关迺忠音乐作品集(第2集) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

关迺忠 编

图书标签:

• 关迺忠
• 音乐作品集
• 古典音乐
• 钢琴曲
• 中国音乐
• 艺术歌曲
• 声乐作品
• 音乐会
• 音乐
• 作品集

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968447

商品编码：29745369686

开本：16

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：关迺忠音乐作品集(第2集)
• 作者：关迺忠
• 定价：88
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968447

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：273
• 字数：420千字

《关迺忠音乐作品集（第2集）》相关书籍推介：当代中国声乐与器乐创作的广阔图景 鉴于您对《关迺忠音乐作品集（第2集）》的关注，我们为您精心遴选了一系列在风格、体裁、地域或创作背景上与关迺忠先生的音乐创作有所关联，或能提供广阔的时代与艺术背景的优秀音乐文献。这些书籍旨在帮助您深入理解当代中国音乐，尤其是声乐、民族器乐、交响乐以及音乐教育等领域的发展脉络，虽然它们的内容并非直接收录关迺忠先生的作品，但能极大地丰富您对这一时期中国音乐创作的认知。 --- 一、 聚焦当代中国声乐艺术的深度探索 关迺忠先生的创作涉猎广泛，声乐作品无疑是其中重要的组成部分。要理解其作品的艺术追求，了解同时代中国声乐艺术的整体走向至关重要。 1. 《二十世纪中国艺术歌曲百年回顾与展望》 内容概述： 本书系统梳理了自清末“新乐”运动到21世纪初，中国艺术歌曲（艺术歌曲，即“学院派”声乐艺术歌曲）的发展历程。它不仅收录了大量重要作曲家（如黄自、萧友梅、聂耳、冼星海、王洛宾，以及后来的郭兰英、王酩、谭利茟等）的代表作的乐谱与分析，更深入探讨了中国传统诗词、民间音乐元素与西方声乐技法融合的路径。 关联性分析： 本书能提供一个宏大的艺术歌曲发展坐标系。关迺忠先生的作品往往带有深厚的民族底蕴与鲜明的时代精神，通过研读本书中对不同历史阶段“民族化”声乐风格的论述，可以更好地定位关先生在这一谱系中的独特贡献——例如他对戏曲板式结构在抒情性声乐中的借鉴，以及对特定地域色彩（如陕北、山西等地）的音乐语言的提炼。书中对“新时代主旋律”声乐作品的结构分析，亦能为理解关先生部分主旋律作品的创作手法提供理论支撑。 2. 《中国声乐作品创作技法研究：从“美声”到“民族化”的转型》 内容概述： 这是一部偏向于音乐分析和教学实践的专著。它详细剖析了中国声乐作品中“民族化”声音技巧的形成过程，包括对气息支持、共鸣腔体运用、咬字规范（特别是北方官话与方言音色的处理）等方面，如何有意识地偏离传统意大利美声的范式，转而贴合中国语言的声学特点。书中包含了对多位重要声乐教育家和演唱家的访谈记录，以及对经典作品（如《黄河颂》、《怀念战友》等）的详细技法解析。 关联性分析： 关迺忠先生的作品对演唱者的要求往往是“声情并茂”，既要有良好的美声功底，又需精准传达歌词的韵味。本书中关于如何处理“民族性”旋律线条（往往较少大跳，更注重连贯性与叙事性）与西方和声框架的张力，能为理解关先生作品中对演唱技巧的“平衡术”提供方法论参考。 --- 二、 民族管弦乐队与器乐创作的地域性视野 关迺忠先生的音乐创作背景与地域文化紧密相关，尤其是对山西及周边地区音乐元素的运用，是其作品的一大特色。 3. 《晋陕歌谣与器乐的现代转译：民族器乐合奏作品研究》 内容概述： 本书聚焦于中国北方，尤其是山西、陕西两省的传统民间音乐（包括信天游、小调、秧歌等）的收集、整理与现代民族管弦乐队配器法研究。书中重点分析了如何将具有强烈地方色彩的器乐体裁（如板胡、高胡、板鼓等的主奏与伴奏技法）融入到大型民族管弦乐队的编制中。收录了多位以地域音乐为创作源泉的作曲家的代表作分析，如对刘锡津、赵季平等人的部分作品的乐谱透视。 关联性分析： 如果关迺忠先生的《作品集（第2集）》中包含器乐或民族管弦乐作品，那么本书提供的地域音乐语言背景将是不可或缺的参照。它阐释了将地方性、口语化的音乐动机，如何通过专业的配器技术，提升到具有交响气势的艺术高度。读者可以通过本书理解特定调式、特定节奏型（如“旱船”、“爬山”等）在器乐中的“翻译”过程。 4. 《中国民族管弦乐配器法新论》 内容概述： 这是一本前沿性的配器教材或专著，旨在探讨21世纪以来，中国民族管弦乐在编制扩大（如加入更多双簧类乐器、低音提琴的变体等）后，在和声运用、音色叠加和层次构建上的新探索。书中特别强调了如何处理民族乐器（如二胡、琵琶、古筝）与西方管弦乐体系（如铜管、木管）之间的音域冲突与融合技巧，并对“层次感”的营造提出了新的配器原则。 关联性分析： 任何成熟作曲家的作品集，都体现了其在配器技术上的成熟度。本书提供的是一个衡量当代民族管弦乐配器“前沿”的标准。通过学习本书中关于如何实现“既民族又交响”的音响效果的探讨，读者能更深入地欣赏关先生作品中对乐器潜能的挖掘和不同声部之间的对话处理。 --- 三、 中国当代音乐创作的时代背景与教育图景 关迺忠先生的作品是特定历史时期中国音乐学院派创作思潮的产物。了解当时的创作氛围和音乐教育理念，有助于把握其作品的时代深度。 5. 《新中国音乐创作的五十年：主题、风格与创新》 内容概述： 本书是一部宏观的音乐史著作，并非单纯的乐谱汇编，而是从政治、社会、美学三个层面，梳理了1949年至2000年前后中国音乐创作的核心议题。它详细分析了“革命现实主义”、“民族化方向”、“抒情性回归”等几个阶段性主题，以及这些主题如何影响了作品的曲式结构、和声语言和旋律走向。书中包含了对大量重要音乐事件和重要会议的文献梳理。 关联性分析： 关迺忠先生的创作必然处于这一宏大历史叙事之中。本书能帮助读者建立起一个时间轴和艺术坐标系，理解在特定历史节点上，作曲家们在题材选择和艺术表达上所面临的共同挑战与机遇。这有助于读者理解为何某些作品会选择宏大的叙事结构，而另一些则回归到细腻的内心刻画。 6. 《当代中国音乐美学思潮：从民族性到世界性》 内容概述： 这部学术著作着眼于中国当代音乐创作背后的哲学思考和美学争论。它探讨了中国音乐在“向西方学习”与“立足本土”之间如何寻求平衡，以及在民族音乐的“原生态”保留与“艺术加工”之间的界限问题。书中包含了对作曲家群体中关于“严肃性”与“通俗性”关系讨论的总结，并关注了跨文化音乐交流对本土创作的影响。 关联性分析： 艺术作品的深度往往源于作曲家对时代思潮的参与和批判。通过阅读本书对当代音乐美学核心矛盾的探讨，可以引发读者思考：关迺忠先生的作品在继承传统民族音乐精华的同时，如何运用现代音乐语汇进行表达，是否体现了对“世界性”和“民族性”两者辩证关系的深刻理解。 --- 通过研读上述涵盖声乐、器乐创作技法、地域音乐研究及宏观美学思潮的六部著作，您可以构建一个丰满的当代中国音乐创作图景，这将极大地拓宽您对关迺忠先生音乐作品的理解深度与广度，即使《第2集》的具体内容暂未展现在眼前，您也能更好地站在历史与艺术的高度去欣赏和审视他的艺术成就。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书是抱着极高的期望值，希望能够在新近出版的乐谱中，找到一些过去被忽视的、具有时代意义的经典篇章。我尤其对那个被乐评界称为“中期的转型之作”的奏鸣曲的乐谱部分进行了重点对比。与我手中收藏的早期手稿影印版相比，这次的排印在清晰度上自然是远胜从前，所有的连奏和表情记号都一目了然。但奇怪的是，我注意到在某个慢板乐章的力度记号上，似乎与我印象中的某些演奏版本存在微妙的差异。我不知道这是原作者后来的修改，还是编辑在整理过程中的某种解读偏差。这种“不确定性”在严肃的学术性作品集中是比较令人困扰的。如果这本书的定位是权威的、最终版的演奏文本，那么这种细微的变动应该有注释加以说明，否则读者在学习时会无所适从，难以确定哪个才是真正想要呈现的“标准”。这种对细节的模糊处理，在某种程度上削弱了其作为“作品集”的严肃性。

评分☆☆☆☆☆

这次的阅读体验中，我注意到这本书在曲目选择的广度上做出了努力，涵盖了从早期的一些风格练习到后期相对成熟的作品，这表明编者在收录时是下了功夫的。不过，作为一名长期关注该领域研究的爱好者，我发现其中收录的一些文献性的附录，比如创作手稿的片段展示，内容过于简略，几乎只是作为一种“点缀”存在。我更希望看到的是，能够对这些手稿片段进行更深入的年代考证和版本比较，比如，不同手稿之间在配器上的增删变化，或是不同时期作者对同一主题的不同处理倾向。现有的这些附注，更像是走马观花式的介绍，对于希望深入了解其创作脉络的读者来说，提供的深度远远不够。它更像是一份精美的目录，而非一份详尽的研究报告。我期待未来能有一本专门的配套文集，来详细解析这些附录材料背后的故事和学术价值。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的封面设计着实抓人眼球，色彩的搭配既古典又不失现代感，尤其那字体排版，流畅中带着一股沉稳的气韵，让人初见便心生敬意。我原本是冲着曲谱的排版质量来的，期待着能看到一些清晰、易于演奏的乐谱排版，毕竟很多老版本的乐谱在细节处理上实在粗糙。然而，真正翻开内页，那种触感和纸张的质地也让人感到惊喜，显然是经过精心挑选的。我特别关注了其中关于和声分析的那一部分，希望能够从中找到一些关于作者早期创作理念的蛛丝马迹，但很遗憾，这部分内容似乎更侧重于技术层面的记录，缺乏深入的文本解读，对于一个渴望了解创作者内心世界的读者来说，多少有些意犹未尽。总而言之，从外观到纸张的质感，都透露出这是一部用心制作的刊物，但内容深度上，特别是对于作品背景和个人思考的挖掘，似乎留下了不少空白，或许下一集会有所补充吧。这本书的装帧质量确实无可挑剔，拿在手上沉甸甸的，有一种收藏的价值感。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个下午来仔细研读了其中几首练习曲的指法标注，不得不说，这部分内容处理得相当细致，对于初学者来说绝对是一份宝贵的指南。指位提示得非常明确，几乎没有歧义，这在以往我接触的许多音乐教材中是很少见的，很多时候，我们只能靠自己摸索和揣摩演奏家的录音来判断最佳按法。然而，当我试图将这些标注应用于更复杂的复调作品时，我发现，某些技巧的呈现似乎还是停留在比较表层的示范，缺乏对“如何克服难点”的系统性指导。例如，在高难度段落的处理上，我期待能看到一些关于节奏处理或者音色控制的文字说明，但这些更多的是留白，需要读者自行根据乐谱进行二次解读。这让我联想到，这本书更像是一本“演奏范本”，而不是一本“教学手册”。对于已经有一定基础的演奏者来说，它提供了可靠的参考框架，但对于那些正在攻克技术难点的学习者，可能还需要更多的辅助材料来打通任督二脉。整体而言，其严谨性值得称赞，但指导的广度略显不足。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体感觉是“精致但偏向保守”。装帧和印刷的质量无疑是顶级的，拿在手上感觉非常体面，无论是作为礼物还是用于个人收藏，都非常合适。然而，从内容结构来看，它似乎更偏向于对既有经典作品的“复刻”与“美化”呈现，而不是对音乐作品进行新的发掘和解读。比如，在配乐说明的文字部分，我本想寻找一些关于特定配器选择的哲学思考，或者在特定历史时期该作品在当时社会语境下的反响，但这些内容几乎被完全省略了。文字部分显得过于“功能化”，仅仅是罗列了作品的完成年份和首演信息，缺乏对音乐语言本身的“声音化”描述。阅读完后，我感觉自己拥有了一套非常漂亮的乐谱，但我对这些音乐背后的“灵魂”或“时代精神”的理解，并没有得到实质性的提升。它更像是一次对“形式”的完美致敬，而对“内容”的探索相对谨慎。