合唱1 全国普通高等学校音乐学教师教育科专业教材 声乐教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807510901

商品编码：29867539809

丛书名： 合唱 1

开本：8开

出版时间：2008-11-01

   

 

 

  目录 前言
序言
中国曲目
1.青春舞曲（混声合唱）
2.故乡之恋（混声无伴奏合唱）
3.远方的客人请你留下来（女声领唱与混声合唱）
4.牧歌（混声无伴奏合唱）
5.椰寨情歌（混声无伴奏合唱）
6.欢乐的那达慕（男声合唱）
7.抗敌歌（领唱与混声合唱）
8.太阳出来啦（女声合唱）
9.垦春泥（混声四部无伴奏合唱）
10.山在虚无缥缈间（女声三部合唱）
11.渔阳鼙鼓动地来（男声四部合唱）
外国曲目
12.海水轻轻荡漾（混声合唱）
13.圣母颂歌（混声合唱）
14.眼泪（混声四部合唱）
15.猎人合唱（男声合唱）
16.捉弄（混声合唱）
17.士兵之歌（男声合唱）
18.拉辛之歌（混声合唱）
19.春潮（女声合唱）
20.圣西西里亚赞歌（混声无伴奏合唱）
21.白肋喜鹊（女声领唱与混声合唱）  

 

 

内容推荐 合唱课是普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业的必修基础课程，本“合唱”教材共有三册，由知名音乐教育家、指挥家杨鸿年教授任主编。教材具有以下特点：
一、每一册教材分三个部分：
1.中国民歌
2.中国艺术歌曲
3.外国歌曲：按音乐史的各时期选编合唱作品，包括一些现代作品及民歌。
二、大部分作品均附有“参考提示”，对作品的背景、作者、曲式结构、音乐风格作了简要的阐述，尤其对作品中的难点、排练中需要重点注意的地方，以及在排练方法上作了较为详细的提示，这将有助于老师们的教学和排练工作。
三、教材曲止涵盖了不同时期、不同风格的中外合唱作品，通过合唱训练逐步培养学生理解和掌握不同历史时期合唱作品的演唱技巧及音乐风格。
本教材既可以作为专业学校教材，其多元化、多样性的编选又可以作为专业教材的补充曲目，我们拟将后续出版更多可供高等学校选择的中外经典合唱曲集，并尽可能提供音像资料作为参考。  

 

《和声的艺术：从基础到高级的和声学原理与实践》 本书简介 本书旨在为音乐学习者，尤其是音乐专业学生、声乐教师、作曲与音乐理论研究者，提供一套系统、深入且兼具实践指导性的和声学知识体系。我们聚焦于西方音乐体系中自巴洛克时期至浪漫主义晚期，直至二十世纪初的调性（Tonal）和声发展脉络，旨在帮助读者建立坚实的和声基础，理解和声语言的内在逻辑，并能熟练地应用于创作、分析与演奏实践之中。 第一部分：和声学的基石——基础概念与功能 本部分奠定了理解和声学所需的全部基础知识。我们从声音的物理属性入手，详细探讨了泛音列与和弦构成的自然基础。随后，我们深入讲解了音程、三和弦（大、小、增、减）的构成及其转位，并清晰界定了和声功能的三个核心要素：主功能（Tonic, T）、属功能（Dominant, D）和下属功能（Subdominant, SD）。 音响与音高系统： 详细解析十二平均律与纯律在和声学中的意义，以及五度圈（Circle of Fifths）的构建与应用。 基础和弦的分析与标记： 采用清晰的数字低音（Figured Bass）符号系统，结合罗马数字分析法，对三和弦进行全面解析，并讨论不同调式（大小调）下和弦的特性与功能转换。 和声连接的原则： 强调声部进行（Voice Leading）的“平稳进行”原则，细致区分并演示了平行五、八度、隐藏五、八度、声部交叉等禁忌与允许情况，为后续的四部和声写作打下严谨的基础。 第二部分：扩展与色彩——七和弦及其衍伸 在掌握了三和弦的原理后，本书将和声的色彩维度推向更高的层次——七和弦的引入。我们认为，七和弦是古典与浪漫主义音乐和声织体的灵魂。 属七和弦的统治地位： 详尽分析属七和弦（V7）的结构、功能、解决方式，及其在终止式（Cadence）中的决定性作用。探讨不同的解决路径，如功能性解决与非功能性（或称“欺骗性”）解决。 七和弦的扩展： 深入研究九和弦、十一和弦和十三和弦的结构与功能变体，特别关注九和弦在属功能和主功能和弦上的应用，以及它们如何丰富音乐的张力。 导七和弦与副属和弦（Secondary Dominants）： 这是实现调性内色彩转换的关键技术。本书通过大量的实例，清晰阐释了如何使用副属和弦导向其他功能和弦，从而增强调性内部的色彩流动性和和声的推进力。 第三部分：和声的冲突与张力——副功能和弦与离调 本部分聚焦于如何通过和声手段制造听觉上的“不和谐感”与“色彩变化”，这是古典主义后期和浪漫主义音乐的核心特征之一。 减七和弦的深度剖析： 减七和弦以其固有的模糊性和对称性，成为离调和转调的“万能钥匙”。本书详细讲解了减七和弦的四种结构意义，及其在半音进行、转调连接中的作用。 那不勒斯六和弦与增六和弦族： 详细解析增六和弦（意大利式、法国式、德国式）的起源、结构特点及其强烈的导向性功能，它们如何高效地导向属和弦，制造强烈的解决预期。 半音和声与和声重音： 探讨和声进行中，何时可以打破严格的功能限制，引入半音进行来增加线条的流畅性与和声的色彩感，并讨论和声重音在强调特定和弦色彩中的应用。 第四部分：和声的结构工程——转调与模性（调式）的运用 转调是检验和声学掌握程度的重要标准。本书提供了从简单到复杂的，系统化的转调方法。 关系转调与平行转调： 讲解如何利用共同和弦或直接的音程关系（如五度关系、三度关系）进行平稳的转调。 媒介和弦转调法： 重点演示如何使用结构复杂的和弦（如减七和弦、增六和弦）作为桥梁，实现远关系调的快速连接。 调式和声的回归： 在深入调性体系之后，本书重新审视自然大调与和声小调的特性，并初步引入教堂调式（教会调式）的和声运用，为读者理解德彪西及印象派音乐的和声语言做铺垫。 本书的特色与目标读者 本书的结构设计遵循“理论先行，实践导向”的原则。每章均配有大量的古典音乐片段（选自巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦等大师作品），供读者进行分析练习。我们不侧重于空泛的理论推导，而是强调和弦在音乐结构中的实际功能和听觉效果。 目标读者包括： 1. 音乐学、音乐教育专业的本科生与研究生： 作为主要教材，可覆盖从初级到中高级和声学的全部核心内容。 2. 合唱指挥与声乐教师： 帮助声乐教师深入理解伴奏和声的逻辑，提高对乐谱的阅读与分析能力，从而更好地指导学生对作品情感和结构的把握。 3. 有志于音乐创作的初学者： 提供一个扎实的工具箱，使创作者能够清晰地表达其音乐意图，避免和声上的冗余与错误。 通过对本书的学习，读者将不仅能熟练地识别和标记和弦，更重要的是，能够深入理解作曲家在特定历史时期为何选择特定的和声进行，最终实现对音乐语言的深刻洞察与艺术再现。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版简直是艺术品，光是翻开扉页就能感受到编者对音乐教育的敬畏与用心。装帧考究，纸张质感上乘，那种微微泛着哑光的触感，握在手里就让人觉得沉甸甸的，仿佛承载着几代声乐学子的期望。内页设计上，疏密有致的五线谱和文字排版，即便是初学者也能迅速找到重点，不会被信息洪流淹没。色彩搭配也极为克制，主要以经典的黑白为主，辅以淡雅的底纹色，既保证了阅读的舒适度，又凸显了专业性。我特别欣赏它对乐理符号和演唱技巧图示的清晰标注，那些微妙的呼吸点和共鸣腔的示意图，简直是为零基础的读者量身定做，直接用视觉语言弥补了口头传授的模糊性。阅读过程中，我甚至能想象到那些为这套书校对、排版的老师们，是如何一丝不苟地对待每一个音符和休止符，这绝不是一套应付了事的教材，它更像是一件精心打磨的工艺品，让人在学习的路上心情愉悦，充满了对声乐艺术的尊重。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，初次接触这本书时，我其实有些许的保留意见，觉得它会不会过于学院派，充斥着难以理解的术语和高深的理论。然而，当我真正深入到它对基础发声原理的阐述部分时，那种抽丝剥茧的讲解方式彻底打消了我的疑虑。它没有急于求成地展示高难度技巧，而是将人声的构造，从气息的运用到喉位的调整，分解成了若干个可以被量化、被实践的小步骤。每一课的结构都设置了一个清晰的“导入—分析—练习—总结”的闭环，确保知识点被牢牢巩固。最让我印象深刻的是，它在讲解一些国际声乐作品时，不仅仅停留在文本的翻译，而是深入挖掘了当时的文化背景和作曲家的创作意图，这极大地拓宽了我们对作品的理解维度，不再是单纯的“技术模仿”，而是上升到了“艺术再现”的层面。这种深度，让它超越了普通工具书的范畴，更像是一位经验丰富的声乐导师，在你耳边循循善诱，耐心引导。

评分☆☆☆☆☆

这套教材最让我感到惊喜的地方，在于它对不同声部、不同风格的均衡处理。很多同类教材往往会偏重于某一特定声乐传统，导致其他声部的学习者感到内容贫乏或不够实用。但“合唱1”在这方面做得极为平衡，它似乎预设了所有未来声乐教师的复杂需求，从女高音的辉煌到男中音的厚重，都有专门的段落进行细致的探讨，并且非常关注合唱指挥视角下的声部协调问题。例如，在处理那些需要跨越巨大音域的段落时，它提供的解决方案是如此的富有建设性，它教会我们如何“训练”一个声部去适应整体，而不是强行要求个体去迎合教材的假设。这种全面性，对于一个要面对未来多元化教学环境的教育者来说，无疑是提供了极大的安全感和知识储备，让人感觉手里握着的是一张通往所有声乐领域的大地图，而非某一条狭窄的小径。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的语言风格有一种独特的魅力，它既保持了学术探讨的严谨性，又充满了一种饱含热情的叙事感。阅读过程中，我仿佛能听到作者们在字里行间对歌唱艺术的热爱，那不是冰冷的教条，而是充满了生命力的指导。例如，在描述“颤音”这一技巧时，它没有用枯燥的物理学描述来束缚读者，而是用了一种非常形象的比喻，将声带的振动比作某种自然现象，一下子就让这个原本抽象的概念变得生动起来，易于体会。这种“诗意”与“科学”的结合，使得冗长的理论部分也变得引人入胜，让人愿意主动去啃读那些看似复杂的章节。这种行文的温度，无疑是区别于许多冷峻教材的关键，它让你在学习专业技能的同时，也在潜移默化中被这种艺术精神所感染和激励。

评分☆☆☆☆☆

从实操性和未来适应性的角度来看，这本书无疑是走在了前沿。它没有固守于传统的教学范式，而是巧妙地融入了对现代声乐教学工具和理念的探讨。比如，它在一些章节中提及了如何利用基础录音设备进行自我纠错，以及如何根据不同年龄段学生的心理特点来调整练习的侧重点，这些都是当代声乐教师日常工作中亟需的“软技能”。更重要的是，它强调了一种可持续发展的学习观，即教材提供的知识点只是一个起点，真正的精髓在于如何将这些理论融会贯通，并发展出属于自己的教学体系。它提供的是一套底层逻辑和框架，而不是一套僵硬的模板，这对于培养具有独立思考能力的音乐教育工作者来说，是至关重要的。可以说，这本书在设计之初，就已经将未来十年甚至更长时间的教学挑战都考虑进去了。