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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549556649

商品编码：29867559234

丛书名： 大秦灵渠

开本：8开

出版时间：2015-01-01

 

 

目录

剧本 乐队编制 第-幕 第二幕 第三幕 第四幕 附录

内容简介

《 歌剧：大秦灵渠》取材于民间流传的故事。该剧以秦始皇修建灵渠统一中国为时代背景，穿插了依达妮与大秦将军于轩和凄美的爱情故事。歌剧表现了中原汉族人民与广西少数民族同胞的团结和文化交流，歌颂了美丽善良的依达妮为爱情和部落利益献出自己年轻宝贵生命而成就灵渠的伟大精神。钟峻程编写的本书包括《大秦灵渠》全剧剧本及乐队总谱。

作者简介

钟峻程，教授，硕士研究生导师，中国音乐家协会会员，广西艺术学院作曲与作曲技术理论学科带头人，广西艺术学院教学名师，“中国―东盟音乐周”艺术总监。本科毕业于于广西艺术学院，师从徐月初教授学习作曲与作曲技术理论；1985年考取武汉音乐学院作曲系研究生，师从童忠良教授；1988年毕业获文学硕士学位，同年到广西艺术学院音乐学院任作曲及作曲技术理论教师至今。

 

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《天籁和弦：西方古典音乐鉴赏与演奏入门》 一部引领您步入西方古典音乐殿堂的综合性指南 书籍定位： 本书旨在为零基础或初级音乐爱好者、音乐专业学生以及渴望系统提升音乐素养的演奏者，提供一套全面、深入且易于理解的西方古典音乐鉴赏与演奏基础教程。它不专注于任何特定的剧目或地域音乐流派，而是构建一个宏观的音乐知识体系，侧重于西方古典音乐的演变脉络、核心理论、重要作品分析及其演奏实践指导。 --- 第一部分：西方古典音乐的溯源与脉络 (A Journey Through Eras) 本部分将带领读者穿越西方音乐数个世纪的辉煌历程，从早期宗教音乐的庄严肃穆，到巴洛克时期的精巧繁复，再到浪漫主义的激情澎湃，直至二十世纪的多元探索。 第一章：中世纪与文艺复兴的曙光 (The Dawn of Harmony) 格里高利圣咏的结构与意义： 探讨单音音乐的特点、教会音乐对西方音乐理论的奠基作用。 复调音乐的诞生： 介绍奥尔加农（Organum）的早期尝试，以及帕莱斯特里那（Palestrina）等大师对对位法的规范化处理。 世俗音乐的兴起： 吟游诗人和游唱诗人的角色，早期器乐曲的萌芽。 第二章：巴洛克时期的光辉 (The Baroque Brilliance: Ornamentation and Structure) 巴洛克风格的核心特征： 强调情感的戏剧性表达、对位法的极致运用以及装饰音的丰富性。 大小调体系的确立： 介绍巴赫（J.S. Bach）如何通过《平均律键盘曲集》巩固了现代调性系统的基础。 协奏曲与赋格的典范： 深入分析维瓦尔第（Vivaldi）的协奏曲形式以及亨德尔（Handel）清唱剧的宏大叙事结构。 第三章：古典主义的平衡与理性 (The Classical Ideal: Clarity and Form) 从巴洛克到古典的转型： 探讨“少即是多”的美学倾向，以及情感表达的克制。 奏鸣曲式的剖析： 详尽解析呈示部、发展部、再现部的内在逻辑，这是古典主义音乐的骨架。 交响乐的成熟： 海顿（Haydn）作为“交响乐之父”的发展贡献，以及莫扎特（Mozart）在旋律与和声上的完美平衡。 第四章：浪漫主义的激情与个性 (Romanticism: Emotion Unleashed) 个人主义与民族主义： 音乐如何成为表达强烈个人情感和民族精神的载体。 大型作品的扩张： 介绍交响诗、艺术歌曲（Lied）的兴盛，以及管弦乐队编制的空前扩大。 肖邦与李斯特的键盘艺术： 分析他们如何拓展了钢琴的表现力极限，并确立了“钢琴诗人”的地位。 第五章：二十世纪的突破与探索 (The Twentieth Century: Fragmentation and Innovation) 调性瓦解： 德彪西（Debussy）的印象主义色彩，以及勋伯格（Schoenberg）十二音体系的革命性。 新古典主义与原始主义： 斯特拉文斯基（Stravinsky）对古老形式的回归与对原始节奏的运用。 电子音乐与实验： 简要介绍战后音乐发展的新方向，挑战传统听觉经验的尝试。 --- 第二部分：西方古典音乐理论与分析 (The Mechanics of Music) 本部分为读者提供理解和分析音乐作品所需的理论工具箱。内容侧重于西方音乐的基础结构，而非特定民族音乐理论。 第六章：基础乐理回顾与深化 (Reinforcing Fundamentals) 音高、节奏、节拍的精确定义。 和声学的核心： 三和弦的构成、功能和弦（主、属、下属）的运作规律。 配器法入门： 认识弦乐、木管、铜管和打击乐组的基本音色特点和演奏范围。 第七章：对位法与复调思维 (The Art of Counterpoint) 对位法的基本规则： 介绍各种音符关系（平行、斜行、反向进行）。 模仿与卡农： 分析音乐主题如何通过不同声部间的追随和模仿构建复杂的织体。 赋格曲的结构逻辑： 深入拆解主题的呈示、插部、中入与主导部等环节的编排。 第八章：曲式结构解析 (Understanding Musical Architecture) 主要曲式详解： 奏鸣曲式、回旋曲式、复合三部曲式在不同体裁中的应用。 变奏曲的创作手法： 分析主题变形的各种技巧，如节奏变化、和声置换、织体增减等。 套曲与组曲的组织： 探讨如组曲、序曲等连接不同独立段落的结构方式。 --- 第三部分：演奏实践与鉴赏指引 (Performance and Appreciation) 本部分关注如何将理论知识应用于实际的演奏和聆听体验中，培养高品质的音乐感。 第九章：器乐演奏的跨界技巧 (Instrumental Mastery Fundamentals) 钢琴演奏的触键与踏板运用： 针对不同时期作品（巴洛克连奏与浪漫主义的自由延音）的差异化处理。 弦乐的弓法与揉弦： 如何通过弓法控制力度和音色变化，实现歌唱性线条。 管乐的呼吸与音色控制： 探讨木管乐器在不同乐章中如何融入整体的平衡。 合奏中的“听力”训练： 强调在乐队或室内乐中，如何调整自身音量、音高，以适应整体声部。 第十章：歌剧与声乐作品的欣赏要点 (Vocal Music Decoded) 宣叙调与咏叹调的对比： 了解它们在戏剧推动和情感抒发中的功能区别。 人声的类型与限制： 认识女高音、女中音、男高音、男中音、男低音的音域特征及其在作品中的典型角色设定。 文本与音乐的结合： 如何通过对德语、意大利语等演唱语言的理解，更深入地体会作曲家的意图。 第十一章：有效聆听的艺术 (The Art of Active Listening) “带着耳朵去听”： 教授如何从被动的听众转变为主动的分析者。 聚焦细节： 训练辨识配器中细微的色彩变化、和声的转调点、以及主题的再现与发展。 版本比较的初步方法： 鼓励读者对比不同指挥家或演奏家对同一作品的不同诠释，培养鉴赏的开放性和批判性思维。 --- 目标读者受益点： 本书提供了一个坚实的知识框架，帮助读者将零散的音乐知识点串联起来，无论是准备参加音乐考试、进行专业演奏，还是仅仅希望更深入地欣赏音乐会，都能从中获得系统的指导和启发。全书语言严谨而不失生动，力求消除理论学习的枯燥感，让复杂的音乐原理变得直观易懂。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书纯粹是出于对中国古典音乐剧这一新兴领域的探索欲。目前市面上关于这类题材的作品分析相对零散，大多集中于某一具体的剧目，缺乏系统性的教程。《大秦灵渠歌剧曲谱书籍》在这方面填补了一个重要的空白。它不仅展示了谱例，更重要的是，它在每段乐曲的背后，都穿插了解读了创作团队在构建那个特定历史情境时所做的艺术决策。比如，为什么在表现徭役场景时会偏爱使用某些特定的五声音阶组合，以及如何运用节奏的断裂感来营造紧张感，这些细节的揭示，让学习者能够洞察到艺术家的匠心。我尤其喜欢它对“情感转场”的处理分析，如何在抒情段落与进行曲段落之间，不显得突兀或生硬，这对于提升舞台演出的流畅度至关重要。总的来说，它提供了一种从“演奏者”到“思考者”的进阶路径。

评分☆☆☆☆☆

我收藏了许多关于中国音乐史和舞台艺术的书籍，但这本书以其独特的“剧本伴奏”式的结构，在我的书架上占据了一个非常特别的位置。它不是一本简单的乐谱集，也不是纯粹的音乐理论著作，而更像是一部详尽的“幕后指南”。书中的分析深入到细节层面，例如某个关键对白的情绪爆发点，应该使用哪种和弦进行来加持，以及管弦乐如何充当叙事者的角色，推动情节发展。最让我惊叹的是，它对“气势”的捕捉。歌剧《大秦灵渠》本身就带着一股气吞山河的劲头，这本书里的曲谱解析，如同精确的工程蓝图，告诉我们如何通过配器和节奏变化，将这份磅礴的气势从纸面上“搬运”到听众的耳中。对于任何一个对中国古典史诗题材的音乐剧感兴趣的从业者或学习者而言，这本教材提供了一种难以复制的、高度浓缩的实践智慧。

评分☆☆☆☆☆

这本关于秦代历史与音乐的著作，实在是让人耳目一新，它巧妙地将厚重的历史背景与灵动的音乐元素融合在一起，为我们展现了一个立体而鲜活的大秦世界。书中对于秦朝的制度沿革、社会风貌有着深入浅出的剖析，绝非那种枯燥的史书罗列，而是充满了故事性和画面感。尤其让我印象深刻的是，作者似乎在试图还原当时人们在劳作、庆典甚至战争中的音乐氛围，那种粗犷与磅礴并存的气息，即使只是通过文字描述，也能依稀感受到强烈的感染力。我尤其欣赏它对“灵渠”这一地理奇迹的音乐化解读，它不仅仅是一条水利工程，在作者笔下，它更像是一部恢弘的交响乐的序曲，讲述着人定胜天的信念与工程背后的血汗。对于古典音乐的爱好者来说，这本书无疑提供了一个全新的视角去理解和欣赏那些久远的声音。我期待未来能看到更多基于此研究的衍生作品，或许是一部真正的舞台剧，将这些文字中的旋律具象化。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我是一个对中国传统戏曲和器乐都有所涉猎的非科班出身的爱好者，这本书带给我的惊喜是它的普及性与专业性的完美平衡。它不像一些教材那样高高在上，而是用一种非常亲和的笔触，引导读者进入到歌剧音乐的创作世界。书中的插图和图表清晰直观，即便是第一次接触歌剧编曲概念的人，也能快速抓住要点。我特别赞赏作者对“地方色彩”和“普世情感”拿捏的火候。大秦的背景宏大，但书里所强调的个体在时代洪流中的挣扎与希望，却是人人都能感同身受的。它成功地示范了如何将民族化的音乐语汇，提炼并升华为具有国际吸引力的艺术表达。我甚至尝试根据书中的基础和声走向，即兴创作了一段自己的小片段，这说明它的教材设计已经深入到了激发学习者自主创新的层面。

评分☆☆☆☆☆

我本以为这会是一本偏学术、门槛较高的歌剧理论书籍，没想到它在内容组织上如此贴近实际的乐队排练需求。它没有过多纠缠于晦涩的音乐学名词，而是非常务实地从乐队不同声部的功能性角度出发，讲解了如何在现代编制下还原或演绎那种古朴庄重的“秦风”乐章。书中对不同乐器的配置、音色的选择，以及如何在复杂的复调结构中保持旋律的主体性，都有着非常详尽的案例分析。特别是关于合唱部分的编排，简直像是一份详细的战术图，指导声部长如何处理高潮处的力度变化和情绪递进。我个人在学习指挥时常常感到，理论与实践之间存在巨大的鸿沟，但这本书似乎架起了一座坚实的桥梁，让那些宏大的历史叙事能够通过精准的乐谱语言被成功地转译出来。对于那些希望将中国古典元素融入现代音乐剧创作的作曲家和指挥家来说，这本教程的价值无可估量。