新文艺·现代艺术大家随笔：傅抱石艺术随笔 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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承名世 编

图书标签:

• 傅抱石
• 现代艺术
• 艺术随笔
• 中国画
• 美术
• 艺术理论
• 文化
• 文学
• 新文艺
• 艺术史

出版社： 上海文艺出版社

ISBN：9787532143313

版次：1

商品编码：10965013

包装：平装

丛书名： 新文艺·现代艺术大家随笔

开本：32开

出版时间：2012-03-01

用纸：胶版纸

页数：254

字数：139000

正文语种：中文

内容简介

《新文艺·现代艺术大家随笔：傅抱石艺术随笔》所选的若干篇目，其内容大致分为四类。一是对传统艺术的研究，题材以绘画为多，也兼及篆刻；二是对古今艺术家杰出成就的介绍；三是对海外艺术成就的介绍；四是抱石先生自己从事绘画创作的经历和经验。尽管这只是抱石先生数十年笔耕成果中的一小部分，但透过这些短小精悍，而又充满了智慧的文章，我们可以清楚地看出，一个成就斐然的艺术大师，是怎样的关注着民族艺术的流传和发展，又是怎样的执著于民族精神的追求和光大的。

内页插图

目录

序
日本工艺美术之几点报告
日本法隆寺——远东三大艺术之
民国以来国画之史的观察
明末四奇僧
苦瓜和尚石涛年表弁言
读石涛淮扬洁秋图
刻印源流
关于印人黄牧父
从中国美术的精神上来看抗战必胜
读周栎园《印人传》
读雪翁花鸟画
壬午重庆画展自序
明清之际的中国画
中国绘画之精神
雪舟及其艺术
雪舟的山水画
晚周帛画
白石老人的艺术渊源
白石老人的篆刻艺术——《齐白石作品集·印谱》序
俗到家时自入神——郭老谈画片记
笔墨当随时代——看“贺天健个人画展”有感
北京作画记
思想变了，笔墨就不能不变——答友人的一封信
东北写生杂忆

精彩书摘

苦瓜和尚石涛年表弁言①
三年前，我就有撰述八大山人朱耷和苦瓜和尚石涛的评传的愿望。他们二人作为中华民族的艺术家，震撼了世界。
虽然八大山人的名声远远超出了石涛，然而在“甲申之变”时却有着相同的遭遇。他们把这种愤慨的情绪又同样地寄托于残山剩水，一草一木之中。他们二人的艺术如同天马行空，势不可挡，其爱国精神更为万世所景仰。
我出生于江西省南昌市，八大山人与我最有关系。在离南昌十五华里的地方，有一座叫青云谱的古刹，这座占刹在唐代时称为太乙观，八大山人曾在此度过了长期的流离生活。现在，那罩有他留下的自画像一幅、四尺草书联一对，以及花鸟画二幅。那些书画都是我作为一个小学生的时候，徒步去青云谱时所见到的。193I年，中国的中央大学艺术教授徐悲鸿先生曾到那里游览，此后，他义从南京给我来了一封信，其主要内容，便是谈及八大山人白面像的保存方法。我想，大概是因为江西有战乱，因此他担心画像有散失和毁灭的可能吧。现在，八大山人的那些遗作是否还原样存在，我不知道。
有记载说，苦瓜和尚石涛“晚年多在广陵”。他的作品我虽见得很多，但我并不认为全都是真迹，因此，有关石涛资料的搜集寻找，就甚为因难。近日有缘读到了桥本关雪先生所著的《石涛》，他在序言中写道：
我对石涛一向怀有浓厚的兴趣，然而，当我着手编写写作
本书时，才感到非常的困惑，因为有关材料是那么缺乏。
……

前言/序言

浮光掠影：二十世纪中国画坛的探索与革新 本书收录了多位二十世纪中国画坛重量级艺术家的个人创作感悟、对时代变迁的深刻反思，以及他们对传统继承与现代转型的独特见解。全书以散文、札记、书信等形式呈现，描绘了彼时艺术群体在社会剧变中所经历的心路历程，展现了中国画在特定历史语境下，如何寻求突破与重塑的艰难而辉煌的历程。 --- 卷一：笔墨的黄昏与黎明——传统观念的重估 本卷集中探讨了二十世纪初，中国画界在面对西方美术思潮冲击时所产生的巨大震动与自我审视。艺术家们不再满足于对古典范式的亦步亦趋，而是开始深入挖掘传统笔墨语言的内在哲学，并尝试将其与新的时代精神相接轨。 《论“似与不似之间”的新诠释》：此篇系一位江南画派领军人物写于三十年代初期的文稿。他详述了对“中和之美”的理解，指出在现代审美趋向写实和强调个体精神的背景下，“不似之似”不再是单纯的写意境界，而是一种对客观物象进行高度提炼和主观情感注入的理性选择。文章细致剖析了早期“四王”画派在笔墨运用上的精微之处，对比了文人画“逸品”与民间艺术“神品”的差异，为后来的艺术革新提供了理论上的参照系。他特别强调了“骨法用笔”在保持时代感的张力中应如何被重新审视和实践。 《从敦煌壁画到故宫珍藏：视觉经验的拓宽》：一位关注考古发现和文物研究的画家，记录了其多次赴西北考察的见闻。他详细描绘了敦煌壁画中飞天造型的动态美学，以及唐宋人物画中线条的力度与节奏感。这些田野考察的记录，不仅仅是简单的游记，而是画家试图从被忽视的古代遗存中，汲取与当时主流文人画体系截然不同的视觉营养。他将敦煌的色彩学与宋代院体的严谨结构进行对比，论证了中国艺术传统内部的多元性，呼吁画家们打破门户之见，构建更为宏大的艺术谱系。 《关于“雅”与“俗”的界限思辨》：在社会阶层结构发生变化的年代，“雅”的定义也受到挑战。几位受过新式教育的画家，在私人信函中探讨了如何将民间艺术的生命力和时代气息引入到传统水墨的创作之中。他们讨论了年画、剪纸等艺术形式所蕴含的朴素情感力量，并反思了士大夫阶层长期以来对“风雅”的过度局限，主张艺术必须扎根于广阔的民众生活，方能获得持久的生命力。 --- 卷二：时代的肖像——题材与精神的转向 本卷聚焦于艺术家们如何应对民族危亡和国家建设的宏大叙事，探讨了题材选择上的重大转变，以及如何用传统水墨语言承载现代性的主题。 《山河易貌，笔下乾坤》：收录了数篇画家在抗战时期创作的速写和感怀。这些作品记录了战乱中南迁的艰难，以及对故土山川的深切眷恋。其中一篇对长江三峡的描绘，不再是传统意义上的“壮阔”，而是充满了对历史沧桑和生命坚韧的复杂情感。画家们尝试使用更强烈、更具冲突性的笔触来表现自然环境的严峻，这与他们内心对民族命运的忧虑紧密相连。线条的急促与墨色的浓淡变化，直接反映了时代情绪的起伏不定。 《都市速写与“新生活”的视觉捕捉》：几位热衷于社会写实的画家，记录了他们对新兴城市景象的观察。他们放弃了惯常的松弛状态，转而捕捉火车、工厂、码头等现代工业元素的硬朗线条和光影关系。这些速写虽然仍以水墨为媒介，却展现出对西方素描结构和光影原理的吸收。其中一位画家记录了他如何用焦墨来表现钢铁的质感，以及如何用飞白来营造机器运转时的动态模糊感，体现了对“时代主题”的积极响应。 《关于“人物画”的现代责任》：讨论了传统人物画从“高古游仙”向“反映当下”的过渡。几位在人物造型上有所突破的画家，反思了“兰亭集会”式的描绘已无法满足时代对英雄和劳动者的刻画需求。他们交流了对人体结构学习的经验，以及如何将中国传统人物画的“气韵生动”融入到对普通劳动者形象的塑造中，力求在继承传统衣冠描法的同时，展现出现代人的精神风貌。 --- 卷三：中西交融的语境——媒介与观念的碰撞 本卷深入探讨了在吸收西方艺术理论和技法过程中，艺术家们所面临的内心挣扎与最终的融合之道。 《透视法在山水画中的试探与保留》：一位致力于将西方空间理论引入中国画的学者，详细阐述了他对“焦点透视”与“散点透视”的辩证思考。他认为，机械地套用焦点透视会破坏中国画的诗意空间感，但完全摒弃对景深和体积的准确把握又会使画面显得平面化。他展示了如何通过调整墨色的层次感和皴法的密度变化，来暗示空间的纵深，而非通过明确的线条来界定。 《色彩的回归与水墨的“留白”哲学》：本部分收录了关于水墨语言自身特性的深刻探讨。多位画家认为，水墨的魅力在于其无限的偶然性和内在的张力，不应被过度饱和的色彩所淹没。然而，他们也承认，在表现特定的自然现象（如夕阳、冰雪）时，需要恰到其中地运用矿物颜料。讨论的焦点在于：如何让色彩的出现服务于水墨的“气”，而非喧宾夺主地成为描绘的对象。留白被重新定义为“未被言说的空间”，是给予观者想象力的哲学留白。 《致友人的信札：论“创新”的度尺》：这组信件揭示了艺术家群体内部对“创新”的焦虑与共识。他们共同面对的难题是如何在“不失中国意味”的前提下实现现代化。信中提到，真正的创新不是形式上的颠覆，而是精神内核的更新；只有当新的形式能够更有效地传达当下的时代精神和个体体验时，它才具有合法性。他们相互砥砺，警惕盲目追随西风而丧失文化根基的倾向。 --- 总结： 本书汇集了二十世纪中国画坛在转型时期最真实、最赤诚的艺术心声。它没有宏大的理论总结，只有浸透着汗水与智慧的个人实践记录。通过这些散落的笔触和片段，我们得以窥见一代艺术大师如何在风云变幻的时代中，坚守对美的信仰，并以自己的方式，为中国艺术的未来开辟出一条条充满张力的道路。阅读这些文字，如同与那些伟大的灵魂进行了一场跨越时空的对话，感受他们对笔墨的执着与对时代的担当。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期关注当代艺术思潮的人，我发现这本书的价值不仅仅停留在对单一艺术家的梳理上，更在于它提供了一个观察特定时代文化生态的独特窗口。作者在论述中，自然而然地融入了对当时社会思潮、哲学观念乃至文人阶层命运的思考。这种跨学科的视野，让随笔的内容显得异常丰满和立体。它不再仅仅是艺术评论，更像是一部时代的侧影，通过艺术家的视角，折射出那个特定历史时期知识分子在坚守与变迁中的挣扎与抉择。我尤其欣赏作者在引用和对比不同观点时的那种平衡感，既不盲目崇拜，也不刻意批判，始终保持着一种审慎的学人风范，这种成熟的论述态度，使全书的论据更具说服力和深度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，简直可以称得上是“含蓄而有力量”。作者的文字功底深厚，遣词造句既有文人的那种雅致，又充满了洞察世事的犀利。他很少使用那些空泛的赞美之词，而是专注于捕捉那些微妙的情感波动和瞬间的灵感火花。读起来会有一种强烈的画面感和代入感，仿佛作者就站在你的身边，用一种非常私密且真诚的语气，与你分享他对这位艺术大师的观察与理解。尤其是一些对艺术创作环境和氛围的描述，精准到位，让人仿佛能闻到画室里松节油的味道，感受到阳光穿过窗棂洒在画布上的温度。这种细腻入微的笔触，使得原本抽象的艺术思考，变得可感、可触，极大地提升了阅读体验的层次感和沉浸感。

评分☆☆☆☆☆

这部书的装帧设计真是让人眼前一亮，拿到手里首先感受到的是一种沉甸甸的质感，封面选用的纸张细腻而有韧性，色彩搭配上既有古典的韵味，又不失现代的简约。尤其是书脊上的烫金字体，在光线下熠熠生辉，显得十分典雅。内页的印刷质量也无可挑剔，文字清晰锐利，排版疏密得当，阅读起来非常舒适。作为一本关于艺术大家的随笔集，这种对细节的打磨无疑是对艺术家本人最好的致敬。我个人尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如内嵌的一些精美插图，色彩还原度极高，让人仿佛能感受到原作的气息。从图书的整体工艺来看，出版方显然投入了大量的精力和心思，体现了他们对文化产品的尊重和追求，这对于深度阅读者来说，是极大的加分项。这种对实体书品质的执着，在如今这个数字阅读盛行的时代，更显珍贵，让人愿意珍藏于案头。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最深切感受是“回味悠长”。与许多读完即弃的畅销书不同，我发现自己时常会停下来，合上书本，陷入沉思。有些段落的意境实在太过深远，需要反复咀嚼才能领会其中更深层的哲理。它不是那种提供标准答案的作品，而是一本激发你主动思考的“催化剂”。每当我重新翻阅到之前标记的精彩片段时，总能发现新的理解角度，这证明了作者在文字中植入了多重解读的可能性。这种文本的“复活性”和“生命力”，是衡量一部优秀艺术随笔的关键标准。它成功地将一位艺术家的精神遗产，转化为读者自我审视与成长的契机，实属难得的佳作。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的章节组织逻辑非常巧妙，它似乎不是完全按照时间线索来铺陈，而是更侧重于精神内核的层层递进。开篇的几篇引言，就像是为读者搭建了一个进入艺术家思想世界的脚手架，用一种非常内敛且富有哲思的笔调，勾勒出宏大的艺术图景。随后的篇章，则像是由浅入深地挖掘了不同时期创作背后的心境变化，作者的叙述节奏把握得极好，时而如清泉般涓涓细流，娓娓道来那些不为人知的创作契机；时而又如山洪般激昂有力，直击艺术的本质与困境。这种叙事上的张弛有度，使得即便是对艺术史稍感陌生的读者，也能轻松跟进，并从中获得深刻的共鸣。这种结构安排，远比那种平铺直叙的传记式写作要高明得多，它更像是与作者进行了一场心与心的对话。

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songhuohenkuai

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大师级别的书当然要好好拜读

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同学看到有活动。于是买了很多

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