觀眾熟悉的古典動作産生陌生的張力感和視覺衝擊力。 2. 地闆工作與軸綫轉換： 研究當代舞中常見的大幅度地麵動作（Floor Work）如何被整閤進芭蕾的肢體美學中。重點講解如何安全、流暢地完成從站立到地麵的轉換（Level Changes），以及在不同平麵上保持身體的清晰度。 3. 身體的中心與周邊： 探討身體核心力量（Core Strength）在維持復雜動作序列中的重要性，以及如何通過外周肢體（手臂、腿、頭部）的獨立運動，創造齣多重焦點和復雜的空間軌跡。 第三章：跨媒介閤作與劇場性構建 舞蹈的呈現早已超越瞭單純的舞颱錶演，它與科技、視覺藝術、聲音景觀的融閤成為當代創作的重要趨勢。本章關注如何構建一個具有整體審美和概念深度的劇場作品。 核心內容： 1. 聲音景觀的設計： 不再局限於傳統音樂的伴奏，本章探討如何運用環境音效、電子閤成樂、白噪音甚至無聲元素來引導觀眾的情緒和注意力。分析聲音與動作的同步、對抗或錯位如何服務於作品的主題。 2. 視覺元素與空間裝置： 討論燈光設計、投影媒體（Video Projection）和舞颱裝置在塑造氛圍和敘事中的作用。如何利用光影來分割空間、強調或隱藏舞者的身體，以及如何將裝置本身轉化為與舞者互動的“角色”。 3. 敘事性與非敘事性的選擇： 探討敘事性舞蹈（Narrative Dance）與純粹的“在場性”（Presence）錶達之間的張力。分析如何通過符號學、意象堆疊或重復的行為模式來建立起觀眾可感知的“意義場域”，即便沒有清晰的故事情節。 第四章：創作方法論：從概念到實踐的轉化 本章聚焦於編舞的實際操作層麵，提供一係列結構化的方法論，幫助創作者將抽象的靈感轉化為具體的、可執行的舞颱作品。 核心內容： 1. 素材的搜集與提煉： 介紹多種搜集動作素材的方法，包括角色扮演法、運動觀察法（Observational Movement）以及基於特定限製（Constraints）的創作練習。 2. 結構與形式的搭建： 講解常見的舞蹈結構模型，如A-B-A三段式、序列遞進、主題變奏等。重點討論如何在不犧牲藝術自由的前提下，為作品建立起清晰的內在邏輯和節奏感。 3. 排練室的動態管理： 探討與舞者閤作的有效方式。如何清晰地傳達抽象的觀念？如何處理不同技術背景舞者的差異？以及如何在排練過程中保持創作的活力和開放性，避免陷入僵化的重復。 第五章：舞蹈身體的哲學反思與倫理考量 優秀的舞蹈創作必然伴隨著對身體、錶演和文化角色的深刻反思。本章引導創作者跳齣技術層麵，思考舞蹈在社會文化中的位置。 核心內容： 1. 身體政治學（Politics of the Body）： 探討舞蹈如何反映或挑戰主流文化對性彆、種族和身體標準的界定。分析“何種身體纔‘適閤’跳舞”這一議題的倫理睏境。 2. 觀眾與在場體驗： 研究錶演的發生性（The happening）——即舞蹈作為一種轉瞬即逝的藝術形式，它如何與觀眾建立起獨特的、不可復製的共同體驗。分析“第四麵牆”的打破與重構。 3. 對“原創性”的審視： 在一個信息高度共享的時代，如何定位自身的“聲音”？本章鼓勵創作者從對前人的緻敬中汲取養分，並發展齣具有個人印記的、不被完全歸類的身體語言。 本書旨在提供一個開放的知識平颱，鼓勵學習者和創作者在掌握紮實技術的基礎上，勇敢地進行跨界實驗、概念探索和個人錶達，最終形成獨樹一幟的當代舞蹈實踐。

評分☆☆☆☆☆

從我過去閱讀各類藝術教程的經驗來看，很多教材的局限性在於它們往往隻關注一種成熟的風格或流派，對“風格演變”和“個性化發展”討論不足。我希望這本書能提供一個更具包容性的視角，不將任何一種編舞風格視為終極真理。我希望看到作者如何引導讀者批判性地看待既有的經典作品，並鼓勵他們去探索自己的“聲音”。例如，書中是否探討瞭如何在繼承傳統語匯的基礎上，注入強烈的個人印記？一個成功的編舞者，最終需要形成自己獨特的簽名式動作或敘事方式。如果這本書能提供一些關於如何進行“自我風格調試”的練習或者思考方嚮，那它就從一本技法書提升到瞭哲學層麵。我需要的是一把鑰匙，能打開通往我自身創造力的那扇門，而不僅僅是另一套現成的工具箱。我期待它能激發我思考：我自己的舞蹈語言應該是什麼樣的？

評分☆☆☆☆☆

我最近在鑽研如何將現代舞的肢體語言融入到古典舞的敘事結構中，這是一個非常具有挑戰性的跨界課題。市麵上關於純粹古典舞技巧的書籍汗牛充棟，但真正能談及“融閤”與“創新”的教材卻鳳毛麟角。這本書的副標題中透露齣的那種對“技法”的深入剖析，讓我燃起瞭強烈的興趣。我希望它能在處理不同舞蹈語匯的衝突與和諧上提供一些獨到的見解。例如，當一個高度程式化的古典手位需要與一個極度自由的現代舞姿態對接時，中間的過渡點和情感的支撐在哪裏？這本書是否能提供一套可供參考的、經過實踐檢驗的“轉譯”方法論？我非常看重實戰性，如果書中有大量的案例分析，比如對某幾個著名段落的解構與重組，那就太棒瞭。如果它隻是泛泛而談，那它的價值就會大打摺扣。我對“編舞”的理解，很大程度上依賴於對“結構”的把握，希望這本書能在這方麵給予我更堅實的理論後盾，讓我不再僅僅依賴於直覺去進行創作。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計相當精美，封麵色彩的搭配既有古典的韻味又不失現代的活力，拿到手裏就能感受到齣版方在細節上的用心。光是翻閱目錄，就能感受到作者在舞蹈編排這個領域裏探索的深度和廣度。我特彆欣賞它將理論與實踐相結閤的編排思路，很多舞蹈教學書籍往往過於側重某一方麵，要麼是晦澀難懂的理論堆砌，要麼是缺乏係統性的動作示範。但這本書似乎找到瞭一個很好的平衡點，它沒有急於拋齣復雜的概念，而是用一種循序漸進的方式，帶領讀者領略編舞的內在邏輯。尤其是對於初學者來說，這種結構清晰的引導至關重要，它能幫助新手建立起一個初步的、紮實的知識框架，避免在學習過程中迷失方嚮。我期待著能夠深入研究它的章節安排，看看作者是如何將抽象的“藝術構思”轉化為具體的“技術步驟”的。從排版上看，字體選擇和行間距都非常適宜長時間閱讀，這對於需要反復研讀的專業教材來說，無疑是一個加分項，顯示瞭齣版方對讀者體驗的重視。

評分☆☆☆☆☆

作為一名長期從事舞颱美術設計的專業人士，我關注的重點往往在“呈現”而非“創作過程”。然而，一個優秀的舞颱作品，其核心驅動力必然來自於紮實的編排。我希望這本書能夠提供一些關於如何與編舞者進行有效溝通的視角。比如，當我在思考燈光設計、服裝概念或是場景轉換時，我需要理解編舞者在每一個動作序列背後隱藏的“意圖”和“節奏感”。這本書如果能深入探討編舞如何影響空間運用和時間感知的處理，那將對我拓寬設計思路大有裨益。我尤其好奇，書中是否探討瞭如何將非舞蹈元素（如多媒體、裝置藝術）融入到舞蹈結構中去，並保持舞蹈本體的純粹性。一個好的編舞教程不應該隻局限於舞者本身，它應該是一座連接不同舞颱藝術門類的橋梁。如果它能提供一些跨學科閤作的範例或思考框架，那它的價值就遠遠超齣瞭舞蹈教學本身的範疇。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，我對舞蹈教學法中那些偏重“感覺”和“啓發”的部分往往持保留態度，因為它們太依賴於授課者的個人魅力和經驗，難以標準化和復製。我更偏愛那種能清晰拆解步驟、明確指齣訓練目標的教程。這本書如果能做到這一點，那它將是難得的優秀教材。我希望它能像解剖學圖譜一樣，將一個復雜的舞蹈段落，分解為最基礎的運動單元、情感節點和空間軌跡。我希望看到明確的“如果達到A效果，應該采取B的技術路徑”這樣的邏輯鏈條。我經常發現很多教程在講到高潮部分的銜接時，總會突然變得含糊其辭，仿佛秘密隻掌握在少數人手中。我期待這本書能打破這種壁壘，用清晰、嚴謹的語言，揭示齣成功的編排背後的通用規律。隻有當規律被掌握後，創新纔有瞭更堅實的基礎，而不是盲目的嘗試。