西方经典音乐作品萨克斯管演奏指导（近现代时期）曲谱教材教程书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552305739

商品编码：29867610686

丛书名： 西方经典音乐作品 萨克斯管演奏指导

目录 序
 一部分 近现代时期社会、政治、文化背景及音乐风格特征
20世纪音乐
20世纪音乐流派
社会、政治对音乐的影响
第三次技术革命对音乐的影响
20世纪文化艺术的发展
1.现代哲学
2.现代文学
3.现代美术
4.现代电影
20世纪音乐总体特征
1.旋律方面
2.节奏节拍方面
3.和声方面
4.调式调性方面
5.配器方面
20世纪歌剧的发展
1.主要流派
2.代表人物与作品
乔治·格什温
《夏日时光》
20世纪音乐剧的发展
1.概述
2.由来
3.特征
4.代表人物与作品
安德鲁·劳埃德·韦伯
《回忆》
印象主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
克劳德·德彪西
《曼陀林》
表现主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
阿尔班·马利亚·约翰尼斯·贝尔格
《芦苇之歌》
新古典主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
达律斯·米约
《爱情之歌》
新民族主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
贝拉·巴托克
《秋泪》
多姿多彩的音乐体裁
小夜曲
1.含义
2.代表人物与作品
迪·卡普阿
前奏曲、咏叹调、谐谑曲
1.含义
2.代表人物与作品
埃尼奥·波利诺
赋格与舞曲
1.含义
2.代表人物与作品
K.迪特里希
随想回旋曲
1.含义
2.代表人物与作品
I.伊万诺夫
嬉游曲
1.含义
2.代表人物与作品
I.伊万诺夫
第二部分 近现代时期的九位大师
1.爱德华·埃尔加
《爱的致意》
2.弗朗蒂切克·德尔德拉
《回想》
3.波尔迪尼
《洋娃娃之舞》
4.艾乃斯托·德·库尔蒂斯
《那波利之歌》
5.斯苔法诺·多那乌蒂
《倩影朦胧》
6.皮艾特罗·契玛拉
《雪花》
7.F.J.奥布拉多尔斯
《甜美的民谣》
8.切萨莱·安德莱·比克西奥
《只为了你，露琪亚》
9.E.拉扎罗
《罗马的吉他》 内容推荐 西方经典音乐作品之《萨克斯管演奏指导》通过音乐与其他领域的知识融合，生动再现了每一个时代的艺术风采。全系列共五册，每册按照固定体例，分别论及社会、政治、文化对音乐的影响；音乐的功能与作用；音乐风格形式和体裁；乐器的发展以及伟大作曲家的成就。作者收集了数百幅历史珍贵图片资料，使读者能够对古往今来的许多音乐场景如临其境。 作者简介 杭州师范大学音乐学院器乐系主任、副教授、硕士生导师。的大管演奏新技法“循环换气”、“**动断音”、“一源双声”等，在**外管乐专业领域中居水平。

 

序
 一部分 近现代时期社会、政治、文化背景及音乐风格特征
20世纪音乐
20世纪音乐流派
社会、政治对音乐的影响
第三次技术革命对音乐的影响
20世纪文化艺术的发展
1.现代哲学
2.现代文学
3.现代美术
4.现代电影
20世纪音乐总体特征
1.旋律方面
2.节奏节拍方面
3.和声方面
4.调式调性方面
5.配器方面
20世纪歌剧的发展
1.主要流派
2.代表人物与作品
乔治·格什温
《夏日时光》
20世纪音乐剧的发展
1.概述
2.由来
3.特征
4.代表人物与作品
安德鲁·劳埃德·韦伯
《回忆》
印象主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
克劳德·德彪西
《曼陀林》
表现主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
阿尔班·马利亚·约翰尼斯·贝尔格
《芦苇之歌》
新古典主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
达律斯·米约
《爱情之歌》
新民族主义音乐
1.由来
2.特征
3.代表人物与作品
贝拉·巴托克
《秋泪》
多姿多彩的音乐体裁
小夜曲
1.含义
2.代表人物与作品
迪·卡普阿
前奏曲、咏叹调、谐谑曲
1.含义
2.代表人物与作品
埃尼奥·波利诺
赋格与舞曲
1.含义
2.代表人物与作品
K.迪特里希
随想回旋曲
1.含义
2.代表人物与作品
I.伊万诺夫
嬉游曲
1.含义
2.代表人物与作品
I.伊万诺夫
第二部分 近现代时期的九位大师
1.爱德华·埃尔加
《爱的致意》
2.弗朗蒂切克·德尔德拉
《回想》
3.波尔迪尼
《洋娃娃之舞》
4.艾乃斯托·德·库尔蒂斯
《那波利之歌》
5.斯苔法诺·多那乌蒂
《倩影朦胧》
6.皮艾特罗·契玛拉
《雪花》
7.F.J.奥布拉多尔斯
《甜美的民谣》
8.切萨莱·安德莱·比克西奥
《只为了你，露琪亚》
9.E.拉扎罗
《罗马的吉他》

 

西方经典音乐作品之《萨克斯管演奏指导》通过音乐与其他领域的知识融合，生动再现了每一个时代的艺术风采。全系列共五册，每册按照固定体例，分别论及社会、政治、文化对音乐的影响；音乐的功能与作用；音乐风格形式和体裁；乐器的发展以及伟大作曲家的成就。作者收集了数百幅历史珍贵图片资料，使读者能够对古往今来的许多音乐场景如临其境。

西方音乐史上的辉煌乐章：巴洛克与古典主义的精粹管弦教程 一部深入探索管乐艺术核心，聚焦巴洛克早期至古典主义盛期管弦作品演奏技法的权威教程。 本书籍聚焦于西方音乐史上两个至关重要的时期——巴洛克早期（约1600-1750年）与古典主义时期（约1750-1820年）。它并非一部侧重于萨克斯管演奏技巧的教材，而是旨在为学习者和演奏者提供一套全面、细致的指南，用以理解和演绎那个时代管弦乐队音乐的核心特征、演奏实践以及曲目结构。本书的核心价值在于，它引导读者超越纯粹的指法训练，深入到特定历史时期音乐语法的肌理之中。 第一部分：巴洛克管弦艺术的基石（1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐发展的一个重要转折点，复调音乐的精妙结构、固定调性体系的建立以及“数字低音”（Basso Continuo）实践的盛行，共同构筑了这个时代的音乐面貌。本书将巴洛克管弦音乐的分析和演奏实践置于首位。 一、数字低音的理论与实践： 本书深入剖析了巴赫、亨德尔等大师作品中数字低音的角色。它详细阐释了如何从低音声部（如大提琴、维奥尔琴或低音管）推导出和声支撑，以及作为即兴演奏者如何理解并充实和声织体。这包括： 和声进行的速度与密度： 在巴洛克音乐中，和声填充的密度往往与演奏速度和乐器音色紧密相关。本书提供了对不同乐器（如羽管键琴、鲁特琴）在低音支持中职责差异的考察。 即兴装饰法的原则： 与后世严格记谱不同，巴洛克演奏强调适当的装饰音（如颤音、回音指法）的使用。教程提供了基于Fux和Quantz等音乐理论家视角的装饰音规范，强调装饰应服务于清晰的对位线条，而非掩盖旋律。 二、巴洛克管弦乐队的配置与音色观： 巴洛克早期的乐队规模小巧，对音色平衡的要求与后世浪漫主义时期截然不同。 弦乐组的弓法与发音： 教程详尽分析了巴洛克时期常用的“停弓”（tenuto）和“短分弓”（short bow）技法，以及与现代演奏习惯的显著区别。重点在于对清晰的音符轮廓和呼吸感的追求，而非持续不断的连奏。 早期木管乐器的特性： 探讨了古双簧管（Shawms的后继者）和巴洛克长笛（横笛）的音域限制、音色特点，以及它们在协奏曲和协奏曲中扮演的角色。读者将了解到，这些乐器发音的“脆弱性”或“穿透力”是作曲家考虑的重要因素。 器乐协奏曲（Concerto Grosso）的结构： 通过对Corelli和Vivaldi作品的案例研究，解析了“合奏团”（Concertino）与“大合奏团”（Ripieno）之间动态的对话模式，以及快速乐章中对“节奏动机”的高度依赖性。 三、对位法的演奏处理： 巴洛克音乐的核心是复调。本书提供了一套方法论，指导演奏者如何在高密度的对位织体中，清晰地突出“主要声部”与“次要声部”的层次关系。这要求演奏者在不失自身声部完整性的前提下，对其他声部的进入点和强度进行精确的预判和微调。 第二部分：古典主义的清晰与平衡（1750-1820） 古典主义时期，音乐语言趋向于清晰、平衡和结构化的表达。奏鸣曲式成为音乐结构的主导，乐队编制开始标准化，管乐器逐渐从伴奏角色迈向独奏和色彩贡献者的地位。 一、奏鸣曲式与主题展开的器乐演绎： 本书侧重于海顿、莫扎特等大师作品中，管弦乐如何服务于奏鸣曲式的“呈示部-发展部-再现部”的戏剧性结构。 乐句的“问答”逻辑： 古典主义音乐的乐句往往呈对称的四小节或八小节结构，具有清晰的“回答性”。教程指导演奏者如何通过轻微的重音变化和休止符的精确处理，来展现这种对话感。 发展部的张力管理： 在发展部中，主题材料被分解和重组。教程分析了如何通过音域的快速转换、不协和音的渐进引入，以及对动态标记（piano/forte）的极端控制，来体现紧张感和预期性，为再现部的高潮做铺垫。 二、管乐器地位的提升与音色融合： 古典主义时期，管乐器（特别是双簧管、单簧管、圆号）开始获得更具独立性的声部，不再仅仅是加强弦乐的低音或中声部。 单簧管的早期应用： 重点研究了莫扎特后期作品中单簧管的引入，分析了其音色与弦乐的融合度，以及与圆号（Horn）形成的三重色彩组合。这要求演奏者掌握比巴洛克时期更平滑的连奏技巧，以适应新的和声色彩需求。 圆号（Horn）的自然特性： 深入探讨了在没有现代活塞系统的约束下，古典主义圆号演奏者如何运用“手制音”（Hand-stopping）技术来改变音高，以及如何处理长音（Tutti/Tutti）时的音准问题。这直接影响到对圆号乐段的动态处理，以避免其“铜管”特质过于突出。 三、速度、韵律与清晰度的平衡： 古典主义音乐追求“清晰性”（Clarity）。本书提供了一套关于速度选择和韵律处理的指导原则，强调即便在快板乐章中，每一个音符的清晰度和分离度也至关重要。 装饰音的简化与精确： 与巴洛克时期倾向于华丽的即兴装饰不同，古典主义的装饰音（如倚音、颤音）通常更短促、更精确地嵌入到乐句结构中，成为加强旋律重音的工具，而非独立的炫技段落。 乐队内部的平衡哲学： 探讨了古典主义指挥者和演奏者如何实现“声音的几何学”——即确保旋律在任何动态下都能清晰浮现，同时保证和声支撑的稳定性和透明度。 结论：跨越时空的演奏视野 本书并非一本针对特定乐器（如萨克斯管）的曲目演奏手册，而是一份旨在构建演奏者对巴洛克与古典时期管弦音乐理解的知识框架。它要求学习者具备深厚的音乐史知识、对早期演奏实践的敬畏，以及对清晰结构、平衡音色和严谨对位法的深刻洞察力。掌握了这些原则，演奏者方能真正把握那些跨越数个世纪的伟大作品的精髓。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在大学音乐系任教的老师，我必须承认，这本书的参考价值已经超越了普通的学生用书范畴，它更像是一本可以支撑一个小型萨克斯管工作室的“百科全书”。我特别关注了它对不同品牌和型号萨克斯管的推荐与声音特性的分析部分，虽然篇幅不长，但其专业性和客观性是显而易见的，它提醒我们在解读近现代作品时，必须考虑乐器本身的物理限制与声音潜力之间的张力。此外，书中对演奏记号的“标准化”解释体系，为不同国家和不同流派演奏者的沟通建立了一个清晰的桥梁，这在国际合作或跨文化交流的演出中极为重要。它不仅仅是教人“怎么吹”，更是在构建一个规范化的演奏语言体系。这本书的出现，无疑为国内的近现代萨克斯管演奏教学提供了一个具有里程碑意义的、值得信赖的参照标准，我非常期待我的学生们能够从中汲取到最前沿和最扎实的训练养分。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书对中高级学习者的技术挑战性安排得非常巧妙，它几乎没有给你任何喘息的机会，却又在关键时刻提供了救命稻草般的技巧指导。比如，在处理一些需要大幅度换指和复杂气息控制的二十世纪后期作品时，作者没有采用那种笼统的“多加练习”的敷衍方式，而是细致地分解了手指协同、气息支撑与舌位配合的每一个微小环节。我尤其喜欢其中关于多声部织体演奏的章节，作者通过不同的排线粗细和符号系统，清晰地指示了主旋律、伴奏声部以及对位线条之间的平衡关系，这在以往的教材中是极少涉及的深度。我感觉自己不是在学习一首曲子，而是在学习一套关于如何驾驭复杂现代管乐织体的系统工程方法论。这本书毫不留情地暴露了我现有技术的局限，但同时又提供了清晰的蓝图，指引我如何去突破这些瓶颈，这种高强度的针对性训练非常有效率。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量绝对是专业级别的，拿在手里沉甸甸的，内页印刷的清晰度和油墨的质感都非常棒，这对于需要反复研读和标记的乐谱教材来说至关重要。我特别欣赏它在排版上所下的功夫，谱面布局疏密有致，关键的指法和吹奏技巧提示都用醒目的图标或颜色标注出来了，即使是初学者也能迅速抓住重点，避免了那种密密麻麻、让人望而生畏的排版。更让我惊喜的是，书里附带的音频资源链接非常便捷，我下载后发现音质极佳，演奏者的音准和对乐曲情感的把握都达到了教科书的标准，这对于模仿和学习不同演奏风格简直是无价之宝。我花了很长时间对比了市面上其他几本教材，唯独这本在细节处理上做到了极致，看得出编者对提高学习体验的用心良苦。这绝对是一本值得收藏，并且会陪伴我度过漫长练习岁月的工具书，它的物理属性本身就传递出一种严谨和专业的态度。

评分☆☆☆☆☆

这本书在教学法上的创新令人印象深刻，它似乎颠覆了传统教材那种“先学音阶，再啃曲子”的线性模式。它采用了模块化的学习单元，每个单元都围绕着一个特定的近现代演奏技法（比如超高音域的稳定性、特定装饰音的快速执行，或者非传统音色的模仿）来构建一套练习序列和相应的示范曲目。这种“技法先行，应用为辅”的结构，让学习过程充满了即时的成就感，因为你每完成一个模块，都能立刻看到自己的技术能力发生了量化的提升。而且，作者对节奏的标注也极为细致，对于那些充满切分和复杂拍号的现代作品，书上附带的“节奏拆解练习”部分简直是救星，它用可视化的方式将那些看似混乱的节奏打散重组，帮助我用更精确的内部节拍器去理解和驾驭它们。这种注重实战应用和即时反馈的教学流程，让枯燥的技巧练习变得目标明确且充满驱动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲跨度虽然聚焦于近现代，但其对每首作品背后的历史背景和风格演变的阐述，简直是一堂精彩的音乐鉴赏课。我原本以为这只是一本纯粹的技术手册，没想到它在音乐学层面上也如此深入。比如，对于德彪西作品中那些模糊不清、充满暗示性的速度和力度记号，作者不仅给出了合理的演奏建议，还追溯了印象派音乐对传统规范的反叛，这种深度的解读极大地拓宽了我对萨克斯管在现代音乐语境中角色的理解。它不是简单地告诉你“这里要吹得柔和一点”，而是解释了“为什么”要这样吹，以及这种处理方式如何服务于作曲家想要营造的整体氛围。对于那些希望从“能吹响”到“能理解并诠释”的进阶学习者来说，这种富有思想深度的注释是检验一本教材是否真正优秀的试金石，它成功地将演奏技巧的训练融入了历史和审美的熏陶之中。