钢琴(中国卷全国高等院校音乐教育专业系列教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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余丹红 编

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店铺： 北尚图书专营店

出版社： 上海音乐学院

ISBN：9787806926680

商品编码：29974543433

开本：8

出版时间：2011-09-01

基本信息

• 商品名称：钢琴(中国卷全国高等院校音乐教育专业系列教材)
• 作者：王庆|主编:余丹红
• 定价：48
• 出版社：上海音乐学院
• ISBN号：9787806926680

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2011-09-01
• 印刷时间：2011-09-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：210

好的，这是一份关于其他图书的详细简介，旨在与您提到的《钢琴（中国卷全国高等院校音乐教育专业系列教材）》形成对比，不涉及该教材的具体内容。 --- 《西方音乐史纲：从古至今的演变与流派》 图书导读： 本书旨在为音乐学习者、音乐史研究者以及对西方音乐发展脉络感兴趣的读者，提供一部全面而深入的音乐史叙事。我们避开了碎片化的知识点罗列，转而构建一条清晰、连贯的历史长河，探讨西方音乐是如何在社会、文化、哲学和技术变革的推动下，一步步塑造出我们今日所听闻的丰富面貌。 第一部分：早期音乐的奠基与宗教的塑造（公元500年 - 1400年） 本部分重点考察西方音乐的“童年期”——中世纪。我们首先从古希腊的音乐理论对早期教会礼仪音乐（如格里高利圣咏）的影响着手。详细分析了单音音乐（Monophony）的结构特点、记谱法的诞生与发展（从纽姆谱到五线谱的演进），以及这些音乐形式如何在修道院和早期大学中确立其神圣的地位。 随后，我们将目光投向世俗音乐的兴起，探讨游吟诗人（Troubadours and Trouvères）的作品，他们如何将民间叙事和骑士精神融入音乐，为后来的复调音乐埋下伏笔。中世纪末期，对复调音乐（Polyphony）的探索是本部分的高潮，特别是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的作曲家们，如何通过奥尔加农（Organum）的实践，首次实现了两条或多条独立旋律线的交织，标志着西方音乐进入了一个结构复杂化的新纪元。 第二部分：文艺复兴的理性之光与人性的觉醒（1400年 - 1600年） 文艺复兴时期是人本主义精神对艺术领域产生深刻影响的阶段。本章深入剖析了对位法的成熟与精湛应用，特别是以帕莱斯特里那和拉索为代表的“纯净派”如何将宗教音乐推向技术与情感表达的平衡点。 我们详细考察了“奥德斯卡诺”（Ockeghem）和“约斯坎·德普雷”（Josquin des Prez）等大师如何利用模仿技巧，构建出织体丰满、逻辑严密的声乐作品。同时，世俗音乐的地位显著提升，香颂、维拉内拉等体裁的繁荣，反映了新兴市民阶层的文化需求。印刷术的发明对音乐传播的革命性影响，以及对器乐独立性的初步重视，构成了文艺复兴晚期的重要议题。 第三部分：巴洛克：情感的戏剧性与对位法的巅峰（1600年 - 1750年） 巴洛克时代是西方音乐史上最具活力和戏剧张力的时期之一。本书详细分析了“数字低音”（Basso Continuo）体系的确立如何为音乐创作提供了新的和声框架，以及“情感理论”（Doctrine of Affections）如何指导作曲家将特定的情感状态注入音乐语言。 歌剧的诞生（以蒙特威尔第为标志）被视为一个关键转折点，我们将剖析咏叹调、宣叙调、合唱在早期歌剧中是如何相互作用的。协奏曲、奏鸣曲等器乐体裁的成熟，特别是维瓦尔第和巴赫的贡献，被放在突出位置。巴赫的对位艺术，尤其是《赋格的艺术》中的技巧展示，被视为西方音乐逻辑思维的终极体现。本部分以巴赫逝世为标志，结束了巴洛克时期对结构严谨性和装饰性表达的极致追求。 第四部分：古典主义：清晰、平衡与结构的典范（1750年 - 1820年） 受启蒙运动哲学影响，古典主义音乐追求清晰、对称和普世的美感。本书着重讲解了奏鸣曲式（Sonata Form）作为核心结构原则的形成与应用，它如何为交响曲、协奏曲和室内乐提供了统一的逻辑蓝图。 海顿被誉为“交响曲之父”和“四重奏之父”，我们分析了他如何将早期形式结构化。莫扎特的音乐则展现了旋律的完美性和内在的心理深度。贝多芬的早期、中期和晚期创作，则被视为古典主义向浪漫主义过渡的桥梁。他如何通过拓展曲式、强化对位冲突和深化个人情感的表达，最终突破了既有框架，为后世开辟了新的道路，是本章的重点讨论内容。 第五部分：浪漫主义的激情与民族的呼唤（1820年 - 1900年） 浪漫主义音乐的核心是主体性、想象力和对无限的向往。本部分深入探讨了李斯特首创的“交响诗”（Tone Poem）对标题音乐的推广，以及肖邦对钢琴这一乐器的诗意发掘。 这一时期，管弦乐队的编制急剧扩大，和声语言也变得更加丰富和不协和。我们分析了瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统在戏剧音乐中的革新性应用，以及他试图构建“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的宏伟目标。同时，民族主义音乐的兴起——如俄国的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克和斯美塔那——如何将本土民间元素和传说融入严肃音乐创作，构成了对德奥主导地位的一种有力回应。 第六部分：二十世纪及以后的音乐景观：风格的爆炸与多元化（1900年至今） 二十世纪的音乐世界是前所未有的分裂与实验的时代。本书将这一时期的发展划分为几个关键的实验方向： 1. 印象主义与象征主义： 德彪西和拉威尔如何通过对音色、模糊和声响色彩的探索，挑战了传统的调性中心。 2. 原始主义与暴力美学： 斯特拉文斯基《春之祭》如何以其节奏的断裂和和声的粗粝，彻底宣告了古典美学的终结。 3. 表现主义与无调性： 勋伯格、贝尔格和韦伯恩的“第二维也纳乐派”，对十二音体系的构建与实践，旨在消除调性等级，实现音乐材料的“平均分配”。 4. 新古典主义与国家流派的延续： 探讨普罗科菲耶夫、欣德米特等作曲家如何从历史中汲取养分，但用现代的语言进行重构。 5. 电子音乐、偶然音乐与后现代探索： 关注约翰·凯奇对概率和非意图性的哲学探讨，以及电子合成技术如何彻底改变了声音的来源与形态。 本书的最终目标是引导读者理解，西方音乐史并非一条直线，而是由无数思想碰撞、技术突破、文化思潮交织而成的复杂织锦。通过对历史语境的深入理解，读者将能更准确地把握不同时期作品背后的创作意图与艺术价值。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读体验是一种既挑战又充满成就感的过程。它并没有刻意去迎合所谓的“速成”心态，而是要求学习者沉下心来，耐心地啃下每一块“硬骨头”。我注意到其中一些关于触键力度控制和踏板运用的探讨，其深度已经超越了普通教材的范畴，更接近于音乐会级别的演奏分析。作者在描述这些复杂的演奏技巧时，使用了非常精准和形象的语言，这对于我这种偏好细节的读者来说是巨大的福音。每当我攻克一个看似难以驾驭的段落时，都会有一种豁然开朗的感觉，仿佛作者的声音就在耳边指导着我如何去解放双手，让音乐真正从内心流淌出来。这种深入到演奏“灵魂”层面的指导，是市面上许多浅尝辄止的教材所无法比拟的。它迫使你不断地自我审视和改进，是一面映照自身演奏水平的镜子。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，首先映入眼帘的是那些看似简单却暗藏玄机的练习。我发现它在乐理知识与演奏实践的结合上做得非常巧妙。很多教材会把理论和技术割裂开来，但这本书似乎一直在强调两者是相辅相成的。比如，在讲解某种特定的指法组合时，总会附带解释这种指法如何更好地服务于当时的和声进行或旋律线条的处理。这种“知其所以然”的教学方式极大地提升了我的学习兴趣和效率。我不再是机械地重复指法，而是开始思考如何在指尖流淌出更具音乐性的表达。书中的选材也非常考究，涵盖了不同历史时期和不同风格的作品片段，这使得学习者能够接触到更广阔的音乐视野，而不是局限于某一个流派。对于我们未来需要面对多样化教学场景的教育者来说，这种全面的视角至关重要，它帮助我们建立起一个全景式的音乐知识图谱，而不是零散的知识点。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴教材给我的整体感觉是厚重而扎实，一看就是为专业学习者量身定制的。我刚拿到手的时候，就被它沉甸甸的质感和精美的装帧吸引住了。内容编排上，感觉作者花费了大量心血去构建一个系统的知识体系。从最基础的手型、指法训练开始，循序渐进地引入了大量的练习曲和曲目片段。我尤其欣赏它在技术训练上那种毫不妥协的严谨性，每一个音符、每一个和弦的排列似乎都经过了深思熟虑，旨在打磨出扎实的基本功。对于我们这些想深入研究钢琴演奏技巧的人来说，这种深度和广度是必不可少的。它不仅仅是教你“怎么弹”，更是在引导你理解“为什么这样弹”，背后蕴含的音乐理论和演奏哲学非常值得细细品味。虽然初学者可能会觉得有些难度，但对于音乐教育专业背景的读者来说，这无疑是一本可以长期伴随、不断挖掘出新领悟的工具书。它的专业性毋庸置疑，对未来想成为钢琴教师的人来说，更是构建教学框架的基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书的另一个突出优点在于其清晰的结构逻辑和丰富的辅助材料。虽然内容本身难度较高，但编排上却井井有条，从宏观的篇章划分到微观的段落解析，都体现出极强的条理性和系统性。我特别喜欢它在一些难点曲目旁边提供的“演奏提示”和“背景资料”。这些补充信息不仅仅是简单的注释，它们更像是为学习者打开了一扇通往作曲家时代背景和创作意图的窗户。了解了这些背景，我在弹奏时就能更好地把握情感的基调和速度的细微变化。这对于培养未来的音乐教育者来说是无价的，因为一个优秀的教师必须能够将音乐的知识、历史和情感融会贯通，才能有效地传递给下一代。这种全方位的知识供给，使得这本教材的实用价值远远超出了单纯的练习册范畴。

评分☆☆☆☆☆

我感觉这本教材就像是一位严厉而睿智的导师，它不会给你廉价的赞美，只会用专业的标准来衡量你的进步。它的价值在于其“不可替代性”。在众多琳琅满目的钢琴学习资料中，我发现很少有哪一本能像它一样，将中国高等音乐教育体系下的专业要求如此全面、深入地融入到钢琴技能的培养中。无论是对传统西方古典作品的解读，还是对演奏规范的阐述，都带着一种根植于本土教育体系的独特视角和要求。对于我们这些立志于在中国的高等院校从事音乐教育工作的人来说，遵循这套教材构建起来的知识体系和演奏习惯，才是真正符合行业标准的。它可能不是最容易读进去的一本书，但绝对是读完之后，你对钢琴艺术的认知会得到一次质的飞跃的宝典。