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黄祖禧 编

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店铺： 锦瑭图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968416

商品编码：29763722909

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：歌曲写作教程
• 作者：黄祖禧
• 定价：32
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968416

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：225

好的，这是一份关于《艺术鉴赏入门：从古典到现代的视觉与听觉之旅》的详细图书简介： --- 《艺术鉴赏入门：从古典到现代的视觉与听觉之旅》 一、 缘起：拓宽感知世界的边界 艺术，是人类文明进步的独特标记，是情感、思想与技艺熔铸而成的结晶。然而，面对宏伟的交响乐章、深邃的油画杰作，或是晦涩难懂的当代装置艺术时，许多人感到无从下手，仿佛隔着一层薄雾，无法真正触及作品的灵魂。 《艺术鉴赏入门：从古典到现代的视觉与听觉之旅》正是为所有渴望深入了解艺术、提升审美素养的读者而创作的指南。本书不侧重于艺术史的枯燥罗列或复杂的学院派理论，而是致力于搭建一座沟通普通观察者与复杂艺术世界的桥梁。我们相信，欣赏艺术并非少数精英的特权，它是一种可以通过学习和练习掌握的能力。 本书将带领读者进行一场跨越数千年、横跨不同媒介的深度探索，帮助读者掌握一套行之有效的鉴赏工具，从而真正地“看懂”视觉艺术，并“听懂”音乐的叙事。 二、 内容架构：双轨并进的深度解析 本书内容结构精妙，分为视觉艺术篇和听觉艺术篇两大核心板块，辅以贯穿始终的跨界思维导论。 A. 视觉艺术篇：解码光影与线条的语言 这一部分专注于绘画、雕塑、建筑与摄影等静止的艺术形式。我们不只是展示名作，而是深入剖析其构成要素。 1. 基础语法：形式元素分析 色彩的心理学与物理学： 探讨冷暖色调的对比如何影响情绪，以及莫奈与康定斯基在色彩运用上的哲学差异。 构图的魔力： 详解黄金分割、三分法在文艺复兴时期的应用，以及现代艺术如何故意打破这些规则以达到新的张力。 质感与媒介： 深入比较油画的厚重、水彩的通透、雕塑中青铜与大理石的永恒感，以及摄影中颗粒感对主题表达的影响。 2. 风格演进：从庙堂到街头 古典的秩序与理性： 解析古希腊雕塑的人体理想化表达，以及巴洛克艺术中戏剧性的光影运用（如卡拉瓦乔的明暗对比法）。 浪漫的激情与主观： 探索浪漫主义如何将自然景观视为情感的投射，而非客观再现。 现代的革命与解构： 详细解读印象派、立体派（如何通过多视角重构现实）以及抽象表现主义（如何将画布视为行动场域）的突破性贡献。 后现代的语境： 探讨波普艺术对日常符号的挪用，以及装置艺术如何挑战“艺术品”的物理边界。 B. 听觉艺术篇：理解声音的情感轨迹 音乐鉴赏常被认为是最为主观的领域，本书旨在提供结构化的方法，让读者能够追踪作曲家如何运用声音元素来组织情感和叙事。 1. 音乐的骨架：结构与织体 旋律、和声与节奏的三角关系： 区分大调和小调带来的情绪基调，解释复调音乐（如巴赫的赋格）与主调音乐（如古典奏鸣曲）在结构上的根本差异。 曲式分析入门： 通过简化的形式图解，帮助读者识别奏鸣曲式、回旋曲式和变奏曲式的内在逻辑，从而在聆听时不再迷失方向。 2. 体裁的地图：从独奏到交响 器乐的叙事： 深入解析交响曲、协奏曲和室内乐的各自特点和功能，强调贝多芬如何扩展交响曲的篇幅和情感深度。 人声的魅力： 辨析歌剧（声乐与戏剧的结合）、清唱剧与艺术歌曲（Lied）在表达上的细微差别。 跨界的声音探索： 简要介绍爵士乐的和声自由度，以及电子音乐中声音合成技术的革新如何拓展了“乐器”的定义。 C. 跨界思维导论：艺术的互文性 本章旨在打破学科壁垒，展示艺术各个门类之间的相互影响和共通的时代精神。 时代的精神投射： 分析启蒙运动如何同时影响了古典主义建筑的对称性与莫扎特音乐的清晰结构。 象征主义的密码： 探究象征主义文学（如波德莱尔）中对色彩和声音的描述，如何反过来启发了后来的视觉艺术家和作曲家。 如何构建个人体验： 提供“带着问题去欣赏”的实用技巧，强调艺术体验的最终价值在于自我反思和个人意义的构建，而非仅仅是记住作品的年代和作者。 三、 本书的独特价值 本书的核心优势在于其平衡性、实用性与启发性。 1. 非学院派的亲和力： 我们摒弃了晦涩的专业术语，用生动的语言和大量的图文对照（视觉篇）或详细的结构标记（听觉篇）来解释复杂的概念。 2. 强调“如何看”与“如何听”： 每章节后附有“实践清单”，引导读者在下一次参观博物馆或听音乐会时，带着本书提供的工具去进行有目的的观察和聆听。 3. 全面的时间跨度： 确保读者不仅能欣赏米开朗基罗的完美，也能理解安迪·沃霍尔的讽刺，实现从古至今的审美连续性。 四、 目标读者 对艺术充满好奇，但缺乏系统入门知识的初学者。 希望提升旅行体验，在面对世界级博物馆或音乐厅时能获得更深层次享受的旅行者。 渴望丰富业余生活，提升个人文化素养的职场人士。 艺术、设计、历史等相关专业的学生，寻求补充性、实践性鉴赏方法的读者。 《艺术鉴赏入门》不是一本冰冷的教科书，而是一张邀请函，邀请您推开艺术殿堂的大门，用全新的感官去体验人类创造力的无限可能。准备好开始您的视觉与听觉之旅了吗？ ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名经验尚浅的独立音乐人，我最需要的不是高深的理论，而是能直接提升作品“完成度”的实用技巧。这本书提供的就是这种“立即可用”的宝藏知识。它不是空谈如何成为下一个莫扎特，而是脚踏实地教你如何快速地将你的Demo打磨成一首可以拿给制作人听的、结构完整、情感饱满的作品。书中关于“Hook”的提炼和打磨，以及如何让副歌部分更具记忆点，提供了许多实用的操作指南，比如节奏的重复、音高的设计范围等，这些都是我过去常常忽略但又至关重要的环节。我按照书中的建议调整了自己正在创作的一首歌的副歌部分，结果反馈简直是天壤之别，身边的人都说新版本“抓耳”多了。这本书真正做到了“授人以渔”，它教会我的不是固定的招式，而是观察、分析和自我修正的能力，这才是真正能让我在音乐道路上走得更远的核心竞争力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我读过不少号称“专业”的音乐教程，但大多都像是冷冰冰的教科书，读起来枯燥乏味，让人昏昏欲睡。这本书的阅读体验，简直是令人耳目一新。它的叙事风格非常活泼，仿佛作者就在我旁边，用轻松愉快的口吻和我分享他的创作心得。书中穿插了大量的真实案例分析，这些案例都不是那种高高在上的大师作品，而是贴近我们日常生活，容易产生共鸣的流行歌曲。通过对这些歌曲的拆解，我清晰地看到了一个优秀的词曲是如何打磨出来的。尤其是歌词部分的处理，作者强调的“画面感”和“情感共振”，让我对歌词的理解上升到了一个新的高度。过去我总是在纠结于“押韵”，而这本书教会我，好的歌词首先是要“动人”，押韵是工具，而不是目的。这种思维上的转变，对我后续的创作产生了决定性的影响。我已经开始尝试用这种更注重情感和叙事性的方式去打磨我的歌词，效果显著。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐理论有些基础，但实践中总是卡壳的“半吊子”学习者。这本书对我的意义在于，它成功地架设了理论与实践之间的鸿沟。许多教程要么只讲理论，让你知道“是什么”，但不知道“怎么做”；要么就是教一些固定的套路，让你只会机械模仿。这本书最妙的地方在于，它强调的是“创作思维”的培养。它没有给我一个固定的公式，而是提供了一套灵活的工具箱。比如，在处理桥段（Bridge）的设计时，书中提供了多种情绪和走向的切换方案，并解释了每种方案背后的心理学原理，这让我不再是随机乱试，而是可以根据歌曲的情绪高低，有针对性地选择最合适的结构。更值得称赞的是，它对“风格化”的探讨，激励我去寻找属于自己的声音，而不是盲目追逐潮流。这本书让我明白了，创作不仅仅是技巧的堆砌，更是一种个性表达的艺术。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的排版和设计也极具匠心，这对于需要大量图示和谱例的教程来说至关重要。很多音乐书籍，为了节省成本或者设计上的粗糙，把五线谱和和弦图印得密密麻麻，根本看不清细节。而这本《歌曲写作教程》在这一点上做得非常出色，每一个乐理概念的阐述，都配有清晰、易读的图表和示例。特别是关于节奏型和律动感的讲解部分，通过图形化的方式展示了不同乐器声部的交织与配合，让我这个以前主要听音乐的人，开始真正“看到”音乐的结构。我甚至发现，即使是那些我以为自己已经很熟悉的和弦转换，通过书中特别标注的“潜在的色彩变化”，都能发现新的可能性。这种注重细节的呈现方式，极大地降低了学习的认知负荷，让我的学习过程充满了愉悦感，而不是挫败感。对于需要不断对照视觉信息的学习者来说，这一点是极其加分的。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我音乐创作之门的金钥匙！我一直对写歌抱有浓厚的兴趣，但总觉得无从下手，那些所谓的“秘籍”要么晦涩难懂，要么就是空泛的理论。然而，这本书完全不同。它以一种极其亲和的方式，将作曲、作词乃至编曲的各个环节拆解得清清楚楚。记得我刚拿到这本书时，就被它那种清晰的逻辑结构所吸引。作者似乎非常理解初学者的困境，从最基础的和弦进行开始，循序渐进地引导我们构建一首完整的歌曲框架。特别是关于旋律创作的那一章，书中提供的那些小练习，简直是立竿见影的有效。我尝试着模仿书中的案例进行创作，很快就捕捉到了一些旋律的“感觉”，那种从无到有的创造过程，带给我的成就感是无与伦比的。它不是那种堆砌专业术语的书，而是真正手把手教你如何将脑海中一闪而过的灵感转化为可以被传唱的作品。我强烈推荐给所有有志于音乐创作的朋友们，相信我，读完它，你的创作瓶颈期会大大缩短，取而代之的是源源不断的灵感火花。