大师场景+大师镜头（1-3卷）（共4册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 电子工业

ISBN：9787121188725

商品编码：10114904122

出版时间：2013-01-01

基本信息

商品名称： 大师场景+大师镜头（1-3卷）（共4册）	出版社： 电子工业	出版时间：2013-01-01
作者：(澳)肯沃斯|译者:魏俊彦	开本：其他	印刷时间：
定价： 245	页数：	印次：1
ISBN号：9787121188725	商品类型：图书	版次：1

编辑推荐语

大师镜头（**卷）：低成本拍大片的100个**技巧（第2版） 普通人拍电影从此成为可能 大师镜头（第二卷）：拍出**对话场景的100个**技巧 经典外版畅销书《大师镜头》姊妹篇，普通人拍电影从此成为可能 大师镜头（第三卷）——导演视野：让电影脱颖而出的100个镜头调度 知名电影拍摄类畅销图书，普通人拍电影从此成为可能 大师场景：导演、编剧、剪辑师必知的**场景转换术 一本论述场景转换的艺术意义与创作手法的电影书

好的，以下是为您撰写的图书简介，内容将围绕《大师场景+大师镜头（1-3卷）（共4册）》之外的其他图书领域展开，力求详实、自然。 --- 影史的幕后与光影的艺术：探索电影制作的深度密码（非《大师场景+大师镜头》系列） 一部关于电影工业、视觉美学与叙事哲学的综合性探索 本书系一套多卷本的深度研究合集，旨在全面剖析二十世纪至今，电影艺术发展进程中那些未被镜头直接捕捉，却对最终成片产生决定性影响的幕后工艺、技术革新、叙事结构以及背后的艺术思潮。这套书聚焦于电影语言的构建逻辑，而非对具体导演或作品的场景复盘，它试图从更宏观和技术层面，揭示“如何讲故事”和“如何构建视觉世界”的底层逻辑。 第一卷：光影的物理与心理学基础 本卷深入探讨了电影创作中，对光线理解的物理学基础与对观众心理的影响机制。我们不再关注如何运用某个特定“大师镜头”，而是解析构成镜头的基本元素——曝光、色彩温度与动态范围在叙事中的非语言作用。 核心内容涵盖： 1. 光学系统的演变与叙事适应性： 从早期球面镜头到现代变形镜头（Anamorphic Lens）的发展历程，分析不同焦距如何影响空间压缩、景深处理以及观众的主观代入感。重点研究固定光圈（T-Stop）的精确控制如何服务于情绪渲染，而非仅仅是技术参数。 2. 电影照明的心理学模型： 详细梳理了基于古典好莱坞三点布光法的进化，以及如何通过引入“四点布光”甚至“多维光场”来打破传统，营造非对称照明对角色内心冲突的暗示。例如，解析低调布光（Low-Key Lighting）在不同文化背景下如何被解读为威胁、神秘或内省。 3. 色彩科学与情感映射： 探讨从赛璐珞胶片到数字传感器（CMOS/CCD）对色彩再现的根本性差异。引入“色彩调性图谱”，研究如何通过特定的色彩搭配（如互补色、邻近色）在潜意识层面引导观众的道德判断和情绪起伏，超越简单的“冷暖”划分。 第二卷：场面调度的结构性解构与空间叙事 本卷将电影拍摄现场，即“场面调度”提升至空间结构分析的高度，探讨如何通过调度设计来揭示权力关系、时间流逝与人物关系。 核心内容涵盖： 1. “看不见的剪辑”： 研究如何在一次长镜头中，通过精妙的走位、推拉摇移以及演员与道具的互动，实现信息传递的最大化，从而在剪辑点模糊时，依然保持叙事的流畅性。这涉及到对空间矩阵的预设。 2. 环境作为角色： 区别于简单的布景设计，本卷侧重于分析“可被使用的空间”。例如，分析在封闭空间（如电梯、走廊）中，如何利用空间限制来放大人物的焦虑感；在开阔场景中，如何利用景深和前景来构建疏离感。 3. 动作的节奏化： 探讨场面调度中动态元素（人、摄影机、移动道具）之间的速度匹配与冲突。如何通过慢速移动的摄影机与快速移动的人物形成对比，制造紧张感或史诗感，这完全独立于后期的剪辑节奏。 第三卷：声音景观的设计与叙事张力 电影艺术的另一半，声音，往往被“场景”与“镜头”的视觉魅力所掩盖。本卷专注于声音设计在构建沉浸感、驱动情节和塑造世界观方面的决定性作用。 核心内容涵盖： 1. 从拟音到声景（Soundscape）： 追踪拟音艺术的起源及其在现代电影中的功能转变。重点分析“声景地图”的构建，即如何通过环境音、非指向性声音的叠加，创造出比任何对话或音乐都更具真实感的听觉环境。 2. 对白与潜台词的声学处理： 分析混音工程师如何通过EQ（均衡器）、动态压缩和混响（Reverb）来界定角色的心理状态和物理位置。例如，通过门后收音的微小差异，暗示角色的被排斥感。 3. 音乐的叙事功能替代： 本卷研究“非音乐化声音”如何承担传统配乐的功能。分析如何利用极端失真的音效、特定频率的低频震动（Sub-bass）或突然的静默，在没有音乐介入的情况下，引导观众体验恐惧、悲伤或高潮。 第四卷：工业体系下的创意管理与跨学科协作 最后一部分将视角从纯粹的艺术创作转向电影制作的实际运作，探讨如何将复杂的视觉概念转化为可执行的工业流程。 核心内容涵盖： 1. 视觉发展（Visual Development）的流程化： 详细解析概念艺术家、艺术指导和摄影指导之间的信息传递链路。重点分析如何将抽象的剧本意图转化为精确的“材质板（Material Board）”和“灯光参考表”，确保创意在不同部门间保持一致性。 2. 早期预可视化（Pre-visualization）的技术迭代： 探讨从传统的故事板（Storyboard）到现代的3D预演（Previz）技术，如何帮助制片方在实际开机前，就以接近最终成片质量的方式，确定复杂的动作序列和视觉效果的边界。 3. 后期制作中的“第二次拍摄”： 深入分析数字中间片（DI）流程中，色彩校正师和特效总监如何共同完成对原片素材的“再创作”。这部分特别关注DIT（Digital Imaging Technician）在现场对色彩和宽容度的实时决策，如何预先奠定了后期调色的基调，是现代电影工业中至关重要的一环。 --- 本套书籍旨在为电影专业学生、资深影迷以及希望理解视觉艺术深层机制的研究者，提供一套超越具体电影案例分析的、系统化的电影语言构建方法论。它提供的不是“如何拍出某个镜头”的秘诀，而是“电影是如何被思维建构出来”的蓝图。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的深度是超乎我预期的，它对“场景”和“镜头”的探讨已经超越了单纯的电影技术范畴，几乎触及了美学哲学和心理学。我最欣赏它的一点是，它敢于挑战一些约定俗成的“黄金法则”。比如，当所有人都推崇三分法构图的稳定感时，它会深入分析那些打破常规、故意失衡的构图是如何在特定情境下制造出视觉张力，并引导观众产生不安或兴奋的感受。这种批判性的视角非常宝贵，它告诉我们，规则是用来理解和掌握的，但最终，真正的创新来自于对规则的恰当颠覆。特别是关于“大师镜头”的部分，作者没有简单地罗列清单，而是将每一个镜头都置于其叙事的脉络中进行分析，探讨了为什么这个特定的镜头选择是“唯一的”或“最优的”。这种深入到“为什么”层面的探讨，极大地提升了阅读体验，让我从一个被动的接受者，变成了一个主动的思辨者。这本书的行文风格非常冷静克制，用严谨的语言来描绘那些充满激情和创造力的瞬间，这种反差本身就构成了一种独特的节奏感，让人在阅读时保持高度的专注。

评分☆☆☆☆☆

总体来说，这是一部真正意义上的“工具书”与“思想启迪录”的完美结合体。它没有那些花哨的辞藻来哗众取宠，所有的论述都建立在对大量经典影像的深刻洞察之上。对于我们这些在影像领域摸索的人来说，最怕的就是陷入“自嗨式”的创作，拍出很多自己觉得很有感觉，但缺乏有效沟通力的作品。而这套书，最核心的价值就在于建立了一套清晰、有效的“视觉沟通语言体系”。它强迫读者去思考，你此刻使用的每一个景别、每一个推拉摇移，到底想要和观众建立什么样的关系？是通过疏远拉开距离，还是通过特写实现情感的绑架？它提供的不是一个固定的模板，而是一套灵活的思维框架，让你能够根据自己的故事内核，自主地去选择和设计属于自己的“大师级”的表达方式。坦白讲，读完后我感觉自己的创作底气足了很多，不再是凭感觉乱动，而是有了明确的理论支撑和历史借鉴，这对于艺术创作来说，是极其重要的心理建设。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的名字乍一看就充满了对电影艺术的敬畏感，光是“大师”二字就让人对内容充满了期待。我翻开第一卷，立刻被那种深入骨髓的专业精神所吸引。它不是那种浮于表面的“如何拍摄”的教学指南，更像是一场与影像巨匠的私密对话。作者似乎拥有一把钥匙，能够解锁那些隐藏在经典镜头背后的哲学思考和创作意图。阅读的过程中，我仿佛置身于老电影的片场，亲眼目睹那些教科书级别的运镜是如何诞生，每一个景框的构图、每一次光线的运用，背后都有着极为精准的计算和深沉的情感注入。比如，书中对某些特定场景的景深处理的分析，简直是庖丁解牛，细致入微，让我意识到，原来我们习以为常的“美感”，背后是如此多的技术与艺术的博弈。这本书让我对“观看”这件事本身产生了更深刻的反思，它拓宽了我对视觉语言的理解边界，不再满足于故事表面的精彩，而是开始探究影像如何雕刻时间与空间。这本书的价值在于，它真正做到了“授人以渔”，将抽象的艺术感转化为可以学习和实践的方法论，对于任何一个有志于从事视觉创作的人来说，都是不可多得的宝藏。我特别欣赏作者那种毫不保留的分享态度，把多年的经验和教训都倾囊相授，这种真诚本身就极具感染力。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计也值得一提，虽然内容才是核心，但精美的排版和清晰的图例，确实让复杂的理论变得易于消化。我尤其喜欢它对光影处理的讲解部分，那简直就是一堂关于“绘画”的电影课。书中对自然光与人造光在不同材质上的反射和吸收的分析，细致到了令人发指的地步，完全可以作为摄影灯光的进阶教材来使用。我一直以为自己对电影的光线运用有基础的理解，但在阅读了关于逆光处理的几个案例后，我才意识到自己过去的应用是多么的粗糙和经验主义。作者似乎有一种魔力，能把原本冰冷的物理现象，转化成富有情感暗示的表达工具。读完相关章节后，我立刻去尝试用不同的柔光箱和反光板组合，去重现书中所描述的那种“克制而具有穿透力”的光感，效果立竿见影。这套书的结构安排也很有层次感，从宏观的场景设计逐步收敛到微观的镜头运动，层层递进，保证了读者的知识体系能够稳定构建，不会因为信息量过大而感到眩晕。

评分☆☆☆☆☆

拿到这三卷（以及第四册似乎是补充或不同侧重）的套装，首先感受到的是沉甸甸的重量，这重量不仅仅是纸张的堆砌，更是影像史的厚度。我花了很长时间细细品读，这本书的叙事方式非常独特，它不是按照时间线或者导演来划分的，而是围绕着某种特定的“情绪场域”或者“叙事功能”来组织材料的。比如，有一章专门探讨了“压迫感”如何在广角镜头中被放大，而另一章则专注于“疏离感”如何通过长焦镜头实现。这种分类法极大地帮助我理解，不同技术手段是如何被用来服务于复杂的人类情感的。阅读过程中，我常常需要停下来，打开电脑或者投影仪，去重温那些被提及的经典片段，那种将理论与实践瞬间打通的感觉非常畅爽。我发现，很多我自认为已经掌握的电影常识，在这本书的深入剖析下，又焕发出了新的生命力。它教会了我如何“拆解”一个画面，如何从光影的细微差别中读出导演的潜台词。这本书的细节考据也做得极其扎实，很多罕为人知的幕后花絮和早期实验都被挖掘出来，为理解大师们的创作心路提供了重要的参照。对于想要超越“模仿”，真正达到“创造”层面的学习者来说，这本书无疑是一本登堂入室的必读书。

评分☆☆☆☆☆

不错。正品。

评分☆☆☆☆☆

非常好 完整 正品

评分☆☆☆☆☆

方便，快捷，省时间，经常来这里买了。

评分☆☆☆☆☆

不错不错

评分☆☆☆☆☆

书本表面有明显磨损，还有土。

评分☆☆☆☆☆

不满意，书都没有包装的，像旧书，书角都折起来了

评分☆☆☆☆☆

很强大

评分☆☆☆☆☆

ok

评分☆☆☆☆☆

很有参考价值