正版音乐理论教材 二十世纪和声学 原创样式与应用 乐理教程书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄大同杜亚雄 译

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807514794

商品编码：29867499894

丛书名： 二十世纪和声学--原创样式与应用西方音乐理论

开本：16开

出版时间：2009-12-01

 

 

前言
1·音程
结构
转位与间隔
和弦中的音程
泛音作用
表现媒介
2·音阶素材
调式
人工音阶的构成
五声音阶和六声音阶
半音音阶
3·三度叠置和弦
三和弦
七和弦与九和弦
十一和弦与十三和弦
十五和弦与十七和弦
十二音和弦
4·四度叠置和弦
三个音的四度叠置和弦
四个音的四度叠置和弦
多个音的四度叠置和弦
5·附加音和弦
增六和弦
其他附加音和弦
6·二度叠置和弦
三个音的二度叠置和弦
多个音的二度叠置和弦
音簇
7·复和弦
两个三和弦单位
三个或更多的三和弦单位
非三和弦单位
8·混合与镜像和声
混合结构
镜像写作
9·和声方向
进行
和弦连接
不协和音
平行和声
连续纯五度
终止式
10·节拍与力度
节奏
和声的打击乐效果
泛自然音写作
力度与休止
11·装饰与变形
装饰音型
扩展与模仿
半音改动
持续音与固定音型
同音写作
12·调中心
调性
转调
多调性
无调性
序列和声
13·和声的
织体的结合
主题和形式构思
作曲家人名中西文索引
主要词汇索引
参考文献中的西文曲名

 

 

美国作曲家、音乐理论家和音乐教育家文森特佩尔西凯蒂的《二十世纪和声学——原创样式与应用》，是对二十世纪前60年欧美作曲家的和声实践进行总结的教科书，也是当下美国许多音乐院校正在使用的和声教材。本译著是其 第 I 个完整的中文译本，可作为我国音乐家的参考书，以及音乐院校现代和声课程的学习用书．亦可供音乐爱好者自学之用。

 

乐理学习的深度探索：超越二十世纪和声的音乐世界 本书聚焦于中世纪至浪漫主义时期的西方音乐理论核心，为学习者构建坚实的音乐基础。 本书并非一本关于二十世纪和声创新的教材，而是致力于深入剖析古典音乐体系的根基与演变。它将带领读者穿越漫长的历史长河，从格里高利圣咏的单音传统，逐步迈入复调音乐的复杂结构，最终抵达巴洛克、古典主义以及浪漫主义时期和声语言的成熟阶段。 第一部分：中世纪与文艺复兴的音乐基石 本书的开篇，将时间指针拨回到西方音乐的黎明。我们详细考察了中世纪音乐的起源与发展，重点解析了教会音乐（如格里高利圣咏）的单音旋律组织原则。读者将了解到教会调式（Church Modes）是如何替代古希腊调式，成为早期西方音乐组织音高的主要框架。我们将探讨“定旋律”（Cantus Firmus）的概念及其在早期复调音乐中承载的核心地位。 接着，我们将进入文艺复兴时期。这是一个复调艺术蓬勃发展的时代，对位法（Counterpoint）技术达到了精妙的境界。本书将系统介绍派斯蒂诺（Palestrina）风格的严格对位法，解析如何运用不同的声部线条进行逻辑严密且和谐的交织。我们将深入探讨横向思维在这一时期的重要性，即如何通过对各个独立声部运动的控制，自然地产生垂直和声效果，而非将和声视为预设的垂直堆叠。书中包含了对和声导向的复调织体的详尽分析，例如五声部和六声部写作的技法要点，以及如何处理声部间的平行五度与八度的禁忌及其历史语境下的变通。 第二部分：巴洛克时代的精妙技艺与数字低音 本书的中间部分，将聚焦于巴洛克音乐革命，特别是数字低音（Basso Continuo）的兴起及其对音乐实践的颠覆性影响。我们不再局限于纯粹的对位，而是开始系统地研究和声功能。 功能和声的萌芽： 我们详细阐述了从调式思维向大小调体系过渡的关键性步骤。读者将学习如何识别和构建三和弦及其转位，并理解它们在构建清晰的乐句和乐段中的作用。书中对和弦的级数标记法（Figured Bass）进行了详尽的图解和练习，确保读者能够准确地从数字符号还原出完整的伴奏织体，理解巴赫时代即兴演奏与记谱之间的关系。 对位法的成熟与调性框架： 虽然功能和声占据主导，但巴洛克音乐的精髓依然在于对位。本书探讨了赋格曲（Fugue）的结构，从呈示部的主题呈现、应答，到中段的转调与素材发展，再到光彩夺目的再现部。这部分内容侧重于对位逻辑的运用，而非分析其二十世纪的变体。我们专注于声部进行（Voice Leading）的严谨性，确保在功能和声背景下，每个声部的旋律线条依然保持其独立性和连贯性。 第三部分：古典主义的结构美学与清晰性 进入古典主义时期，音乐语言追求平衡、清晰和形式的完善。本书着重分析了奏鸣曲式（Sonata Form）这一伟大结构背后的和声逻辑。 功能和声的完善与明确化： 我们深入研究了主-属-下属（Tonic-Dominant-Subdominant）这三大功能组在构建调性中心和实现转调中的核心作用。读者将学习如何分析呈示部中对不同关系调性的功能性转调，以及在展开部中如何通过模糊调性中心来制造戏剧张力，最后通过属和弦的强化回归主调。 清晰的句法与动机发展： 我们探讨了海顿和莫扎特音乐中周期性乐句（Periodic Phrasing）的构成，以及和声如何服务于这种平衡的结构美学。书中通过大量的古典时期范例，展示了导音功能（Leading Tone Function）的强化，以及如何通过装饰性半分解和弦（如阿贝嘉）来丰富织体，同时不破坏整体的透明度。 第四部分：浪漫主义的色彩与情感表达 浪漫主义时期是和声语言向外拓展的阶段，本书对这一时期的探索，聚焦于如何拓展传统功能和声的色彩，而非转向无调性。 和声色彩的深化： 我们分析了九和弦、十一和弦、十三和弦的广泛应用，重点在于它们如何作为色彩和弦（Color Chords）被嵌入到既有的功能框架中，以增强情感深度。例如，我们探讨了减七和弦在制造模糊性、推动快速转调中的关键作用，以及它在肖邦和李斯特作品中营造的梦幻般的音响效果。 调性边缘的探索： 浪漫主义作曲家开始频繁使用远关系转调，本书详细解析了基于等音异名和弦（Enharmonic Equivalence）以及同主音大/小调转换（Modal Mixture）来实现的快速、戏剧性的色彩变化。我们关注的重点是，即使色彩变得复杂，这些和声进行依然是有目的的，服务于叙事性或情感的最高点，它们仍与中心调性保持着清晰的听觉联系，与二十世纪的彻底调性瓦解有所区别。 总结与实践 本书的结构设计，旨在为学习者建立一个完整、连贯的西方音乐理论认知体系。每章后都配有大量的听觉训练（Ear Training）和写作练习（Composition Exercises），要求学习者通过实际操作来内化从调式到调性的演变过程，精通十九世纪以前所有主流的和声与对位技法。本书不涉及十二音体系、序列主义或任何二十世纪的非传统和声概念，而是将焦点牢牢锁定在功能和声的古典语汇上，为未来学习任何历史时期的音乐打下无可动摇的理论基础。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上动辄堆砌术语、故作高深的乐理书相比，这本书展现出一种难能可贵的“实用主义”精神。它没有将自己定位成一个纯粹的学术论文集，而是真正对得起“教程”二字。当我尝试将书中所学的理论应用到我的编曲软件中进行试验时，发现书中的方法论指导非常具有操作性。例如，书中关于“音高类集合”如何构建一个全新的、具有内在逻辑的调性系统，不仅仅停留在理论定义上，还给出了如何通过计算机辅助分析来验证其听觉效果的思路。这对于当代音乐创作者来说，无疑是雪中送炭。我尤其欣赏作者在讨论不同流派冲突与融合时所持的中立和客观态度，它没有强行推销某一种理论的绝对优越性，而是引导读者去理解每一种音乐语言诞生的必然性及其在特定语境下的有效性。这使得我们在学习过程中，保持了开放的心态，而不是陷入教条主义的泥潭。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本音乐理论著作时，就被其严谨的结构和深刻的洞察力所吸引。它并非仅仅罗列枯燥的规则，而是将复杂的二十世纪和声概念，如十二音技法、序列主义的演变以及新的调性与无调性实践，通过清晰的图表和详实的案例进行了庖丁解牛般的剖析。作者在阐述这些前沿理论时，没有陷入晦涩难懂的象牙塔，反而巧妙地融入了历史背景的梳理，让我们能理解这些“新”和声是如何从传统中涅槃而生的。特别是关于拉赫玛尼诺夫后期作品的和声语言与斯特拉文斯基在不同创作阶段的和声实验对比分析，简直是教科书级别的范本。我尤其欣赏其中对“原创样式与应用”这一核心理念的贯彻，它鼓励读者不仅仅停留在理论的辨识层面，更要思考如何将这些工具融入到自己的创作实践中去，书中提供的习题和分析任务，极大地拓宽了我的思维边界，使得原本遥不可及的现代音乐听感，变得可以被逻辑和情感双重把握。这本书无疑为所有致力于深入研究二十世纪音乐语言的学者和实践者，提供了一个坚实而富有启发性的基石。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书，就像是进行了一次跨越时空的音乐史考察，它不仅教授“如何做和声”，更深层次地探讨了“为何要如此做和声”。作者在开篇部分对二十世纪初欧洲社会思潮与音乐变革之间的互动关系的描绘，极富感染力。他没有将音乐孤立看待，而是将其置于整个艺术和哲学的大背景下进行考察。比如，在谈到勋伯格的突破时，不仅仅分析了十二音体系的数学结构，更深入探讨了其背后对传统“中心”的解构，以及这种解构如何呼应了当时哲学界对形而上学的反思。这种深厚的文化底蕴，使得这本书的价值远远超出了单纯的技能传授。它激发了我对音乐本体论的思考：当音乐不再被传统的调性框架所束缚时，它的意义和情感表达的载体究竟在哪里？这种思辨性的引导，让我的音乐理解上升到了一个全新的层次，不再满足于表面的悦耳或不和谐，而是开始追问声音背后的哲学意图。

评分☆☆☆☆☆

这本书在对一些相对小众但影响深远的音乐流派的处理上，展现了其编辑团队的专业度和广阔的视野。市面上许多教材往往将重点集中在维也纳学派或极简主义上，而对如法国具体音乐、偶然音乐中的结构性尝试，或者一些区域性的现代作曲手法，常常一笔带过。然而，这本教程却为这些“边缘”但重要的领域留出了相当的篇幅，并且提供了详细的分析案例。例如，对皮埃尔·布列兹的复调密度处理和对斯托克豪森的“场域”概念的解释，都做到了深入浅出，丝毫不含糊。这种全面性和平衡性，确保了读者能够构建一个完整、无偏见的二十世纪和声图景。它真正做到了“博采众长”，让读者在学习过程中，不会因为某个流派的相对冷门而错过重要的理论创新。这本书的广度，足以让人在接下来的数年内，都有源源不断的学习素材和研究方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，给我的阅读体验增添了许多乐趣。纸张的质感上乘，印刷清晰，即便是那些复杂的五线谱示例和大量的和弦图示，也丝毫没有出现模糊或重叠的情况。我一直认为，一本优秀的乐理教材，其视觉呈现同样重要，它直接影响着学习的效率和心情。而这本教材在这一点上做得非常出色，它有效地平衡了学术的严谨与阅读的舒适性。我注意到作者在对特定和声进行分析时，总会配上那个时期最具代表性的作曲家作品的片段，比如对德彪西和声色彩的讨论，直接引用了《牧神午后前奏曲》中的某个乐句进行拆解，这种“所见即所得”的学习方式，大大降低了抽象理论的理解门槛。更让人称赞的是，书后的索引做得异常详尽，即便是需要快速查阅某个特定的音高集合理论或某个作曲家的特定手法时，也能迅速定位，体现出编辑团队对细节的极致追求。这本书的物理形态本身，就是一件值得珍藏的音乐工具。