流行音乐学院通用教材西方音乐剧演唱鉴赏教程 重唱卷1声乐书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552300192

商品编码：29867616413

丛书名： 西方音乐剧演唱鉴赏教程

出版时间：2013-04-01

 

《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:重唱卷1》介绍了对于音乐剧的爱好者和学习者来说，普遍遇到同一个问题：由于**音乐剧教材踪影难觅，人们只能通过录音、录像来获得一些感性的认识。有志于音乐剧的人们正在翘首以盼，希望尽早得到较为完整、准确的世界经典音乐剧教材，以掌握其思想吃透其精神，创作出能够代表中国音乐剧的**境界乃至跻身世界音乐剧之林的作品。《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:重唱卷1》有如雪里送炭，她们避免了一般教材和理论书籍的学究刻板，用生动形象的语言向读者介绍了一个丰富而又有魅力的音乐剧世界，她们将音乐剧的乐谱、知名音乐剧介绍与音乐剧历史有机地结合在一起，让读者犹如漫步在音乐剧之林，在聆听优美音乐的同时了解了音乐剧从哪里来、到哪里去。《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:重唱卷1》特别收录了更多近现代的音乐剧作品，相信会更加受到大众的喜爱和欢迎，并且其中还有一个小小的用心之处：编著者把每首歌曲的音域向读者写明，用作学习与演唱的参考。

 

  目录 音乐剧与歌舞片 1.《演艺船》 （1）我为什么爱上了你？ 2.《奥克拉荷马》 （2）人们会以为我们坠入爱河 3.《旋转木马》 （3）如果我爱你 4.《吻我，凯特》 （4）多美好 5.《国王与我》 （5）影中之吻 6.《西区故事》 （6）今夜 7.《音乐之声》 （7）即将十七岁 8.《绿魔先生》 （8）忽然问，西摩 9.《悲惨世界》 （9）一颗心充满着爱 （10）小雨纷纷 10.《棋局》 （11）四重唱 11.《剧院魅影》 （12）剧院魅影 （13）我只恳求你 12.《西贡小姐》 （14）太阳和月亮 （15）世界的**一晚 （16）我依然相信 13.《变身怪医》 （17）执子之手 （18）在他眼里 （19）危险游戏

编辑推荐 《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:重唱卷1》为音乐剧师生打造第 I 手演唱资料；为音乐剧教学提供启蒙人门的钥匙；为音乐剧表演水平提升助一臂之力；为音乐剧赏析贡献超实用参考范本。

 

 

 

目录 音乐剧与歌舞片 1.《演艺船》 （1）我为什么爱上了你？ 2.《奥克拉荷马》 （2）人们会以为我们坠入爱河 3.《旋转木马》 （3）如果我爱你 4.《吻我，凯特》 （4）多美好 5.《国王与我》 （5）影中之吻 6.《西区故事》 （6）今夜 7.《音乐之声》 （7）即将十七岁 8.《绿魔先生》 （8）忽然问，西摩 9.《悲惨世界》 （9）一颗心充满着爱 （10）小雨纷纷 10.《棋局》 （11）四重唱 11.《剧院魅影》 （12）剧院魅影 （13）我只恳求你 12.《西贡小姐》 （14）太阳和月亮 （15）世界的*后一晚 （16）我依然相信 13.《变身怪医》 （17）执子之手 （18）在他眼里 （19）危险游戏

 

 

 

 

《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:重唱卷1》为音乐剧师生打造第I 手演唱资料；为音乐剧教学提供启蒙人门的钥匙；为音乐剧表演水平提升助一臂之力；为音乐剧赏析贡献超实用参考范本。

 

 

深入探索世界歌剧的瑰丽殿堂：一部面向专业学习者的声乐与表演实践指南 本书旨在为渴望全面掌握西方歌剧表演艺术的进阶学习者提供一本严谨、深入且极具实践指导意义的教材。它脱离了基础声乐技巧的初步介绍，直接聚焦于歌剧艺术这一宏大而精密的领域，通过精选的剧目、细致的文本分析和专业的演唱指导，构建起一座连接理论学习与舞台实践的桥梁。 本书的编纂哲学立足于“知行合一”：深入理解歌剧的文学根源、音乐结构与历史背景，并将其转化为舞台上可信、动人的表演。全书内容围绕西方歌剧的精髓展开，涵盖了从巴洛克晚期到浪漫主义盛期的核心剧作，特别关注那些对后世歌剧发展产生深远影响的作品。 第一部分：歌剧艺术的本体论与历史语境 本部分首先确立了歌剧作为一门综合艺术的地位。我们不满足于对“宣叙调”（Recitative）和“咏叹调”（Aria）的简单定义，而是深入剖析其在不同历史时期（如早期歌剧的“气势”表达与威尔第时期对戏剧张力的极致追求）中的功能演变。 文本与音乐的耦合机制： 探讨歌剧文本（Libretto）如何被音乐所“解放”或“塑造”。我们细致考察了达庞特（Da Ponte）的文本结构对莫扎特音乐语言的决定性影响，以及瓦格纳对“乐思”（Leitmotif）的运用如何彻底改变了歌剧的叙事模式。书中详细分析了文本韵律、词汇选择与特定声乐线条构建之间的内在逻辑，指导学习者如何通过精确的语言表达来驱动声音的技术处理。 流派的细微差别： 书中详尽区分了不同歌剧流派的演唱风格特征。例如，德语“抒情戏剧”（Lyric Drama）中对声线连贯性和“包容性”的要求，与意大利“美声”（Bel Canto）对高难度装饰音的精准控制和“光彩”（Squillo）的强调之间的差异。这部分提供了大量对比案例，帮助学习者构建起一个清晰的风格地图。 舞台实践的理论基石： 讨论歌剧排练过程中，导演意图与音乐家理解的融合。这包括了对舞台调度（Blocking）的音乐性解读，以及如何运用声音的色彩变化来描绘角色内心的细微冲突，而非仅仅停留在音准和音高的层面。 第二部分：核心剧目深度剖析与声乐技术应用 本部分是本书的核心实践领域，通过对精选歌剧片段的逐一拆解，实现理论到实践的无缝对接。我们选取了那些对声乐技巧要求极高，同时戏剧冲突极其强烈的场景进行分析。 莫扎特与古典主义的清晰度： 以《费加罗的婚礼》中的经典二重唱和咏叹调为例，重点训练气息的精确控制，确保在复杂对位中，文本的清晰度和旋律线的流畅性得以完美呈现。分析了在极快的速度下，如何保持声带的放松与音色的统一。 威尔第的戏剧力量与嗓音负荷管理： 聚焦于《弄臣》中里戈莱托的爆发性段落，探讨如何在不牺牲音域跨度和穿透力的前提下，准确传递角色强烈的心理扭曲。书中详细阐述了如何安全、有效地使用高难度的高音区，以及在极度紧张情绪下维持声带的健康状态。 普契尼的“抒情写实主义”与色彩调配： 针对《蝴蝶夫人》或《托斯卡》中的抒情片段，重点研究声音的“颗粒感”与“泪光感”的塑造。讨论如何运用气声的微妙变化来营造角色濒临崩溃或极度柔情的瞬间，强调在弱奏（Pianissimo）时保持声音的焦点。 瓦格纳的“无尽旋律”挑战： 针对瓦格纳主义对声乐家提出的耐力与连贯性要求，本书提供了专门的训练方法。分析了如何将声音的支撑建立在更深层、更持久的气息储备之上，以适应长时间的、无明确休止的乐句进行，并探讨了德语元音的准确发音对声学效果的决定性影响。 第三部分：演唱的心理学与舞台生理学 超越单纯的技巧训练，本章致力于提升学习者的舞台心理素质与身体控制能力。 角色的内在动机挖掘： 教授系统的方法论，引导学习者从剧本、音乐记号和历史背景中提炼出角色的核心驱动力。这包括了使用“情绪联想”技术，将自身经验转化为舞台上的真实情感投射，避免空洞的“表演感”。 舞台生理的调适： 详细介绍了舞台灯光、高温、以及巨大的噪音环境对身体和声音的影响。提供了在压力下快速恢复呼吸控制和心理镇定的实用技巧。讨论了如何通过身体姿态（Posture）来辅助声音的共鸣与投射，特别是针对大型歌剧院环境的声学要求。 跨文化合作的专业素养： 探讨与不同文化背景的指挥家、导演合作时的沟通策略。强调对乐谱版本差异的敏感度，以及在面对不同艺术理念时的专业尊重与有效论证能力。 本书的最终目标是培养出不仅拥有扎实声乐基础，更具备深厚人文素养、敏锐戏剧洞察力和卓越舞台适应能力的未来歌剧艺术家。它是一份面向专业声乐教育机构、研究生课程以及职业歌剧演员的深度参考资料。

评分☆☆☆☆☆

从教学资源的丰富性来看，这本书的配套资源绝对是同类教材中的佼佼者。虽然我手头拿的只是印刷版，但我能感受到其中蕴含的巨大潜力。教材中提到的那些特定的和声模进和节奏变化，如果能够配上高质量的音频示范，那效果将是无与伦比的。我猜想，这套教材的精髓可能需要结合线上资源才能完全发挥出来。更重要的是，它所涵盖的作品选段，跨越了从早期轻歌剧到现代百老汇的广阔领域，视野非常开阔。这迫使我们不能只沉迷于某一个特定时期的演唱风格，而要学会如何快速切换声乐质感和舞台演绎方式。这本书无疑是为那些志在成为全面型音乐剧演员的学生量身定做的，它提供的不仅仅是一套技能，更是一种跨越风格界限的音乐素养的养成路径。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本教材的理论深度是令人惊讶的，它并没有停留在简单地罗列技巧或者介绍历史片段的层面，而是深入挖掘了重唱作品在声乐结构学上的精妙之处。作者显然是下了大功夫去解析那些经典音乐剧二重唱是如何构建情感张力的，那种层次感和和声进行中的微妙变化，被拆解得极其透彻。比如，书中对“对位法在戏剧冲突中的应用”那一章节的论述，简直是醍醐灌顶。它不再是枯燥的音乐理论术语堆砌，而是真正结合了舞台表演的需求，告诉我们一个高音如何烘托另一个角色的低语，如何通过声部的交织来暗示人物关系的复杂性。我过去在处理一些复杂二重唱时总觉得“差了点火候”，读完这一段后才明白，那缺失的“火候”其实就是对声部间动态平衡的精准拿捏。这种高屋建瓴的分析视角，让这本书的价值远远超出了一个普通的声乐教程范畴，更像是一本高级作曲与编曲的实践指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是艺术品，那种复古又带着一丝现代气息的字体搭配上柔和的色彩过渡，让人一拿到手里就爱不释手。我一直觉得，一本好的音乐教材，光是视觉上的吸引力就占了成功的一半，它能让人产生翻阅的冲动，而不是束之高阁。这本书的装帧质量也非常扎实，即便是经常翻动，书页和封面也不会轻易磨损，对于我们这些需要经常带着教材跑排练室的音乐人来说，这点非常重要。内页的纸张选择也很有讲究，光线好的地方看谱子不刺眼，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。而且，排版布局简直是教科书级别的专业水准，每一个音符、每一个歌词的对位都清晰可见，即便是初学者也能迅速找到重点，不会被复杂的信息量压垮。这不仅仅是一本工具书，它更像是一件精心制作的工艺品，体现了出版方对音乐教育的尊重和专业态度。我甚至会花时间去欣赏那些细微的设计元素，比如页眉和页脚的留白处理，都恰到好处地平衡了信息密度和阅读舒适度。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在舞台上摸爬滚打的演唱者，我最看重教材的实用性和可操作性。很多理论书读起来很美，但真正上台或者进录音棚时却无从下手。这本书在这方面做得极其出色，它没有空谈，全是干货。教材中提供的每一个练习范例，无论是呼吸控制的协同，还是发声位置的统一，都紧密围绕着“二人配合”这一核心难点展开。最让我惊喜的是，它针对不同声部组合——比如男高音与女中音、女高音与男低音之间的音域冲突和音色融合问题，提供了非常具体且经过验证的解决策略。我们通常在排练中靠感觉和重复试错来解决这些问题，而这本书直接给出了一个清晰的路线图。当我尝试按照书中的指导调整我和搭档的演唱方式时，效果立竿见影，原本听起来有些分离的声音瞬间就融合在了一起，那种“合二为一”的共鸣感，是教科书能给予的最好回报。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它不是那种冷冰冰的学术腔调，而是带着一种资深导师的亲切感和洞察力。作者在讲解复杂概念时，总能穿插一些他自己的舞台故事或者排练时的“小插曲”，这使得整个阅读过程充满了代入感和趣味性。比如，当他解释如何处理一个需要“故意做作的深情”的段落时，他用了个非常形象的比喻——“就像你假装不经意地在茶几上放下一支玫瑰，但眼神却紧盯着对方的反应。”这种既专业又充满生活气息的描述，一下子就把抽象的演唱技巧具象化了。阅读起来完全没有压力，更像是在一位经验丰富的前辈身边偷师。这种娓娓道来的叙事方式，极大地降低了学习的心理门槛，让那些原本觉得“重唱太难了”的同行们也愿意捧起来细读。