民族声乐(8级-10级中国音乐学院社会艺术水平考级全国通用教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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中国音乐学院考级委员会... 编

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• 民族声乐
• 声乐教材
• 中国音乐学院
• 考级教材
• 8级
• 9级
• 10级
• 艺术考级
• 音乐教学
• 声乐训练
• 教材

店铺： 火把图书专营店

出版社： 中国青年

ISBN：9787500696278

商品编码：29765106397

开本：16

出版时间：2011-03-01

基本信息

• 商品名称：民族声乐(8级-10级中国音乐学院社会艺术水平考级全国通用教材)
• 作者：编者:中国音乐学院考级委员会
• 定价：59
• 出版社：中国青年
• ISBN号：9787500696278

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2011-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：3
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：166
• 字数：230千字

内容提要

学习声乐应遵守循序渐进的原则，打好正确的、 坚实的基础，对以后的演唱技术水平的提高和表演能 力的发展有至关重要的作用。所以，建议朋友们在基 础没有打好之前，不要急于去唱自己力所不能及的大 作品。在考级的时候，也不要盲目地报考过**别或 跳级报考。
     《民族声乐》这套考级教材从二级到十级共收集 了269首歌曲(由于很少有考生报考一级，因此在这套 考级教材中，只给出一级的考试要求，考试曲目略) ，适合不同层次演唱技术水平的人选唱，也适用于专 业艺术院校的教师、学生选唱。本书为其中一本，是 中国音乐学院考级委员会主编的考级教材。《民族声 乐(8级-10级中国音乐学院社会艺术水平考级全国通 用教材)》为民族唱法考级用书。
    

目录

八 级
1．走进新时代
2．在中国大地上
3．我的珠穆朗玛
4．公仆赞
5．黄河情
6．山里人
7．《蝶恋花·答李淑一》
8．《沁园春·雪》
9．《七律二首·送瘟神》
10．小白菜
11．蓝花花
12．看见你们格外亲
13．海风阵阵愁煞人歌剧《红珊瑚》选曲
14．飞出这苦难的牢笼歌剧《草原之歌》选曲
15．没有眼泪，没有悲伤歌剧《洪湖赤卫队》选曲
16．我为共产主义把青春贡献歌剧《江姐》选曲
17．血里火里又还魂歌剧《党的女儿》选曲
18．红杜鹃
19．故乡人
20．中国永远收获着希望
21．走进春天
22．奉献给亲爱的祖国
23．没有强大的祖国，哪有幸福的家
24．纳西篝火啊哩哩
25．乡音乡情
26．再见了，大别山
27．人家的船儿桨成双电影《漩涡里的歌》插曲
28．山西牧歌
29．山水醉了咱赫哲人
30．挑担茶叶上北京
31．红星照我去战斗电影《闪闪的红星》插曲
32．走上这高高的兴安岭
33．啊!中国的土地
34．多情的土地
35．我住长江头
36．寻找回来的世界电视连续剧《寻找回来的世界》主题歌
37．黑龙江岸边洁白的玫瑰花歌剧《傲蕾·一兰》选曲
38．满江红
39．天下黄河十八湾
40．驼铃
41．中国妈妈
42．清江放排
43．红叶颂
44．东方姑娘
45．报答
46．国歌响起
47．枫桥夜泊
48．梅花引
49．亲吻祖国

好的，这是一份针对不同主题图书的详细简介，旨在不涉及您提供的特定教材内容，同时确保内容的丰富性和专业性。 --- 图书系列简介：深入探索音乐世界的多元视角 本系列图书旨在为广大学习者、音乐爱好者及专业人士提供涵盖音乐理论、历史、实践技巧及跨文化音乐研究的深度知识体系。我们精选了多个核心领域，通过严谨的学术视角和清晰的实践指导，构建起一个全面且相互关联的音乐知识矩阵。 1. 《西方古典音乐史：从巴洛克到二十世纪的演进》 目标读者： 音乐专业学生、音乐史研究者、古典音乐爱好者。 内容概述： 本书是对西方古典音乐发展脉络的一次系统性梳理。我们并未停留在简单的年代划分，而是深入探讨了各个历史时期音乐风格的内在逻辑与社会文化背景。 第一部分：巴洛克时期的辉煌与张力 本部分详述了17世纪至18世纪中叶的音乐特征。重点分析了巴赫对复调艺术的集大成，亨德尔歌剧与清唱剧的戏剧性结构，以及维瓦尔第协奏曲的创新。我们详细解析了对位法、数字低音的演奏实践，以及这一时期音乐中蕴含的宗教与世俗的复杂张力。重点案例分析了《马太受难曲》的结构宏大性与技巧复杂性。 第二部分：古典主义的秩序与理性 着重探讨了海顿、莫扎特和贝多芬如何确立了奏鸣曲式、交响曲和弦乐四重奏的标准范式。书中不仅描述了形式上的清晰与平衡，更揭示了海顿如何通过主题发展技巧拓展音乐的可能性，莫扎特如何将歌剧的心理刻画推向高峰，以及贝多芬如何在其晚期作品中，预示了浪漫主义的个人情感表达的爆发。对钢琴奏鸣曲的结构分析将贯穿始终。 第三部分：浪漫主义的激情与个性解放 这一时期是音乐家个体表达的黄金时代。本书详细考察了舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何与诗歌完美融合，肖邦钢琴作品中的民族元素与炫技结合，以及瓦格纳在乐剧理论与“主导动机”的革新。浪漫主义的扩张性倾向，如李斯特的交响诗和马勒的交响曲，被视为对古典主义的继承与突破。 第四部分：二十世纪的多元探索与变革 本章是全书的重点难点之一。我们考察了印象主义（德彪西、拉威尔）对传统和声的瓦解，表现主义（勋伯特）的无调性探索，以及序列主义（巴别克）的理性构建。同时，我们也关注了斯特拉文斯基的原始主义、科普兰在美国音乐中的地域色彩，以及电子音乐和拼贴手法的初步应用，展现了音乐语言的极大拓展与分裂。 2. 《管弦乐队配器法精要与实践》 目标读者： 作曲系学生、指挥专业、配器教师及对管弦乐编曲感兴趣的专业人士。 内容概述： 本书是一本集理论深度与实际操作性于一体的配器教材。它超越了简单的乐器音域罗列，而是深入研究了每种乐器的物理特性、发声机制、演奏技法及其在合奏中的功能定位。 核心组成部分： I. 乐器家族的系统分析： 弦乐组： 详细区分了小提琴（高音区、中音区、低音区）、中提琴、大提琴和低音提琴的音色特点、演奏力度控制的难度，以及特殊奏法（如泛音、双吐、十三度音的运用）的可行性。 木管组： 对长笛、双簧管、单簧管、巴松管的指法复杂度和气息控制进行对比分析，重点讲解了木管乐器的交织与分部和声的织体效果。 铜管组： 侧重于圆号的圆润性与小号、长号、大号的音色穿透力。探讨了弱奏时铜管的“空气感”处理，以及强奏时不同乐器音色的融合与分离技巧。 打击乐组： 不仅涵盖了有固定音高的乐器（定音鼓、木琴），更侧重于无固定音高乐器（钹、鼓组）在构建节奏层次和制造音响色彩方面的策略。 II. 和声与织体在配器中的应用： 本书强调“功能性配器”，即配器服务于音乐结构。通过大量的实例分析，阐述了如何运用不同乐器组合来强化旋律线条、支撑和声骨架、以及构建复杂的织体层次。内容包括：如何处理复调中的声部平衡；如何利用不同音区乐器制造“透明感”或“厚重感”；以及如何通过乐器转换（Transposition）来增强作品的戏剧张力。 III. 经典配器案例的解构： 精选了德彪西、拉威尔、斯特拉文斯基等大师的管弦乐片段，逐一拆解其配器手法，分析其色彩运用和乐器间的对话关系，使读者能够从实践中领悟理论。 3. 《民族音乐学导论：跨文化视角的考察》 目标读者： 民族音乐学、人类学、文化研究相关专业师生及对全球音乐传统有兴趣的读者。 内容概述： 本导论致力于从人类学和社会学的角度，系统介绍民族音乐学的研究范式、核心概念及其在全球化背景下的发展。它强调对音乐实践的“田野研究”方法论，而非仅仅停留在对音乐文本的分析。 研究范式与方法论： 本书首先界定了民族音乐学的历史演变，从早期的“比较音乐学”到当代注重情境与表演理论的转向。核心章节详细讲解了田野工作的伦理规范、资料收集（录音、文本记录）的技术要点，以及如何进行“参与式观察”。 音乐与社会结构： 深入探讨了音乐在不同文化中的社会功能，包括仪式（如婚丧嫁娶、祭祀活动）、社会阶层划分、政治宣传以及身份构建中的作用。通过对非洲鼓乐、东南亚锣组音乐、以及美洲原住民歌谣的案例研究，揭示音乐如何成为维护或挑战社会秩序的媒介。 音质与表演理论： 本书特别关注表演的动态性。探讨了音乐家在即兴创作中的规则与自由，以及观众参与如何影响音乐的最终形态。对“音质”（Timbre）这一概念进行了跨文化对比分析，指出不同文化对“好听”的界定是多么的多元和主观。 全球化与音乐变迁： 最后一部分讨论了全球化对地方音乐传统带来的冲击与机遇。考察了音乐的“世界化”（World Music）现象，技术传播（如录音设备、社交媒体）对传统音乐实践的改造，以及音乐家如何在维护文化根基的同时，进行创新与跨界融合。本书倡导一种尊重多样性、批判性地看待音乐传播的学术态度。

评分☆☆☆☆☆

这套书的出版，对于所有认真对待民族声乐学习的人来说，都是一件值得庆贺的事情。我特别喜欢它对“民族风格”的探讨部分，这部分内容超越了纯粹的技巧训练，触及了民族音乐的灵魂。它引导我们去理解不同地域的方言腔调、不同民族的情感表达方式如何融入到声乐的演唱中。比如，在处理某些少数民族的歌谣时，教材会提醒我们注意那种特有的“叙事感”和“生活气息”，这才是民族声乐区别于其他声乐体裁的精髓所在。我曾尝试用它提供的建议去指导一位在表现力上略显生涩的学生，效果立竿见影。他不再只是机械地模仿录音，而是开始学着去“感受”和“扮演”歌曲中的角色。这套教材真正做到了“授人以渔”，它不仅教会我们如何唱对音符，更教会我们如何将生命融入歌声，让每一次演唱都成为一次真诚的文化交流。

评分☆☆☆☆☆

这本声乐教材，从我第一次翻开它，就给我一种非常扎实和专业的感受。里面的曲目选择非常独到，不仅仅是那些耳熟能详的传统曲目，更穿插了不少富有时代气息和地域特色的作品。这种编排方式，极大地拓宽了我的视野，让我不仅仅停留在技巧的层面，更能深入理解民族音乐背后的文化内涵。尤其让我欣赏的是，对于每个级别的要求划分得非常细致和科学，八到十级之间的跨度，清晰地展现了从“熟练掌握”到“炉火纯青”的渐进过程。比如，八级的作品可能侧重于气息的稳定性和音准的精准度，而到了十级，则要求演唱者能够将情感与技术完美融合，对音乐的诠释达到游刃有余的境界。教材在讲解演唱技巧时，语言简练却直指核心，它不是那种空泛的理论说教，而是真正能指导实践的“武功秘籍”。作者似乎深谙声乐学习者在不同阶段的困惑，总能在关键节点给出恰到好处的提示。这套书无疑是为那些致力于在民族声乐领域深耕的师生们量身定制的宝典，其专业深度和广度，远超我之前接触过的许多同类教材。

评分☆☆☆☆☆

作为一位有着多年教学经验的老师，我最看重的是教材的系统性和逻辑性。这套八到十级的教材，完美地体现了中国音乐学院社会艺术水平考级所倡导的“标准”与“创新”并重。在曲目选择上，它非常注重艺术性和时代感的平衡。例如，在十级曲目中，我惊喜地发现了几首近些年涌现出来的优秀新作，这些作品不仅技术难度高，更重要的是它们反映了当代中国民族声乐发展的新趋势和新审美。这让我的学生在准备考级时，能够接触到更前沿、更有生命力的音乐作品。此外，教材在对作品的背景介绍和风格处理建议上，也做得极为到位。它没有直接给出“标准答案”，而是引导学生去思考——为什么这首曲子要用这种方式处理？它所表达的情感内核是什么？这种启发式的教学引导，极大地激发了学生的学习主动性和创造性，让他们在舞台上呈现的不仅仅是完成任务式的演唱，而是充满个人理解和生命力的艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

初学的时候，我还在纠结于如何在高音区保持穿透力，同时又不至于用力过猛导致嗓子受损。直到接触了这本教材，我才真正体会到“科学发声”的含义。教材对于气息支撑的论述，简直可以称得上是教科书级别的范本。它不像某些教材那样只强调“深吸气”，而是详细解析了胸腔、腹腔、甚至肋骨的协同工作，配图清晰明了，即便是初学者也能迅速领会其中的奥妙。而且，教材中穿插的那些针对性的练习曲，设计得极其巧妙，它们不是枯燥的音阶重复，而是巧妙地融入了民族音乐特有的旋律线条和节奏型。我发现，当我反复练习这些练习曲后，我之前遇到的技术瓶颈——比如换声区的处理、颤音的控制——都迎刃而解了。这套书的价值，不仅仅在于它收录了哪些“考级曲目”，更在于它提供了一套完整的、可操作的、且符合中国民族声乐发展趋势的训练体系。它培养的不是只会“唱”的机器，而是懂得“如何塑造声音”的艺术家。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我拿到这本厚厚的教材时，第一感觉是它的“分量”——不仅仅是物理上的厚重，更是内容上的充实。以往我接触的某些教材，可能为了凑数而引入一些不太成熟的作品，但这本书的每一页都感觉是经过反复推敲和打磨的。特别是对于那些技术难点，教材会用非常直观的图示或者文字比喻来解释，比如描述“美声唱法中的高位置共鸣”时，它用了一个形象的比喻，让我一下子就抓住了那种声音向上提、聚拢的感觉。对于考级曲目，它不仅仅列出了曲谱，更细致地标注了各种演唱记号，包括力度变化、连贯性处理以及不同声区的切换点。这对于我们这些需要严格按照考级标准进行训练的师生来说，简直是如虎添翼。它确保了我们在备考过程中，走的是一条最规范、最高效的路径，避免了因为理解偏差而走弯路。