表演秀系列：第5级：古典乐曲 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 古典乐
• 钢琴曲
• 表演级考试
• 音乐教材
• 第5级
• 乐谱
• 音乐书籍
• 儿童音乐
• 考级曲目
• 古典音乐

店铺： 读品汇图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103051382

商品编码：29745281088

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	表演秀系列：第5级：古典乐曲 音乐 书籍
作者：	(美)南希·菲伯尔，(美)兰德尔·菲伯尔编
定价：	33.0
出版社：	人民音乐出版社
出版日期：
ISBN：	9787103051382
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

本套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类型分为“曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐”、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“喜爱的歌”等七本，本书为第5级的“古典乐曲”。

表演秀系列：第5级：流行金曲精选 音乐 书籍 —— 聚焦现代节奏与舞台魅力 —— 导言：捕捉时代的脉搏 《表演秀系列：第5级：流行金曲精选》是一本专为渴望在现代舞台上大放异彩的音乐学习者和表演者精心打造的教材。本册聚焦于过去数十年间在全球范围内产生巨大影响力的流行音乐作品，旨在帮助学习者掌握当代音乐的演奏技巧、舞台表现力以及理解流行音乐的结构与情感内核。 我们深知，舞台上的成功不仅仅依赖于精湛的技术，更需要与观众建立情感连接的能力。因此，本书在选曲上力求平衡艺术性与大众接受度，精选的曲目不仅在音乐性上具有代表性，更在商业上取得了巨大成功，是当代音乐文化的重要组成部分。 第一部分：流行音乐的演变与风格解析 本部分将带领读者回顾流行音乐自20世纪中叶至今的主要流派变迁，为学习接下来的曲目打下坚实的理论基础。我们不会过多纠缠于古典音乐的传统范式，而是将重点放在： 1. 摇滚乐的基石与变奏： 经典摇滚（Classic Rock）： 分析如披头士（The Beatles）、滚石乐队（The Rolling Stones）等奠基性乐队的作品，解析其和声进行中的“流行化”处理，以及如何运用简单的和弦构建出强烈的律动感。 华丽摇滚（Glam Rock）与朋克（Punk）： 探讨视觉冲击力与音乐的直接性如何成为流行表演的重要元素。 2. 迪斯科、放克与节奏的魔力： 深入解析七八十年代迪斯科（Disco）和放克（Funk）对现代流行乐律动（Groove）的决定性影响。重点分析鼓点、贝斯线（Bassline）的复杂交织，以及如何通过节奏变化来控制舞台能量。 3. 流行舞曲（Pop Dance）的崛起： 分析八十年代麦当娜（Madonna）、迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）等巨星的作品，探讨电子合成器（Synthesizer）在构建现代流行音景中的核心作用，以及歌曲结构如何围绕“副歌爆发点”进行设计。 4. 嘻哈与R&B的影响力： 探讨节奏的说唱（Rapping）技巧在旋律演唱中的融合，以及R&B中标志性的蓝调（Blues）和福音（Gospel）元素的现代化处理方式。 第二部分：核心曲目精选与技术突破 本部分是本书的实践核心，收录了跨越不同年代的、极具代表性的流行金曲的改编乐谱和演奏指导。所有选曲均经过精心编排，以适应第五级学习者的技术水平，同时保证了原曲的神韵。 重点技术训练点： 和弦色彩的快速转换： 流行音乐中大量使用七和弦、挂留和弦（Sus Chords）以及色彩和弦（如add9, maj75）来营造特定的氛围。我们将集中训练学生在流畅演奏中的快速切换能力。 律动与“切分”的精确性： 流行音乐的灵魂在于节奏的“推拉感”。我们将通过专门的练习，确保演奏者能够准确把握各种复杂的切分音型，使演奏听起来“有味道”，而非生硬的机械模仿。 声部平衡与“人声线”的模仿： 在器乐演奏中，如何用乐器模拟人声的旋律线条（Vocal Line）和伴唱（Backing Vocals）的层次感，是流行演奏的关键。 即兴与装饰音的运用（Ornamentation）： 相比于古典乐的严格遵照，流行乐允许更高的即兴空间。本章将教授如何运用标志性的推弦（Bending）、颤音（Vibrato）和快速琶音等技巧，为乐曲增添个人色彩。 选曲示例（涵盖不同流派）： 1. “时代之声”： 一首来自八十年代、结构清晰、旋律抓耳的合成器流行金曲，重点练习节奏精准度和清晰的音色控制。 2. “激情律动”： 一首融合了放克和R&B元素的舞曲，强调贝斯线与鼓点之间的互动，训练学员的“律动感”。 3. “民谣的力量”： 一首改编自九十年代的流行抒情曲（Power Ballad），侧重于情感的表达、动态的对比（从轻柔到宏大）以及长乐句的呼吸控制。 4. “现代节奏冲击”： 一首近期发行的电子流行乐作品，要求学习者熟悉使用延音、混响等效果器（或在演奏中模拟其效果），以达到现代录音棚音效的质感。 第三部分：舞台表现力与演绎指导 真正的“表演秀”要求音乐家超越乐谱本身。本部分指导学员如何将所学的技术转化为令人难忘的舞台体验。 1. 情感共鸣与叙事性： 分析流行歌曲的歌词主题（爱情、反抗、庆祝等），并指导演奏者如何将相应的情感融入指法和音色选择中。流行乐的演绎需要“真诚”，而非仅是“完美”。 2. 视觉与听觉的统一： 讨论如何根据歌曲的风格选择恰当的肢体语言和面部表情。例如，快节奏的舞曲需要动感的身体姿态，而抒情曲则需要更内敛、专注的表达。 3. 乐队合作与互动： 流行乐演出极少是独奏。本章提供关于如何聆听其他声部（如鼓手、贝斯手或主唱）的实用技巧，如何在不使用指挥的情况下，通过眼神和微小的动作与乐队成员保持同步，实现音乐上的“对话”。 4. 现场的即时调整能力： 流行音乐的演出环境复杂多变（音响设备、现场观众反应等）。我们将提供策略，指导学员如何在现场听觉反馈不佳的情况下，快速调整力度和节奏，确保表演的连贯性。 结语：通往未来舞台的桥梁 《表演秀系列：第5级：流行金曲精选》旨在成为连接传统音乐训练与现代舞台实践之间的坚实桥梁。通过对这些经典流行作品的深入钻研，学员不仅能提升器乐的实用技能，更能培养起对当代音乐文化的敏感度和舞台驾驭的自信心。掌握了这些流行金曲的精髓，你便拥有了在任何现代音乐场合中闪耀的通行证。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“跨学科”的整合方面做得非常不到位，这也是我个人在学习中感到最挫败的地方。我们都知道，古典音乐的鉴赏和演奏，绝不仅仅是手指的运动，它与文学、哲学、美术之间存在着深刻的内在联系。比如，在学习贝多芬的中晚期奏鸣曲时，如果能结合当时欧洲的启蒙思想或浪漫主义思潮，对作品中那种宏大叙事和个人挣扎的表达会有更深刻的理解。然而，这本书完全是“音乐至上”的视角，所有内容都聚焦于音符和速度标记，对这些作品背后的文化土壤避而不谈。这导致我虽然能勉强弹出正确的音高和节奏，却无法真正触及其精神内核。我需要的，是那种能够将音乐置于其历史文化背景中去理解的引导，比如，解析某个奏鸣曲的结构时，能适当地引用当时流行的文学体裁作为类比。如果没有这种广阔的视野，学习古典乐就容易变成一种僵化的技术训练，最终演奏出来的只会是空洞的“技术展示”，而非充满生命力的艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

读完这本音乐书籍，我最大的感受是它的“时代局限性”非常明显，尤其是它对二十世纪及以后现代音乐的处理，简直可以说是敷衍了事。如果我是一个只满足于浪漫主义晚期作品的爱好者，这本书或许还能勉强应付，但对于任何一个想要跟上音乐发展脉搏的学习者来说，它提供的价值微乎其微。例如，在讨论德彪西或拉威尔的作品时，书中对印象派的和声色彩变化和踏板的运用，描述得极其保守和传统，完全没有触及到这些作曲家是如何打破传统调性体系，构建出那种“朦胧”听感的微妙技巧。更不用说二十世纪的序列主义或者极简主义音乐了，这些内容在书中几乎是完全缺席的，仿佛这些音乐流派从未存在过。作为一本定位在“高级”阶段的教材，这种对音乐史和演奏实践前沿的忽视，是难以被原谅的。一个真正的音乐学习者需要面对的是从巴赫到斯特拉文斯基乃至更远处的全部音乐语汇，而这本书提供给我的，却是一个被精心修剪过、只剩下“安全”曲目的花园。我希望能看到对非传统记谱法（如空心音符、指示演奏法）的解释，以及如何运用现代演奏技术来表现这些新颖的音乐概念。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，这本教材在关于“诠释学”和个人风格发展这一关键环节上，几乎是空白的。它似乎预设了一个“标准答案”式的演奏法，并鼓励所有学习者去趋同于此。对于像我这样，已经具备一定基础，正在摸索自己独特艺术声音的演奏者来说，这种“一刀切”的指导方针是具有抑制作用的。书中对踏板的使用、乐句的划分、重音的强调等高度主观的诠释性问题的讨论，要么是含糊其辞，要么是直接给出了过于教条化的建议。优秀的音乐教育应该鼓励学生去批判性地聆听大师的录音，去对比不同版本之间的差异，并最终形成自己合理的、有论据支撑的演奏见解。这本书没有提供任何工具来帮助我们进行这种批判性思考，它只是告诉我们“应该”这样做，而不是引导我们去探索“为什么可以”那样做。我希望看到的是关于“风格的演变”与“个人声音的塑造”的深入辩论，而不是被动接受一套既定的、可能已经过时的演绎规范。

评分☆☆☆☆☆

从排版和内容编排的角度来看，这本教材给人的感觉是相当的“陈旧”和“不友好”。首先，虽然曲目选择本身不可谓不差，但乐谱的印刷质量和清晰度实在是让人捏了一把汗。在处理一些需要快速阅读密集音符的段落时，字体的间距和墨色的深浅控制得不够理想，多次让我不得不眯着眼睛去辨认原本清晰的记号，这对于需要高度集中精力的学习过程来说，无疑是一种干扰。更令人不解的是，书中对于曲目的背景介绍极其简略，几乎没有提及这些作品的创作背景、首演轶事，或者它们在音乐史上占据的地位。这使得每一次练习都变成了一种脱离语境的机械动作。我期望一本优秀的教材不仅能告诉我“怎么弹”，还能告诉我“为什么要这样弹”，以及“弹奏这首曲子时的心境应该是什么样的”。这本书像是直接把乐谱从一个老旧的图书馆抽出来，未经任何现代化的处理就直接影印了事。缺乏高质量的插图、图表，甚至连一个简单的历史时间线都没有，让整个学习过程显得枯燥乏味，缺乏应有的启发性。

评分☆☆☆☆☆

这本关于古典乐曲的教材，从我个人的学习经历来看，确实在某些方面有着显著的不足，尤其对于像我这样，希望在技术层面有更深入突破的演奏者来说。它似乎更侧重于一个比较宽泛的入门介绍，对于不同时期、不同作曲家的作品风格解析，往往停留在表面，缺乏对演奏技巧细节的深入探讨。举个例子，当涉及到巴赫赋格的声部处理时，书里只是简单提到了要“清晰地分离旋律线”，但对于如何通过指尖的力度变化、触键的深度和释放时机的精确控制来实现这种分离，则几乎没有提供任何可操作性的练习方法或案例分析。我期待看到更多关于如何处理复调织体中“对话感”的详尽指导，比如针对某个特定练习曲，如何通过节奏的微小弹性来凸显主题的层次。此外，对于一些高难度技巧的解析，比如肖邦练习曲中那种需要极高独立性和速度的琶音段落，这本书的处理方式是直接给出乐谱，然后简单地鼓励“多加练习”，这种过于依赖传统“苦练”模式的建议，在如今这个强调科学训练方法的时代，显得有些力不从憾。我希望能看到对这些技术瓶颈的“解构”，比如分解练习的步骤、特定肌肉群的放松与集中训练等。总而言之，它更像是一份精心编排的曲目列表，而非一套系统的、能够解决实际演奏难题的训练手册。