西方音乐理论名著译丛春之祭的和声组织原版引进教材乐理书籍教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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罗忠镕 译

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552300581

商品编码：29867678678

丛书名： 春之祭的和声组织

开本：16开

出版时间：2013-01-01

 

 

目录 引言  音级（pitch class）  音级集合（pitch—classset）  音级集合的名称  音程级和音程内涵  移位相等集合  反行相等集合  原型（prime form）  包含关系（子集[subsets]母集[supersets]）  不变性（invariance）  补关系（complement relation）  集合复合型K和Kh  相似性关系（similarity relations）  和声语汇  对作品顺次的观察    *一部分的引子  春之预兆（R13）  诱拐的仪式（R37）  春之环舞（R48）  两个对抗部落男子的仪式（R57）  智者的行列（R67）  大地之吻（R71）  大地之舞（R72）  第二部分的引子（R79）  少年男女神秘的圈子（R91）  向被选中者致敬（R104）  祖宗的招魂（R121）  祭祖的仪式（R129）  献祭舞（R142）  和声关系概述  附录：音级集合原型与向量 编辑推荐 《西方音乐理论名著译丛:<春之祭>的和声组织(原版引进)》是美籍俄罗斯作曲家斯特拉文斯基创作的一部芭蕾舞剧。 名人推荐 我知道，关于我写《春之祭》的这个时期，有这样一种观点，认为我是经历了一场革命。我否定这个意见的有效性。假如我有什么革命行动，那不是我自愿的。我没有能力举出例子来说明，在艺术史上没有什么单独的一件事情可以被称为革命性的。艺术从本质说来，是建设性的，革命意味着把平衡破坏了。提到革命就要提到暂时的混乱，艺术是混乱的反面。  ——伊戈尔·斯特拉文斯基  我很满意地告诉你，你在声音的王国当中，把允许的疆界扩大了很多。我在钢琴上视奏你的《春之祭》的时候，我总记得这样的情景：它像一个美丽的噩梦，总是缠绕着我的思想。  ——摘自德彪西写给斯特拉文斯基的信 作者简介 作者：（美国）艾伦·福特（Allen Forte） 译者：罗忠镕    艾伦·福特（Allen Forte），音乐理论家，1926年生于美国波特兰，现为耶鲁大学退休音乐理论教授。福特以其著作《无调性音乐的结构》而闻名于世。该书提出一种类似于数学“集论”的音级集合理论，用来分析非序列的无调性音乐。福特曾在1960—1967年任《音乐理论杂志》（Journal of Music Theory）主编，该杂志在他的主持下有了很大的发展。他的主要理论著作还有： 《调性和声的观念与实践》（TonaIHarmony in Concept and Practice）、《（春之祭）的和声组织》（The Harmonic Organization of The Rite of Spring）以及《安东·韦伯恩的无调性音乐》（The Atonal Musicof Anton Webern）等。  罗忠镕，中国作曲家，1924年生。1949年任上海音乐学院和声学教师。1951年任原中央乐团驻团作曲家。1985年任中国音乐学院作曲系教授。主要作品有交响曲二部，交响序曲二部，交响音诗五部，交响组曲四部，室内乐数十部，包括古琴与乐队，长笛、中提琴与大提琴三重奏，弦乐四重奏，以及艺术歌曲和钢琴曲。译有《欣德米特作曲技法》第 I 、二卷，《勋伯格和声学》《无调性音乐的结构》等；著有《作曲初步练习》等。  

 

 

《西方音乐理论名著译丛:<春之祭>的和声组织(原版引进)》共分为：引言；和声语汇；对作品顺次的观察几部分，主要内容包括：音级（pitchclass）、音级集合（pitch—classset）、音级集合的名称等。这是迄今为止*后一部从传统意义上进行编舞的作品，标志着戏剧手段的不断**化和逾越对传统舞蹈的理解这一发展过程的结束点和转折点。

 

 

 

好的，这是一份图书简介，内容不包含您提到的那本书籍： --- 书名：《20世纪和声的演变：从德彪西到新浪潮》 作者：[此处可填写虚构作者名] 出版社：[此处可填写虚构出版社名] 书籍简介： 本书是一部深入剖析二十世纪以来西方音乐和声语言发展脉络的学术著作。它旨在为音乐理论研究者、作曲家、音乐史学者以及对现代音乐抱有浓厚兴趣的读者，提供一个清晰、系统的导览，梳理和声学思想如何在世纪之交的剧变中寻求新的表达方式和结构逻辑。 一、 世纪的转折点：印象主义与调性的松动 本书的首章将时间回溯至十九世纪末，聚焦于印象主义音乐的兴起。我们详细探讨了德彪西（Claude Debussy）的音乐实践如何挑战了既有的功能和声体系。重点分析了其对全音音阶、五声音阶以及平行和弦进行的大胆运用。不同于传统和声对主导功能和解决倾向的依赖，德彪西的和声更注重色彩的营造与瞬时的听觉感受。我们不仅分析了《牧神午后前奏曲》中的具体和声配置，还探讨了这些手法对后续作曲家产生的深远影响。 紧接着，我们转向了拉威尔（Maurice Ravel）的创作。尽管拉威尔继承了印象主义的某些色彩倾向，但他的和声语言在结构上往往更为严谨，尤其体现在他对传统调式和声的巧妙重构上。书中通过对《圆舞曲》和几首钢琴作品的深入分析，揭示了拉威尔如何将复杂的和声织体融入清晰的音乐形式之中。 二、 结构主义的冲击：勋伯格与十二音体系的诞生 二十世纪上半叶，和声理论经历了一场彻底的革命，核心在于对传统调性结构的彻底否定与重建。本书用大量篇幅阐述了阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）的“十二音技法”（Dodecaphony）的理论基础与实践应用。我们详细解析了“音列”（Tone Row）的构建原则，包括对音列的各种转换（如倒影、逆行、逆行倒影）及其在作品中的具体体现。 通过对勋伯格晚期作品，特别是《钢琴组曲，作品二十五》的逐段分析，读者可以理解十二音技法如何提供了一种新的组织音乐材料的逻辑，从而在不依赖调性中心的情况下，确保音乐的内部连贯性。 紧接着，本书阐述了勋伯格的两位重要追随者——阿尔班·贝尔格（Alban Berg）和安东·韦伯恩（Anton Webern）——如何个性化地发展了十二音技法。贝尔格的作品，如歌剧《沃采克》，展示了如何在严苛的十二音结构下，依然保留强烈的情感张力与半调性残余；而韦伯恩则将十二音技法推向了极致的节制与抽象，其作品中对音色、力度和时值等要素的精细控制，预示着未来序列音乐的发展方向。 三、 新的探索：新古典主义与调性复兴 并非所有作曲家都接受了十二音体系。本书的第三部分聚焦于在两次世界大战期间兴起的“新古典主义”（Neoclassicism）。以斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）为代表的作曲家，寻求一种回归巴洛克和古典时期音乐的清晰结构与客观精神，但其和声语汇明显地烙上了二十世纪的印记。 我们详细分析了斯特拉文斯基如何运用“多调性”（Polytonality）和“音响叠加”（Stratification of Chords）来重塑古典形式。例如，通过分析《普尔钦奈拉组曲》中的和声段落，读者可以体会到他如何将不协和音程并置于清晰的框架内，创造出一种既熟悉又陌生的听觉体验。普罗科菲耶夫（Sergei Prokofiev）的和声语言，其标志性的“碎音”和对大跳进音程的偏爱，也被纳入讨论范畴，揭示了其“魔力”背后的和声规律。 四、 战后的激进与序列主义的深化 二战结束后，音乐的实验性达到了前所未有的高度。本书将重点放在了“序列主义”（Serialism）的全面扩张，即从最初的音高序列扩展到对节奏、力度、音色等所有音乐参数的序列控制。 我们深入剖析了达姆施塔特暑期课程的学术氛围，并着重研究了布列兹（Pierre Boulez）和巴托克（Béla Bartók）的影响。巴托克的民族乐派风格，尤其是他对中欧与东欧民间音乐调式（如弗里吉亚和利迪亚）的吸收，为战后作曲家提供了调性之外的另一种组织材料的资源。 对于布列兹的作品，本书详细梳理了他早期的《结构、序列、声音》等理论文献，并结合具体的乐谱分析，展示了如何通过复杂的数学模型来控制音乐的宏观结构与微观细节。此外，我们也探讨了梅西安（Olivier Messiaen）对“有限移位八度”（Modes of Limited Transposition）的创造性运用，以及他对节奏复杂性的独特处理，这些都为后来的电子音乐和偶然音乐奠定了理论基础。 五、 实验与边界的拓展：机遇与极简主义 本书的最后部分，关注的是二十世纪下半叶和声探索的两个截然不同的方向：偶然音乐（Aleatoric Music）和极简主义（Minimalism）。 对于约翰·凯奇（John Cage）的偶然音乐，我们探讨了其“非意图性”的和声概念。当作曲家将创作过程的某些环节交给随机性时，传统意义上的“和声组织”被置于何种境地？本书分析了《4分33秒》背后的哲学立场，以及随机数表在决定音高、时值和力度时的实际操作。 与此相对，极简主义音乐，如赖利（Terry Riley）和史蒂夫·赖奇（Steve Reich）的作品，则展示了一种回归感官体验的倾向。我们详细剖析了“相位”（Phasing）技术——即两个或多个完全相同的乐句以微小的速度差相互交织产生的听觉效果——以及极简主义如何通过重复与细微变化来构建宏大的时间结构，从而形成一种与传统和声学完全不同的、基于时间过程的“和声景观”。 结语： 《20世纪和声的演变》力图避免陷入纯粹的理论罗列，而是将理论与作曲家的具体创作意图紧密结合，展现出二十世纪和声语言如何从对传统的反思中诞生、发展，最终走向多元并存的格局。本书不仅是一部工具书，更是一份邀请函，邀请读者深入现代音乐的结构深处，领略这一时期音乐思维的广阔与深邃。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实很吸引人，拿在手里沉甸甸的，纸张的质感也相当不错，看得出出版方在细节上还是花了不少心思的。从封面的字体选择到内页的排版布局，都透露着一种古典而严谨的气息，让人在翻阅之前就已经对内容充满了敬意。我特别喜欢它在视觉呈现上所营造的那种“经典教材”的氛围，很适合放在书架上，随时都能感受到一种知识的厚重感。不过，虽然装帧精美，但阅读体验上还是有些小小的遗憾。比如，有些术语的首次出现并没有用醒目的方式标示出来，对于初学者来说，可能需要反复翻阅才能确定重点，这一点上如果能再细致一些，比如用不同的字体或者高亮处理，或许会更友好一些。总体来说，作为一本音乐理论的重量级著作，它在物理形态上的呈现是令人满意的，传递出一种值得珍藏的价值感，这一点必须首先肯定。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容编排逻辑性极强，简直像是一场精心设计的音乐迷宫，每一步的推导都环环相扣，绝不含糊。作者似乎深谙如何将复杂的概念层层剥开，用清晰的线条将原本抽象的理论具象化。尤其是在论述和声进行规则的那几个章节，那种层层递进的论证方式，让我感觉自己不是在阅读文字，而是在参与一场严密的逻辑推理游戏。它不像有些教材那样只是罗列规则，而是深入探究了规则背后的历史和声学基础，这极大地提升了学习的深度。我花了大量时间去消化其中关于调性中心转换的论述，感觉对过去一些模糊不清的和声进行忽然间茅塞顿开。当然，这种深度也意味着阅读的门槛相对较高，需要读者具备一定的音乐基础和极大的耐心去跟随作者的思路，对于零基础的新手来说，可能会觉得略微吃力，但对于想要精进技艺的进阶学习者来说，这无疑是一座金矿。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始是冲着作者的名头来的，毕竟在业内，能有这般学术声誉的大师的作品，质量总是有保障的。这本书在翻译质量上也确实没有让我失望，译者的功力可见一斑，很多原本晦涩难懂的德语或法语音乐术语，被精准且优雅地转化成了中文，阅读起来基本没有“翻译腔”的障碍。这在引进教材中是非常难得的。流畅的语言使得我能够更专注于理论本身，而不是纠结于文字表面的理解。唯一让我觉得可以商榷的是，个别乐例的排版似乎略显拥挤，有时候需要用尺子来辅助对照谱例和文字的解释，这在需要快速切换阅读焦点的时刻，会稍微打断思考的连贯性。但瑕不掩瑜，整体而言，这套译文达到了极高的水准，确保了原著的学术精神得以完整地传递。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于实际创作的指导意义，我觉得是值得深度挖掘的。它不仅仅是描述“是什么”的和声现象，更是在潜移默化中告诉你“为什么是这样”以及“可以如何运用”。在学习了大量的历史案例分析之后，我发现自己对现有作品的分析角度都变得更加立体和深刻了。不再只是停留在功能和声的表面标签上，而是能更好地理解作曲家在特定语境下做出特定选择的内在驱动力。比如，它对特定调式在特定情绪表达上的倾向性分析，给了我很多启发，让我开始重新审视自己过去的练习曲目。当然，这本书的侧重点显然是理论体系的构建，如果你期待的是一本“如何快速写出流行歌曲”的速成手册，那这本书可能就不是你的菜了。它更像是一本为音乐建筑师准备的蓝图解析，需要你投入时间去学习如何读懂并运用这些结构原理。

评分☆☆☆☆☆

从一个普通爱好者的角度来看，这本书的知识密度大到令人咋舌，读起来绝对不是一种轻松的消遣。我常常需要边读边听，甚至需要打开钢琴进行验证，否则那些密集的符号和复杂的概念组合很容易让人感到疲劳。它像是一门需要高度专注力的课程，而不是一本可以随意翻阅的杂志。但正因为这种“高要求”，使得每一次的“突破”都带来了巨大的满足感。每一次攻克一个难点，都觉得自己对音乐的理解又深入了一层。这本书的价值在于它的“彻底性”和“系统性”，它要求你从最基础的元素开始，一步步搭建起整个西方音乐理论的宏伟殿堂。如果你是那种追求刨根问底、力求掌握事物本质的求知者，那么这本书绝对能满足你对深度学习的渴望，它提供的知识体系是扎实到足以支撑未来任何深入研究的基础。