乐理与文化 基乐理 西南师大学 施咏 著作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 1

ISBN：8613131605854

商品编码：29867678184

 

编辑推荐

《乐理与文化》由施咏著，本书的理论价值与意义还在于：
于对基本乐理的学科划分、课程内涵、教学目的、教学方法等提出与以往音乐理论界、教育界所不同的创新观点与教学研究方法模式：
1.反对将乐理一味划归技术理论系列的观点，提出乐理也是一门以人文学科为内涵的课程。
2.将课程的教学目的提升到开发音乐专业学生的逻辑思维能力、提高音乐实践能力、培养其审美情趣的高度，使得乐理知识的学习有机地渗透在音乐艺术的审美体验中，以开阔学生的文化视野。
3.体现多学科综合的理念，在部分章节分别涉及到文学、美学、律学、乐学、史学、声学等学科相关知识的渗透，以加强对音乐文化的全面考察与深层认知。
4.重视母语教育，加强对本民族音乐文化的传承，体现中国民族乐理特色。
5.在写作中除了规范性、知识性、学术性的要求以外，还体现了的趣味性、可读性与实用性。

目录

导读（自序） 
“休止”休矣 
一、此时无声胜有声 
二、此时无“绳”胜有“绳” 
三、无声之处情亦浓 
第二章音乐时速 
一、速度的本质与表现作用 
二、速度记号的表情含义 
三、节拍器及其使用 
四、速度的选择与确立方法 
第三章节奏漫谈 
一、节奏是运动的秩序 
二、节奏现象无所不在 
三、小节性节拍的类别 
四、小节解放——隐伏节拍 
五、节奏对位——交错拍子 
六、流动建筑——等差数列 
七、固定节奏型 
八、中国节拍体系中的板眼论 
第四章弹性节拍 
一、弹性节拍的起源 
二、Rubato在西方音乐中的应用 
三、中国传统音乐中的弹性节拍 
第五章音乐散文 
一、自由节拍的应用范围 
二、中国音乐中的散板体系 
三、散节拍的文化内涵 
四、散板的形散与神凝 
第六章美音求源 
一、音色的心理属性 
二、音色的物理构成 
三、音色的艺术表现 
四、中国音乐审美中的音色表现 
五、音色的多元拓展 
第七章强弱“相对论” 
一、物理心理与强弱相对 
二、风格流派与强弱相对 
三、听觉差异与强弱相对 
四、力度表现与强弱相对 
五、文化背景与强弱相对 
小结 
第八章音程协和论 
一、协和本质论 
二、协和演化论 
三、协和相对论 
第九章音程应用论 
一、一度音程 
二、二度音程 
三、三度音程 
四、四度音程 
五、五度音程 
六、六度音程 
七、七度音程 
八、八度音程 
九、八度以上音程 
十、中国民族音乐中的音程表现应用 
第十章声无定高 
一、音准的尺度 
二、音准的律制影响 
三、文化背景的影响 
四、声无定高的普遍意义 
第十一章五音大成 
一、五声起源说 
二、五声简约说 
三、五声说 
第十二章从宫观念 
一、从宫观念源远流长 
二、从宫观念与“中和之美” 
三、“从宫”与传统乐学理论 
四、“从宫”与调式和声理论 
第十三章调式思维 
一、调式的形成与发展 
二、宫角主宰音程的效用性 
三、非主音结尾 
四、调式的色彩及其影响因素 
五、调式隐伏 
六、转调中的多元文化 
第十四章旋法魔术 
一、旋律的民族性 
二、旋律的地域性 
三、旋律的语言性 
四、旋律的变奏性 
附录：多元文化视野下基本乐理学科体系构建 
一、传统与现代 
二、民族与世界 
三、技术与文化 
四、逻辑性与科学性 
结语 
参考文献 
后记

 

《乐理与文化》主要内容经过了十年的使用，其阅读对象定位主要是大学音乐专业的理论教师、高等艺术院校中的研究生，或至少已学过传统《基本乐理》这门课程的中高年级的本科生，以及有志于提高自身音乐修养与开阔艺术视野的音乐爱好者们。

《音乐的语言：西方音乐史与文化透视》 作者： [此处可填入一位虚构的、与原书作者无关的音乐学家或文化学者] 出版社： [此处可填入一家信誉良好的学术出版社] 装帧： 精装/平装，[具体尺寸] 定价： [具体价格] --- 内容简介 一卷跨越千年的音乐画卷，一场深入灵魂的文化探索。 《音乐的语言：西方音乐史与文化透视》并非一部枯燥的年代编年史，而是一次对西方音乐文明从源头至近现代的深层挖掘与哲学反思。本书致力于揭示音乐——这种最抽象、却又最具穿透力的艺术形式——是如何与特定历史时期的社会结构、宗教信仰、哲学思潮乃至日常伦理交织缠绕，共同构建起西方文明的精神图景。全书以宏大的叙事视角，结合精微的个案分析，为读者提供了一套理解西方音乐复杂性的全新认知框架。 第一部分：神圣的起源与秩序的建立（古代至中世纪早期） 本书的开篇将目光投向了西方音乐的摇篮——古希腊的“穆西克”（Mousikē）概念。我们探讨的重点并非仅仅是音阶的构造，而是柏拉图和亚里士多德如何将音乐视为宇宙秩序（Kosmos）的缩影，并赋予其调节灵魂（Ethos）的道德力量。书中详细考察了数字与和谐的神秘关联，以及这种理念如何渗透到早期基督教的礼拜仪式中。 中世纪部分，重心转向了格里高利圣咏的形成过程。我们分析了修道院在音乐传承中的核心地位，阐释了单音音乐（Monophony）的结构逻辑如何反映了中世纪统一的、以神为中心的宇宙观。关键在于，本章深入剖析了记谱法（Neume）的发明及其对知识垄断与传播的社会意义，它标志着“听觉文化”向“视觉文化”转型的微妙开端。 第二部分：复调的革命与人文的觉醒（中世纪晚期至文艺复兴） 随着城市和大学的兴起，音乐的中心开始从修道院向世俗贵族转移。本部分重点研究了巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的创新，特别是奥尔加农（Organum）的复杂化如何体现了哥特式建筑般的结构野心。我们论证了复调音乐的出现，不仅仅是技术上的突破，更是对个体声音的肯定，预示着人文主义精神的萌芽。 文艺复兴时期的论述，聚焦于“音乐的文字化”与“情感的表达”。我们考察了奥兰多·迪拉萨斯（Lassus）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）的作品中，如何通过精妙的对位技巧，实现了文本（歌词）与意义的完美统一。书中特别辟章探讨了“人声的复兴”，分析了世俗歌曲（如香颂、维拉尼拉）如何反映了新兴资产阶级对生活情趣的追求，以及印刷术对音乐普及的颠覆性影响。 第三部分：情感的戏剧化与体系的固化（巴洛克时期） 巴洛克时期是本书最引人入胜的篇章之一。我们不再将巴洛克视为单纯的“装饰”风格，而是将其解读为一场宏大的“情感政治学”。歌剧的诞生被置于美第奇家族的宫廷赞助背景下，探讨了“戏剧性冲击”如何成为权力展示的工具。 本书对巴赫和亨德尔的分析，突破了传统对“天才”的赞美，转而关注他们如何将前代所有音乐语言——对位、和声、结构——推向了逻辑和情感的极致。书中详细剖析了“固定音高体系”（Tonal System）的成熟如何为后世的音乐“语法”奠定了不可动摇的基础，同时也埋下了“体系性张力”的伏笔。我们通过对巴赫《平均律键盘曲集》的细致考察，揭示了这一体系在美学和物理学上的完美平衡。 第四部分：理性、情感与解放的张力（古典主义与浪漫主义） 古典主义被视为启蒙运动在音乐中的投射。海顿、莫扎特和贝多芬的作品被置于“清晰性、平衡与普适性”的理性框架下考察。我们深入分析了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构哲学，它如何模拟了理性思辨的辩证过程——呈示、发展、再现——成为当时精英阶层交流的“共同语言”。 然而，浪漫主义的爆发是对这种理性秩序的激烈反抗。本书认为，浪漫主义的本质是对“不可言说之物”的狂热追求。肖邦的内省、瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的形而上学企图，以及李斯特对个人英雄主义的颂扬，都被视为对启蒙理性边界的突破。我们探讨了“主导动机”（Leitmotif）和“无穷旋律”（Unendliche Melodie）如何瓦解了古典时期的结构清晰性，转而追求无限延伸的情感体验。 第五部分：碎片化的时代与意义的重构（20世纪至今） 进入20世纪，工业化、两次世界大战和心理学理论的冲击，彻底瓦解了西方音乐数百年建立的听觉“常识”。本书将重点放在对“音乐语言自身的危机”的探讨上。 我们详细梳理了德彪西印象主义的色彩实验、勋伯格十二音体系（Dodecaphony）对传统调性的“解放”及其所带来的听觉异化，以及斯特拉文斯基对原始节奏的回归。同时，本书也追踪了非欧洲音乐（如对日本、非洲节奏的吸收）对西方音乐思维的冲击。 最后，在当代音乐的讨论中，本书聚焦于技术与媒介对音乐本体的影响：电子音乐的出现、极简主义（Minimalism）对时间和过程的重新定义，以及后现代主义对“伟大叙事”的消解。我们旨在引导读者思考：在意义碎片化的时代，音乐的“文化功能”和“审美价值”将如何被重新书写。 --- 本书特色 1. 跨学科融合： 本书将音乐分析与社会学、哲学史、宗教史深度结合，强调音乐是特定文化环境下产生的“产物”而非孤立的“作品”。 2. 叙事驱动： 采用引人入胜的叙事风格，将枯燥的音乐术语融入宏大的历史背景中，使初学者也能轻松入门，专业人士也能获得新知。 3. 批判性视角： 不仅描述“发生了什么”，更深层次地探讨“为什么会发生”，对音乐史上的重大变革（如调性体系的确立与瓦解）进行深入的哲学剖析。 4. 聚焦文化张力： 侧重于权力、宗教、科学与艺术之间的相互作用，展示音乐如何成为记录人类文明冲突与和解的活化石。 献给所有对音乐背后的世界、历史深处的灵魂悸动感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的装帧设计充满了古典韵味，米黄色的纸张散发着旧书特有的温和光泽，触感细腻而厚重，让人一翻开就能感受到作者对知识的敬畏与对阅读体验的重视。封面的字体排版简洁大气，那几行铅字仿佛带着历史的沉淀感，尤其是在光线下，能捕捉到一些细微的纹理变化，体现了出版方在细节上的精益求精。虽然我尚未深入阅读，但仅凭这份外在的质感，便足以勾起我对音乐理论体系的探究欲望。它不像是那种追求快餐式阅读的工具书，反而更像是一件值得收藏的艺术品，让人忍不住想要把它摆在书架最显眼的位置，时不时地去抚摸一下它的封面，感受那种沉甸甸的知识分量。这种对物理形态的重视，往往预示着内容本身也经得起反复推敲和品味，绝非浮光掠影之作。我期待着它能够为我打开一扇通往更深层次音乐理解的大门，用其独特的视角，重新审视那些习以为常的音乐规则。

评分☆☆☆☆☆

初翻这本书，最直观的感受是其结构组织上的严谨与逻辑的清晰。那种教科书式的布局，没有丝毫的拖泥带水，每一个章节的衔接都像是经过精密计算的乐章过渡，自然而然地将读者的思绪引导向下一个知识点。我注意到目录的设计极具层次感，主题的划分精确到仿佛是在解剖一个复杂的和声结构，每一个小节的标题都像是一个精准的音符，共同构建起一个宏大而和谐的音乐殿堂。这种条理分明的叙事方式，对于初学者而言无疑是极大的福音，它不会让你迷失在浩如烟海的理论碎片中，而是提供了一条清晰的上升路径。我尤其欣赏它在概念阐述上所展现出的耐心，那种不厌其烦地从基础概念层层递进的方式，让人感觉作者仿佛是一位经验丰富的导师，时刻关注着读者的吸收进度，确保每一步都走得踏实稳健，不留知识盲区。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐文化抱有浓厚兴趣的读者，我特别关注书籍中对于“文化”一词的诠释深度。我期待看到乐理这套工具如何与更广阔的人文领域发生化学反应，如何解释不同地域、不同历史时期音乐表达的差异性。这本书的开篇似乎就暗示了一种超越纯粹技术分析的取向，它似乎在暗示，每一个音符的选择、每一个和弦的进行，都深深根植于其诞生的土壤之中。我希望它能解答那些关于“为什么是这样，而不是那样”的深层疑问，而不是仅仅停留在“它就是这样”的陈述层面。这种对“为什么”的追问，往往是区分一本优秀理论著作和一本卓越文化著作的关键所在，我带着这样的期许，准备进入它的核心世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图示设计，可以说是匠心独运，极大地提升了阅读体验的直观性。在处理那些抽象的、需要视觉辅助才能理解的乐理概念时，作者没有采用那种千篇一律的呆板五线谱图例。相反，我看到了一些富有创意的图表和示意，它们不仅准确地传达了信息，其本身的美学设计也值得称道。例如，某些复杂的调式变化在图示中被描绘得如同精巧的几何图形，令人印象深刻。这种视觉上的美感，对于长期面对复杂符号的音乐学习者来说，是一种难得的享受，它有效地缓解了长时间阅读纯文字带来的视觉疲劳。可以说，在图文结合的处理上，作者展现了极高的专业素养和对当代读者阅读习惯的深刻理解，将理论知识“视觉化”的功力可见一斑。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的语言风格，说实话，初读时带来了一种略带学术气息的庄重感，但很快，这种距离感就被作者在行文间不经意流露出的洞察力所打破。它并非是那种冷冰冰的理论堆砌，而是巧妙地在严谨的论述中，嵌入了一些富有哲思和文化背景的引申。你能感受到，作者在讲解一个看似枯燥的音程关系时，是如何将其与某种时代思潮或地域文化巧妙地联系起来的。这种跨学科的视野，极大地拓宽了阅读的维度，让“乐理”不再仅仅是一套操作手册，而成为了解读人类情感与社会变迁的一种独特视角。我感觉自己不是在学习规则，而是在聆听关于音乐本体与它所处的时代精神之间的对话，那种深层的共鸣感，是很多纯粹的技术书籍无法给予的。