音乐理论练习册 作曲技术理论通用谱例集 音乐理论研究谱例 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 音乐理论
• 作曲
• 乐理
• 谱例
• 练习
• 教材
• 音乐研究
• 和声
• 对位
• 音乐分析

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549556571

商品编码：29867571497

丛书名： 音乐理论练习册

编辑推荐 本书收录了从古希腊时期到二十世纪音乐的经典代表作品数百首，适用于以统称“四大件”的和声学、对位法、曲式学以及配器法为核心构架的作曲技术理论教学，旨在切实提高作曲技术理论共同课教学质量。 内容推荐 《音乐理论练习册》以完整的“音乐作品”作为重要的出发点和归宿点，形成了以基本乐理与视唱练耳为为基础，以“四大件”所有的方面为核心内容，以歌曲分析与写作、合唱为辅助的完整体系。从而能够适应高等音乐教育体系中作为专业课、作为专业基础课和作为共同课的作曲技术理论课程的不同需要。 作者简介 钱仁平，1967年出生，男，江苏人。中国现代音乐研究中心主任，教授，博士研究生导师；前武汉音乐学院作曲系系主任，现任上海音乐学院图书馆馆长。1993年获学士学位，1995年武汉音乐学院和声学硕士，2010年上海音乐学院音乐分析博士。主要从事作曲与作曲技术理论的教学与研究。创作作品主要有钢琴组曲《SET》、为三支短笛与三对鼓而作的《INTERACTION》、主编《恋恋琴歌》《岁月如歌》等多部根据经典歌曲改编的钢琴曲集）等。近年来公开发表的论文主要有：“情绪结构、组织结构、音响结构的整合”、 “ ‘宏复调’织体形态与结构功能”、“关于新世纪音乐创作前瞻的漫谈”、“谭小麟研究之研究”、“与‘惊梦’的三重‘对话’”等。  

 

巨牛图书专营店——专业正版音乐书服务商！

《音乐理论练习册》以完整的“音乐作品”作为重要的出发点和归宿点，形成了以基本乐理与视唱练耳为为基础，以“四大件”所有的方面为核心内容，以歌曲分析与写作、合唱为辅助的完整体系。从而能够适应高等音乐教育体系中作为专业课、作为专业基础课和作为共同课的作曲技术理论课程的不同需要。

《20世纪音乐思潮与创作实践》 导论：现代主义的浪潮与对传统的反思 本书深入剖析了20世纪以来西方音乐领域发生的一系列革命性变革。从宏观的时代背景出发，探讨了工业化、两次世界大战、弗洛伊德精神分析理论以及尼采哲学对音乐家创作观念产生的深远影响。20世纪音乐不再满足于浪漫主义晚期所确立的调性体系和情感表达模式，而是将目光投向了更广阔的听觉空间和更严谨的结构逻辑。本书的重点在于梳理二十世纪初期至中期，从德彪西的印象主义对音色和氛围的强调，到斯特拉文斯基新古典主义对古典形式的回归与重构，再到勋伯格无调性与十二音体系的诞生，这些关键思想是如何相互作用、彼此影响，并最终塑造出我们今天所理解的“现代音乐”的图景。我们将辨析技术革新与美学追求之间的复杂张力，理解作曲家们如何通过打破既有范式，来寻求新的表达真理。 第一部分：调性瓦解与十二音体系的诞生 本部分聚焦于二十世纪音乐最核心的结构性转变——传统调性的消亡及其替代方案的探索。 第一章：从后浪漫主义的边缘到自由无调性 详细考察了马勒、施特劳斯晚期作品中调性色彩的模糊化趋势，以及德彪西和拉威尔如何利用全音阶、五声音阶和复杂的和声色彩来营造非功能性的听觉体验。重点分析了斯克里亚宾对和声语言的极端化发展，以及如何为真正意义上的无调性铺平了道路。本章将通过具体的和弦分析，展示音乐如何逐渐脱离大小调功能关系的主导地位。 第二章：勋伯格的“十二音技法”：理性与结构的新框架 这是全书的核心章节之一。详尽解析了阿诺德·勋伯格在1923年前后确立的十二音序列写作原理。我们不仅会解释“音列”的构建、转位、逆行及逆行转位等基本操作，更重要的是，深入探讨其背后的哲学基础——即在调性崩溃后，如何确保音乐的内在逻辑性和整体统一性。通过分析《钢琴曲，作品25》和未完成的歌剧片段，展示十二音如何从一种“限制”转变为一种强大的组织工具。 第三章：第二维也纳乐派的群像：韦伯恩的精微与贝尔格的抒情性 在勋伯格奠定基础后，他的两位学生——安东·韦伯恩和阿尔班·贝尔格——对十二音技法进行了截然不同的发展。韦伯恩的作品以其极端的简洁、音色的瞬时性和高度的非线性发展而著称，本书将分析其对“点状音乐”（Pointillism）的探索。而贝尔格则巧妙地将十二音的严谨结构与传统调性的残余情感色彩相结合，通过在音列中嵌入“引子音”等手段，创作出极富表现力的作品，如小提琴协奏曲。 第二部分：新古典主义的复兴与对节奏的解放 本部分转向那些试图在继承古典精神与反叛浪漫主义之间寻求平衡的作曲家群体。 第四章：斯特拉文斯基与“异化”的古典形式 分析伊戈尔·斯特拉文斯基如何通过“新古典主义”的旗帜，对巴洛克和古典时期的形式（如奏鸣曲、协奏曲、组曲）进行解构和重组。重点剖析《普尔钦奈拉》和《D大调交响曲》中，他如何运用非传统配器、突然的节奏切分和带有异域风情的音阶，实现对既有风格的戏仿与批判。节奏不再是服从于旋律和和声的附属品，而是成为独立的、驱动音乐前进的结构力量。 第五章：整体性节奏的探索：巴托克与民族音乐学的影响 探讨匈牙利作曲家贝拉·巴托克如何将对东欧民间音乐的田野考察成果，系统地融入到严肃音乐创作中。分析他如何运用复杂的、非对称的节拍结构（如5/8、7/8拍），以及对特定音阶和旋律动机的提炼，来创造出既充满原始生命力又具备高度组织性的音乐语言，尤其关注其弦乐四重奏中的“拱形结构”。 第三部分：战后实验：声音的无限可能 二战结束后，音乐的重心转向对声音本身、技术与偶然性的极致探索。 第六章：具体音乐与电子音乐的诞生 详细介绍皮埃尔·舍费尔的“具体音乐”（Musique Concrète），探讨如何使用录音技术对现实世界的声音（如自然声、工业噪音）进行编辑、拼贴和塑形，挑战了“音乐必须是音高与节奏的组织”的传统观念。随后，分析电子合成器和振荡器在科隆和达姆施塔特学派中的应用，展示了如何从零开始构建全新的音响世界。 第七章：偶然性音乐与留白的美学：约翰·凯奇的东方哲学 深入解析约翰·凯奇对“意图”和“控制”的颠覆性挑战。通过对《4分33秒》的深入解读，揭示其对环境声音和听者主观经验的关注。本书将详细阐释随机过程（如《易经》的运用）在作曲中的实际操作，以及“留白”或“沉默”在构建音乐结构中的决定性作用，将其置于禅宗哲学的影响下考察。 第八章：序列主义的深化与概率控制 探讨战后作曲家，如布列兹和施托克豪森，如何将勋伯格的序列思想推向极端，实施“总体序列化”（Total Serialism），将音高、时值、力度、音色等所有参数都纳入严格的序列控制。分析他们如何试图通过复杂的数学模型来消除作曲家个人意志的干预，从而追求一种客观的、宏大的结构。 结论：后现代的展望与多元化的未来 总结20世纪音乐的遗产——一个结构性危机带来无限可能性的时代。展望21世纪的音乐图景，探讨极简主义、新浪漫主义以及技术与音乐的进一步融合，指出虽然技术路径和美学观点趋于多元，但对声音本体的深刻洞察已成为所有流派共同的财富。本书旨在提供一个清晰的框架，帮助读者理解这段复杂而辉煌的音乐史。

评分☆☆☆☆☆

我必须得提到这本书在引用例证方面的广度和深度，这简直是一位博学多才的老师在身边指导。它的曲目选择绝非仅限于我们耳熟能详的德奥古典乐派。我惊喜地发现，书中对印象派的德彪西和拉威尔的和声处理，以及二十世纪早期如斯特拉文斯基和巴托克的配器手法，都有非常精到的分析。更让我意外的是，它甚至节选了一些现代音乐，比如极简主义或序列音乐中关于节奏和音色的操作手法，虽然这些内容对我来说暂时还有些挑战性，但至少让我看到了理论的边界正在不断延伸。书中对这些复杂作品的分析，不是那种套路化的和弦标记，而是深入到作曲家独特的“思维模式”去解读。例如，它在分析肖斯塔科维奇的一段配器时，会详细拆解他是如何利用管乐器的特定音区和音色组合，来制造出那种特有的“黑色幽默”效果的。这种不拘一格、面向全音乐史的例子引用，极大地提升了这本书的专业性和实用价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构组织上展现出一种令人惊叹的逻辑连贯性，它采取了一种螺旋上升的学习路径。不同于我之前读过的那些按部就班、线性推进的教材，这本书巧妙地将基础概念与高阶应用穿插进行。比如，在介绍完基本的调式和弦后，它并没有立刻进入复杂的转调技巧，而是立刻引入了一段巴赫平均律中巧妙运用该和弦的范例，用真实的作品来“印证”和“活化”刚刚学到的知识点。这种先理论、后实践、再用更深层次理论回溯实践的设计，让知识的吸收过程变得无比自然和高效。每完成一个大的章节，它都会有一个“理论融汇”的小节，那里会把之前分散在不同章节的知识点，通过一个复杂的多声部织体重新整合起来。我发现，当我读到后面的内容时，很多之前觉得晦涩难懂的概念，在新的语境下突然“豁然开朗”，因为它们已经被巧妙地嵌入到了一个更大的知识网络之中。这种编排，非常适合那些追求深度理解而非表面记忆的学习者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了深刻的印象，那种典雅而不失现代感的封面，特别是封底那句关于“音乐的本质与结构”的引言，瞬间就抓住了我这个音乐学习者的心。内页的纸张质感也非常好，油墨印刷清晰锐利，即便是复杂的五线谱和和声图表，看起来也毫不费力。我特别欣赏它在版式布局上的用心，每一页的留白都恰到好处，既保证了信息的密度，又避免了视觉上的拥挤。举个例子，它在讲解某个特定的对位法原则时，旁边会配上一小块留白区域，用非常简洁的文字概括了该原则的历史渊源和实际应用中的注意事项，这种设计体现了编者对阅读体验的极致追求。更值得称道的是，一些理论概念的图示，比如声部进行的可视化模型，它没有采用千篇一律的僵硬图表，而是用了一种更具流动性的线条和色彩来辅助理解，这对于初学者来说，无疑是极大的福音，它让原本抽象的理论变得触手可及。虽然我还没有深入到每一个练习题，但仅凭这细致入微的排版和印刷质量，我就觉得物超所值，这完全不像是一本普通的教材，更像是一件精心打磨的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书在自我检测和反馈机制上的设计，非常人性化，也体现了作者对“学习”这一过程的深刻理解。它不是那种只给你一个标准答案然后让你对号入座的练习册。很多练习题的末尾，会有一个“思考引导”部分，它不会直接告诉你“错在哪里”，而是提出一系列启发性的问题，引导你自己去回溯，去比较你写下的答案和它提供的参考解决方案之间的“审美差异”。比如，当你完成一个四部和声的练习后，它可能会问：“你选择的属七和弦解决到了主和弦，但如果解决到关系小三和弦，你认为音乐的张力是增强了还是减弱了？请用你自己的话描述这种听觉上的区别。”这种设计将评估的重点从“对错判断”转移到了“判断能力的培养”上。这使得练习环节不再是机械的机械重复，而更像是一场持续性的、自我修正的对话。这种引导式的学习方法，对于培养独立思考和建立个人音乐语感，具有不可估量的作用。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一场穿越时空与大师对话的旅程。它最吸引我的地方在于，它似乎不满足于仅仅罗列规则，而是致力于揭示规则背后的“为什么”。我记得有一次，我被某个不协和音程的解决方式困扰了很久，市面上很多书只是机械地告诉我“应该怎么做”，而这本书，却花了大篇幅去探讨中世纪以来不同作曲学派对这个音响效果的审美变迁，从帕莱斯特里那的纯净到瓦格纳的张力释放，它用大量的实例对比，让我明白了所谓的“正确”其实是特定历史时期审美选择的结果。这种宏大的历史视野和对音乐哲学层面的探讨，极大地拓宽了我的思维边界。它强迫你去思考，当你写下每一个音符时，你是在继承传统，还是在挑战权威？这种带着批判性思维去学习理论的方式，远比死记硬背那些枯燥的规则要来得有趣和深刻得多。我感觉自己不再是一个机械的符号操作者，而是一个有意识的音乐构建者。