新正版舒曼为青年人所作钢琴曲集作品68配套2DVD视频讲解基础教程金色旋律——俄苏名曲三十首 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 舒曼
• 钢琴曲
• 作品68
• 青年人
• 教程
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• 俄苏名曲
• 金色旋律
• 基础
• 名曲

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040364095

商品编码：29867569206

丛书名： 金色旋律俄苏名曲三十首

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

• 商品尺寸: 18 x 13.8 x 1.5 cm
• 商品重量: 82 g
• 发货重量: 82 g
• ASIN: B00PA2UBJS

 

01 旋律
02 士兵进行曲
03 可怜的孤儿
04 猎歌
05 骠悍的骑士
06 民歌
07 快乐的农夫
08 西西里舞曲
09 勇士鲁伯特
10 五月，美好的五月
11 小练习曲

第二片
01 失落
02 收割者之歌
03 小浪漫曲
04 优美的慢板
05 骑士
06 流动的行板
07 水手之歌
08 剧院的回响
09 冬日（之1）
10 冬日（之2）
11 异乡人

 

内容简介

《舒曼为青年人所作钢琴曲集:作品68》舒曼的《为青年人所作—钢琴曲集》是特为喜爱钢琴的青少年朋友所作的，这些乐曲旋律优美、通俗流畅，深受广大钢琴学习者的喜爱。在本片中，李民铎老师根据每一首乐曲的不同情绪、特点，就如何理解和掌握作品的内涵、风格，以及在弹奏过程中应该注意的各种问题和演奏方法，做了详细的示范和讲解。

 

经典钢琴曲目赏析与演奏指南：一部面向中级学习者的综合教程 图书名称：《跨越时空的和声：从巴洛克到浪漫主义的钢琴演奏进阶》 图书简介： 本书旨在为已掌握基础钢琴演奏技巧，并希望深入探索古典音乐不同时期风格精髓的中级学习者提供一份详尽的、具有实践指导意义的教程。我们聚焦于钢琴文献中那些历经时间检验、对演奏者技术与音乐理解力要求较高的核心曲目，通过细致的乐谱分析、演奏策略剖析以及历史背景的阐述，帮助学习者实现从“弹奏音符”到“诠释音乐”的飞跃。 第一部分：巴洛克时期的精雕细琢——清晰度与织体控制 本部分着重探讨巴赫及其同辈作曲家作品的演奏特点。巴洛克音乐强调清晰的复调织体、精确的节奏感和对装饰音的恰当运用。 第一章：巴赫的“逻辑之美”——《平均律键盘曲集》（选段）的结构解析 我们选取了《平均律》中几首具有代表性的前奏曲与赋格进行深入剖析。重点不在于枯燥的技巧练习，而在于如何通过指尖的独立性来“听见”每一个声部如何在复杂的对位中相互对话。 织体分离技术： 讲解如何通过触键的力度差异和时值控制，使高、中、低声部在听觉上保持清晰的层次感，尤其针对四声部赋格中的“主调”与“客调”的转换。 演奏风格的再现： 讨论对巴赫作品中“力度标记”的理解——它往往指示的是结构而非纯粹的情绪表达。如何平衡速度的流畅性与细节的颗粒感。 装饰音的执行标准： 详细解析颤音（Trill）在不同速度和调性下的起始点、持续时间和结束处理，确保其符合十八世纪的演奏规范。 第二章：英国与意大利的浪漫气息——亨德尔与多梅尼科·斯卡拉蒂（选段） 本章将目光投向更具抒情性和炫技色彩的巴洛克晚期作品。 斯卡拉蒂奏鸣曲的“瞬间戏剧”： 分析其单乐章结构中强烈的对比性。如何利用节奏的突然变化和宽大的跳跃来捕捉其西班牙式的热情。 亨德尔的宏伟与歌唱性： 探讨其组曲中舞曲乐章的特征，如何保持赋格段落的庄严感，同时不失其键盘协奏曲般的明快气质。 第二部分：古典主义的典雅与平衡——结构、比例与歌唱性 古典主义时期是钢琴音乐发展史上的一个高峰，强调清晰的结构、匀称的乐句以及对“歌唱旋律”的追求。本部分聚焦于海顿与莫扎特。 第三章：海顿的幽默与智慧——奏鸣曲（Hob. XVI系列选作）的演绎 海顿的作品常被低估，但其内在的结构精巧与诙谐的“幽默感”是演奏者必须掌握的。 主题的铺陈与发展： 如何通过细微的速度变化（Tempo Rubato的克制运用）来突出主题的“机智问答”效果，而非简单地堆砌音符。 踏板使用的限制与目的： 在早期钢琴（羽管键琴或古钢琴）的语境下，理解海顿作品中对踏板的审慎态度，以保证低音区的清晰度。 第四章：莫扎特的“透明之声”——钢琴协奏曲的结构与钢琴独奏改编（选段） 莫扎特对钢琴音色有着极高的要求，追求一种纯净、无瑕的透明感。 乐句的呼吸感： 深入解析莫扎特旋律中的“起承转合”，如何让钢琴发出如同最优美的人声咏叹调般的连贯性。 力度记号的精细化处理： 如何在高音区保持柔和（piano）的同时，保证足够的投射力，体现其“精致的优雅”。 第三部分：浪漫主义的激情与色彩——情感的深度与技术的解放 浪漫主义时期极大地拓宽了钢琴的表现领域，要求演奏者掌握更广阔的音域控制、更复杂的和声处理以及更富个人色彩的情感表达。 第五章：贝多芬的“巨人脚步”——奏鸣曲中的戏剧张力（如《悲怆》、《月光》中快板乐章） 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁，其作品充满了内在的冲突与宏大的叙事性。 力度梯度与戏剧高潮： 如何构建从pp到ff的平滑渐变，以及在突然的力度对比（如sfz）中体现的“断裂美学”。 踏板的解放与重塑： 针对不同钢琴构造（广义上的）探讨如何使用踏板来丰富和声的共鸣，同时避免音色的“浑浊”。 第六章：肖邦的“诗意低语”——夜曲与叙事曲的艺术 肖邦的作品是浪漫主义钢琴文献的精髓，其核心在于气息、节奏的自由度与对“波兰灵魂”的抒发。 韵律的灵活性（Tempo Rubato的真谛）： 强调旋律声部的弹性自由，而伴奏声部需保持相对稳定的脉动，以创造出“时间错位”的听觉效果。 音色的“天鹅绒”质感： 教授如何通过触键深度与指尖的柔软度，在广袤的低音区演奏出温暖、包围感强的和声色彩。 第七章：舒曼的内心世界——幻想曲与叙事曲的文学性表达 本章将侧重于舒曼作品中内在的“人物对白”和内在的文学意象。 多重性格的塑造： 探讨如何通过对比性的音色和节奏处理，在同一乐章中区分“弗洛雷斯坦”的激情与“尤塞比乌斯”的沉思。 踏板的“模糊边界”： 舒曼对踏板的运用更倾向于色彩的融合，本章将指导读者如何在不牺牲清晰度的情况下，运用踏板创造出梦幻般的听觉效果。 结语：演奏者的自我修养 本书最后强调，技术是为音乐服务的。真正的演奏者必须具备批判性聆听能力和对作曲家时代背景的深刻理解。本教程提供的不仅是解题思路，更是一种贯穿终身的音乐探寻方法论。 适用读者对象： 已完成初级教材学习，掌握五指音阶与基本琶音的钢琴爱好者。 音乐学院附中或专业院校的副修学生。 希望系统性提升古典与浪漫时期核心曲目演奏水准的成人学习者。 本书特点： 1. 聚焦核心： 不涉猎大量练习曲，直击文学性、结构性强的代表作品。 2. 演奏策略先行： 避免空泛的理论说教，每一点分析都直接对应到键盘上的具体操作。 3. 风格导向： 清晰区分巴洛克、古典、浪漫三个时期的演奏差异，培养演奏者的“风格意识”。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书在“演奏指导”这块儿的处理方式，让我感到既受用又有点压力。它没有提供那种保姆式的、一步一步教你“在这里揉弦、在这里慢下来”的指示。相反，它更侧重于对演奏者主体性的激发。书中大量的篇幅都在引导读者思考——“如果你是作曲家，你会如何处理这个转调？”、“你认为这个ff应该用多大的气场去表现？”。这种提问式的引导，迫使我必须走出舒适区，用自己的理解去诠释作品，而不是机械地模仿书本上可能存在的某种“标准解释”。对于那些已经有一定基础，想要寻求突破的进阶学习者来说，这种“思辨性”的教学方法无疑是绝佳的催化剂。它要求你成为一个思考者，一个发现者，而不是一个单纯的复述者。尽管这需要花费更多的时间去琢磨和试验，但一旦找到那种“属于自己的声音”，成就感是无可替代的。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的排版和印刷质量，虽然整体上是偏向严肃的学术风格，但在某些需要精细辨识的地方，处理得略显粗糙了。比如，有些快速跑动的音群部分，墨迹似乎有些轻微的洇染，对于初学者或者视力稍弱的人来说，可能需要多花一点时间来确认准确的指法和节奏。当然，瑕不掩瑜，它的选曲范围之广，确实让人印象深刻。它没有局限于那些在音乐会上被反复演奏的“大路货”，而是大胆地引入了一些鲜为人知的室内乐片段和早期浪漫主义时期的作品。我个人对其中收录的一组早期格林卡的小品特别感兴趣，这些曲子风格明快、结构简洁，非常适合用来练习手指的灵活性和对声部线条的清晰度。这本书的价值就在于，它提供了一个广阔的视野，让你能从更全面的角度去审视“俄苏音乐”这个庞大的体系，而不是只盯着那几个最耀眼的明星。它更像是一张详尽的地图，而不是一份简易的指南，需要你去主动探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张选择，透露出一种“耐用”的哲学，而不是追求短暂的“时尚感”。厚实的铜版纸，耐得住反复翻阅和在琴谱架上经受的各种拉扯。我尤其欣赏它在曲目分类上的匠心。它没有简单地按照作曲家或者时间线来排列，而是根据不同的“情绪主题”进行划分，比如“冬日的沉思”、“宫廷的辉煌”、“人民的呐喊”等等。这种划分极大地帮助我建立起音乐与情感之间的直接联系。当我需要练习一些需要表达宏大叙事感的曲目时，我可以直接翻到“人民的呐喊”那一章，里面的曲目选择和相关的背景解读，会立刻将我带入到那种情绪氛围中去，极大地缩短了进入“状态”的时间。这不仅仅是一本教材，更像是一本精心策划的“情绪调色盘”，让学习过程变得更具画面感和目的性。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的是它的“拓展阅读”部分，那简直是为我这种渴望“知其所以然”的业余爱好者量身定做的。我一直觉得，学一首曲子，光会弹音符是远远不够的，得知道它为什么这样写。这本书在这方面表现得极其慷慨。比如，书中对肖斯塔科维奇的一些晚期作品的介绍，不仅仅提到了当时的政治气候，还引用了大量当时音乐评论家和作曲家本人的信件片段，那种鲜活的史料感是其他任何教材都难以比拟的。它不像传统的教材那样板着脸孔灌输知识，而是像一位资深的音乐史学家在与你娓娓道来。我特别喜欢其中一章关于“苏联时期音乐美学”的探讨，它没有简单地做价值判断，而是客观地展示了在特定历史语境下，艺术家们是如何在“官方要求”与“内心坚持”之间走钢丝的。读完这些，再回过头看那些耳熟能详的旋律，感觉它们瞬间立体了起来，不再是平面的音符，而是充满了挣扎、妥协与不朽的灵魂印记。这种对音乐“上下文”的重视，绝对是这本书的王牌。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《金色旋律——俄苏名曲三十首》的时候，我心里其实是有点忐忑的。毕竟，这年头选教材，内容深度和实用性太重要了。这本书的装帧设计很古典，封面那种深沉的金色调，配上那个年代特有的排版风格，立刻就让人感觉回到了那个充满激情与浪漫的时代。我主要关注的是它对每一首曲目背后的历史背景和作曲家创作心境的挖掘。坦白说，很多所谓的“名曲选集”只是罗列了曲谱，演奏技巧的讲解也只是流于表面，但这本书明显在这方面下了功夫。它没有直接给我舒曼的作品，但它深入剖析了柴可夫斯基《四季》中那些微小的情感波动，如何通过和声的变化体现出俄罗斯的土地和人民的性格。尤其是对《第六交响曲“悲怆”》中慢乐章处理的分析，那种细腻到近乎残酷的自我剖析，让我在阅读时仿佛能听到那个时代的叹息。它不仅仅是乐谱的集合，更像是一本穿越时空的音乐日记，让我对“俄苏”这个宏大命题有了更具象、更感性的理解。对于想要真正理解俄罗斯音乐灵魂的演奏者来说，这种深度是极其宝贵的。