正版音樂理論教材 二十世紀和聲學 原創樣式與應用 樂理教程書籍 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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黃大同杜亞雄 譯

圖書標籤:

• 音樂理論
• 和聲學
• 樂理
• 教材
• 音樂教學
• 二十世紀音樂
• 高等教育
• 音樂專業
• 書籍
• 原創新編

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787807514794

商品編碼：29867499894

叢書名： 二十世紀和聲學--原創樣式與應用西方音樂理論

開本：16開

齣版時間：2009-12-01

 

 

前言
1·音程
結構
轉位與間隔
和弦中的音程
泛音作用
錶現媒介
2·音階素材
調式
人工音階的構成
五聲音階和六聲音階
半音音階
3·三度疊置和弦
三和弦
七和弦與九和弦
十一和弦與十三和弦
十五和弦與十七和弦
十二音和弦
4·四度疊置和弦
三個音的四度疊置和弦
四個音的四度疊置和弦
多個音的四度疊置和弦
5·附加音和弦
增六和弦
其他附加音和弦
6·二度疊置和弦
三個音的二度疊置和弦
多個音的二度疊置和弦
音簇
7·復和弦
兩個三和弦單位
三個或更多的三和弦單位
非三和弦單位
8·混閤與鏡像和聲
混閤結構
鏡像寫作
9·和聲方嚮
進行
和弦連接
不協和音
平行和聲
連續純五度
終止式
10·節拍與力度
節奏
和聲的打擊樂效果
泛自然音寫作
力度與休止
11·裝飾與變形
裝飾音型
擴展與模仿
半音改動
持續音與固定音型
同音寫作
12·調中心
調性
轉調
多調性
無調性
序列和聲
13·和聲的
織體的結閤
主題和形式構思
作麯傢人名中西文索引
主要詞匯索引
參考文獻中的西文麯名

 

 

美國作麯傢、音樂理論傢和音樂教育傢文森特佩爾西凱蒂的《二十世紀和聲學——原創樣式與應用》，是對二十世紀前60年歐美作麯傢的和聲實踐進行總結的教科書，也是當下美國許多音樂院校正在使用的和聲教材。本譯著是其 第 I 個完整的中文譯本，可作為我國音樂傢的參考書，以及音樂院校現代和聲課程的學習用書．亦可供音樂愛好者自學之用。

 

樂理學習的深度探索：超越二十世紀和聲的音樂世界 本書聚焦於中世紀至浪漫主義時期的西方音樂理論核心，為學習者構建堅實的音樂基礎。 本書並非一本關於二十世紀和聲創新的教材，而是緻力於深入剖析古典音樂體係的根基與演變。它將帶領讀者穿越漫長的曆史長河，從格裏高利聖詠的單音傳統，逐步邁入復調音樂的復雜結構，最終抵達巴洛剋、古典主義以及浪漫主義時期和聲語言的成熟階段。 第一部分：中世紀與文藝復興的音樂基石 本書的開篇，將時間指針撥迴到西方音樂的黎明。我們詳細考察瞭中世紀音樂的起源與發展，重點解析瞭教會音樂（如格裏高利聖詠）的單音鏇律組織原則。讀者將瞭解到教會調式（Church Modes）是如何替代古希臘調式，成為早期西方音樂組織音高的主要框架。我們將探討“定鏇律”（Cantus Firmus）的概念及其在早期復調音樂中承載的核心地位。 接著，我們將進入文藝復興時期。這是一個復調藝術蓬勃發展的時代，對位法（Counterpoint）技術達到瞭精妙的境界。本書將係統介紹派斯蒂諾（Palestrina）風格的嚴格對位法，解析如何運用不同的聲部綫條進行邏輯嚴密且和諧的交織。我們將深入探討橫嚮思維在這一時期的重要性，即如何通過對各個獨立聲部運動的控製，自然地産生垂直和聲效果，而非將和聲視為預設的垂直堆疊。書中包含瞭對和聲導嚮的復調織體的詳盡分析，例如五聲部和六聲部寫作的技法要點，以及如何處理聲部間的平行五度與八度的禁忌及其曆史語境下的變通。 第二部分：巴洛剋時代的精妙技藝與數字低音 本書的中間部分，將聚焦於巴洛剋音樂革命，特彆是數字低音（Basso Continuo）的興起及其對音樂實踐的顛覆性影響。我們不再局限於純粹的對位，而是開始係統地研究和聲功能。 功能和聲的萌芽： 我們詳細闡述瞭從調式思維嚮大小調體係過渡的關鍵性步驟。讀者將學習如何識彆和構建三和弦及其轉位，並理解它們在構建清晰的樂句和樂段中的作用。書中對和弦的級數標記法（Figured Bass）進行瞭詳盡的圖解和練習，確保讀者能夠準確地從數字符號還原齣完整的伴奏織體，理解巴赫時代即興演奏與記譜之間的關係。 對位法的成熟與調性框架： 雖然功能和聲占據主導，但巴洛剋音樂的精髓依然在於對位。本書探討瞭賦格麯（Fugue）的結構，從呈示部的主題呈現、應答，到中段的轉調與素材發展，再到光彩奪目的再現部。這部分內容側重於對位邏輯的運用，而非分析其二十世紀的變體。我們專注於聲部進行（Voice Leading）的嚴謹性，確保在功能和聲背景下，每個聲部的鏇律綫條依然保持其獨立性和連貫性。 第三部分：古典主義的結構美學與清晰性 進入古典主義時期，音樂語言追求平衡、清晰和形式的完善。本書著重分析瞭奏鳴麯式（Sonata Form）這一偉大結構背後的和聲邏輯。 功能和聲的完善與明確化： 我們深入研究瞭主-屬-下屬（Tonic-Dominant-Subdominant）這三大功能組在構建調性中心和實現轉調中的核心作用。讀者將學習如何分析呈示部中對不同關係調性的功能性轉調，以及在展開部中如何通過模糊調性中心來製造戲劇張力，最後通過屬和弦的強化迴歸主調。 清晰的句法與動機發展： 我們探討瞭海頓和莫紮特音樂中周期性樂句（Periodic Phrasing）的構成，以及和聲如何服務於這種平衡的結構美學。書中通過大量的古典時期範例，展示瞭導音功能（Leading Tone Function）的強化，以及如何通過裝飾性半分解和弦（如阿貝嘉）來豐富織體，同時不破壞整體的透明度。 第四部分：浪漫主義的色彩與情感錶達 浪漫主義時期是和聲語言嚮外拓展的階段，本書對這一時期的探索，聚焦於如何拓展傳統功能和聲的色彩，而非轉嚮無調性。 和聲色彩的深化： 我們分析瞭九和弦、十一和弦、十三和弦的廣泛應用，重點在於它們如何作為色彩和弦（Color Chords）被嵌入到既有的功能框架中，以增強情感深度。例如，我們探討瞭減七和弦在製造模糊性、推動快速轉調中的關鍵作用，以及它在肖邦和李斯特作品中營造的夢幻般的音響效果。 調性邊緣的探索： 浪漫主義作麯傢開始頻繁使用遠關係轉調，本書詳細解析瞭基於等音異名和弦（Enharmonic Equivalence）以及同主音大/小調轉換（Modal Mixture）來實現的快速、戲劇性的色彩變化。我們關注的重點是，即使色彩變得復雜，這些和聲進行依然是有目的的，服務於敘事性或情感的最高點，它們仍與中心調性保持著清晰的聽覺聯係，與二十世紀的徹底調性瓦解有所區彆。 總結與實踐 本書的結構設計，旨在為學習者建立一個完整、連貫的西方音樂理論認知體係。每章後都配有大量的聽覺訓練（Ear Training）和寫作練習（Composition Exercises），要求學習者通過實際操作來內化從調式到調性的演變過程，精通十九世紀以前所有主流的和聲與對位技法。本書不涉及十二音體係、序列主義或任何二十世紀的非傳統和聲概念，而是將焦點牢牢鎖定在功能和聲的古典語匯上，為未來學習任何曆史時期的音樂打下無可動搖的理論基礎。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書，就像是進行瞭一次跨越時空的音樂史考察，它不僅教授“如何做和聲”，更深層次地探討瞭“為何要如此做和聲”。作者在開篇部分對二十世紀初歐洲社會思潮與音樂變革之間的互動關係的描繪，極富感染力。他沒有將音樂孤立看待，而是將其置於整個藝術和哲學的大背景下進行考察。比如，在談到勛伯格的突破時，不僅僅分析瞭十二音體係的數學結構，更深入探討瞭其背後對傳統“中心”的解構，以及這種解構如何呼應瞭當時哲學界對形而上學的反思。這種深厚的文化底蘊，使得這本書的價值遠遠超齣瞭單純的技能傳授。它激發瞭我對音樂本體論的思考：當音樂不再被傳統的調性框架所束縛時，它的意義和情感錶達的載體究竟在哪裏？這種思辨性的引導，讓我的音樂理解上升到瞭一個全新的層次，不再滿足於錶麵的悅耳或不和諧，而是開始追問聲音背後的哲學意圖。

評分☆☆☆☆☆

與其他市麵上動輒堆砌術語、故作高深的樂理書相比，這本書展現齣一種難能可貴的“實用主義”精神。它沒有將自己定位成一個純粹的學術論文集，而是真正對得起“教程”二字。當我嘗試將書中所學的理論應用到我的編麯軟件中進行試驗時，發現書中的方法論指導非常具有操作性。例如，書中關於“音高類集閤”如何構建一個全新的、具有內在邏輯的調性係統，不僅僅停留在理論定義上，還給齣瞭如何通過計算機輔助分析來驗證其聽覺效果的思路。這對於當代音樂創作者來說，無疑是雪中送炭。我尤其欣賞作者在討論不同流派衝突與融閤時所持的中立和客觀態度，它沒有強行推銷某一種理論的絕對優越性，而是引導讀者去理解每一種音樂語言誕生的必然性及其在特定語境下的有效性。這使得我們在學習過程中，保持瞭開放的心態，而不是陷入教條主義的泥潭。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和排版，給我的閱讀體驗增添瞭許多樂趣。紙張的質感上乘，印刷清晰，即便是那些復雜的五綫譜示例和大量的和弦圖示，也絲毫沒有齣現模糊或重疊的情況。我一直認為，一本優秀的樂理教材，其視覺呈現同樣重要，它直接影響著學習的效率和心情。而這本教材在這一點上做得非常齣色，它有效地平衡瞭學術的嚴謹與閱讀的舒適性。我注意到作者在對特定和聲進行分析時，總會配上那個時期最具代錶性的作麯傢作品的片段，比如對德彪西和聲色彩的討論，直接引用瞭《牧神午後前奏麯》中的某個樂句進行拆解，這種“所見即所得”的學習方式，大大降低瞭抽象理論的理解門檻。更讓人稱贊的是，書後的索引做得異常詳盡，即便是需要快速查閱某個特定的音高集閤理論或某個作麯傢的特定手法時，也能迅速定位，體現齣編輯團隊對細節的極緻追求。這本書的物理形態本身，就是一件值得珍藏的音樂工具。

評分☆☆☆☆☆

初次翻開這本音樂理論著作時，就被其嚴謹的結構和深刻的洞察力所吸引。它並非僅僅羅列枯燥的規則，而是將復雜的二十世紀和聲概念，如十二音技法、序列主義的演變以及新的調性與無調性實踐，通過清晰的圖錶和詳實的案例進行瞭庖丁解牛般的剖析。作者在闡述這些前沿理論時，沒有陷入晦澀難懂的象牙塔，反而巧妙地融入瞭曆史背景的梳理，讓我們能理解這些“新”和聲是如何從傳統中涅槃而生的。特彆是關於拉赫瑪尼諾夫後期作品的和聲語言與斯特拉文斯基在不同創作階段的和聲實驗對比分析，簡直是教科書級彆的範本。我尤其欣賞其中對“原創樣式與應用”這一核心理念的貫徹，它鼓勵讀者不僅僅停留在理論的辨識層麵，更要思考如何將這些工具融入到自己的創作實踐中去，書中提供的習題和分析任務，極大地拓寬瞭我的思維邊界，使得原本遙不可及的現代音樂聽感，變得可以被邏輯和情感雙重把握。這本書無疑為所有緻力於深入研究二十世紀音樂語言的學者和實踐者，提供瞭一個堅實而富有啓發性的基石。

評分☆☆☆☆☆

這本書在對一些相對小眾但影響深遠的音樂流派的處理上，展現瞭其編輯團隊的專業度和廣闊的視野。市麵上許多教材往往將重點集中在維也納學派或極簡主義上，而對如法國具體音樂、偶然音樂中的結構性嘗試，或者一些區域性的現代作麯手法，常常一筆帶過。然而，這本教程卻為這些“邊緣”但重要的領域留齣瞭相當的篇幅，並且提供瞭詳細的分析案例。例如，對皮埃爾·布列茲的復調密度處理和對斯托剋豪森的“場域”概念的解釋，都做到瞭深入淺齣，絲毫不含糊。這種全麵性和平衡性，確保瞭讀者能夠構建一個完整、無偏見的二十世紀和聲圖景。它真正做到瞭“博采眾長”，讓讀者在學習過程中，不會因為某個流派的相對冷門而錯過重要的理論創新。這本書的廣度，足以讓人在接下來的數年內，都有源源不斷的學習素材和研究方嚮。