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关迺忠 编

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店铺： 思睿图书专营店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968447

商品编码：29763730216

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：关迺忠音乐作品集(第2集)
• 作者：关迺忠
• 定价：88
• 出版社：中央音乐学院
• ISBN号：9787810968447

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：273

旋律的史诗：二十世纪西方管弦乐与室内乐的宏伟画卷 引言：时代的回响与创新的交织 本书聚焦于二十世纪西方古典音乐领域中，那些塑造了现代听觉景观的关键性管弦乐与室内乐作品。我们不着眼于某一特定作曲家的汇编，而是致力于描摹一个跨越百年的音乐思想演变轨迹，从晚期浪漫主义的余晖中挣脱而出，直至探索至无调性、序列主义、新古典主义乃至电子音乐边缘的多元探索。本书旨在为读者提供一个结构清晰、深入细致的导览，理解这些作品如何在历史的洪流中诞生、革新并最终确立其不朽的地位。 第一部分：浪漫主义的终章与现代性的黎明 (约 1900-1930) 本部分深入探讨了二十世纪初，作曲家们如何处理自瓦格纳和马勒继承下来的宏大交响传统，并开始尝试突破其既有的和声与结构限制。 一、后浪漫主义的重量级篇章：理查·施特劳斯与西贝柳斯 我们首先考察理查·施特劳斯的后期交响诗和歌剧配乐，如《查拉图斯特拉如是说》中对哲学主题的音乐化处理，以及《英雄的生涯》中对自传式叙事的精妙编织。这些作品在配器上达到了空前的复杂性，标志着浪漫主义管弦乐技法的巅峰。同时，本书将对比芬兰作曲家让·西贝柳斯的交响诗，如《芬兰颂》与《萨拉米奥》，分析其如何将地域性的叙事与北欧的自然意象，通过简洁有力的动机发展，融入到宏大的管弦乐布局之中，预示着更具结构性的写作方向。 二、印象主义的色彩与德彪西的革新 本章着重分析克劳德·德彪西及其追随者对音乐“材质”的革命性探索。德彪西的《牧神午后前奏曲》与《交响诗：海》，展示了如何利用和声的模糊性、复杂的节奏切分，以及乐器音色的细微变化来营造一种瞬间的、转瞬即逝的印象。我们将细致剖析他如何运用全音阶和五声音阶，打破了传统的大小调体系，并阐释其管弦乐配器法中对木管乐器组的独到偏爱，这为后来的室内乐写作提供了全新的音色调色板。 三、俄国力量的崛起：斯特拉文斯基与“原始主义” 伊戈尔·斯特拉文斯基的《火鸟》、《彼得鲁什卡》，尤其是《春之祭》，被视为现代音乐的里程碑。本书将以《春之祭》为例，详尽解析其对原始部落节奏的狂热迷恋，以及如何运用不协和和弦的暴力叠加（Polychords）和不规则的重音，在乐团中制造出前所未有的听觉冲击。这不仅仅是和声的革新，更是对西方音乐理性结构的一次彻底反叛。同时，我们将探讨斯特拉文斯基随后转向新古典主义（如《普尔钦奈拉》）的过程，分析其如何从“原始”的狂热中抽离，转而寻求巴洛克与古典主义形式的清晰与平衡。 第二部分：结构与解构的探索 (约 1910-1945) 在第一次世界大战的阴影下，音乐创作进入了一个高度实验性与反思性的阶段。作曲家们开始系统性地重构音高组织和音乐形式。 一、荀伯格与无调性：十二音技法的诞生 本部分的核心是对阿诺德·荀伯格“十二音体系”（Dodecaphony）的原理性剖析。我们将梳理从他早期的自由无调性作品，如《月光小丑》，如何过渡到《钢琴组曲》和《组曲，作品二十五》中成熟的序列化写作。重点在于理解“音排”（Tone Row）的构成、倒影、逆行和逆行倒影的数学逻辑，以及这些规则如何被应用于管弦乐织体，以确保所有十二个音的平等地位，从而取代传统调性的中心。 二、贝尔格与韦伯恩：序列主义的两位巨人 我们将对比荀伯格的两位杰出学生在序列技术上的不同走向。阿尔班·贝尔格，如在他的歌剧《沃采克》和《露露》的配乐中，展示了如何将严谨的十二音技术巧妙地融入到富有表现力的浪漫主义和声外壳之中，实现“有组织的情感表达”。相较之下，安东·韦伯恩的作品，特别是他的管弦乐小品和室内乐，则表现出极致的“点描”风格——极短小的乐思、稀疏的配器和对音色（Klangfarbenmelodie）的极端敏感，预示了战后极简主义的某些倾向。 三、新古典主义的回归：普罗科菲耶夫与肖斯塔科维奇 对比序列主义的激进，本节探讨了苏联阵营中作曲家对古典形式的重新诠释。谢尔盖·普罗科菲耶夫在《第三钢琴协奏曲》中，成功地将古典的奏鸣曲结构与他标志性的“电机式”节奏和尖锐的和声并置。德米特里·肖斯塔科维奇的交响曲，如《第五交响曲》，则在继承马勒式宏大叙事的同时，巧妙地运用讽刺、隐喻和古典曲式（如奏鸣曲式）作为对抗极权审查的保护色，形成了独特的“双重编码”艺术。 第三部分：战后声音的开拓与跨界 (约 1945 至今) 二战结束后，音乐的中心逐渐向欧洲大陆转移，对传统的挑战达到了前所未有的广度。 一、拼贴与机遇：先锋派的爆发 约翰·凯奇对音乐哲学的根本性颠覆是本章的重点。我们将详细分析他如何运用“不确定性原则”（Chance Operations）来创作，例如《想象的声音》和《四分三十三秒》，后者是对“寂静”和“环境噪音”的重新定义。随后，我们将转向欧洲的“乐团音乐”（Orchestral Music）和“单元音乐”（Musique Concrète）。布列兹和斯托克豪森等作曲家如何利用电子技术、磁带处理，以及对声场空间的精确控制（空间化），来构建全新的听觉体验。斯托克豪森的《群》（Gruppen）对三组管弦乐队的立体布局，是空间音乐实践的典范。 二、序列主义的深化与泛调性 在序列主义内部，对结构的控制也愈发精细。布列兹的《结构》（Structures）将十二音原则扩展到节奏、力度等所有参数上，形成了“总体序列主义”（Total Serialism）。同时，我们也探讨了以亨利·杜蒂耶为代表的法国作曲家，他们拒绝纯粹的序列主义，转而探索音色织体（Textural Sound）和泛调性（Pantonalism）的融合，如在《死亡之夜的交响曲》中对乐器“边界音响”的挖掘。 三、极简主义的回归：结构与重复 二十世纪下半叶，对前卫复杂性的反动促成了极简主义的兴起。本书将分析菲利普·格拉斯和史蒂夫·赖希在室内乐和管弦乐中的“相位”技术（Phasing）和重复模式。赖希的《为你而作的音乐》系列，展示了如何通过极小的动机的渐进位移，在听众感知中创造出复杂的、动态的、接近冥想状态的音乐结构，这为后来的电影配乐和流行音乐产生了深远影响。 结语：未完待续的乐章 本书的结尾将总结二十世纪的音乐实践，指出尽管风格万千，但其核心始终是对“何为音乐”的持续发问。从瓦格纳的庞大到韦伯恩的微观，从序列的精确到凯奇的随机，这些管弦乐与室内乐作品共同构成了一部关于人类创造力、技术革新以及社会变迁的宏伟史诗，其回响至今仍在影响着全球的作曲家和听众。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸质都给我留下了非常好的印象，拿在手里沉甸甸的，很有质感。作为收藏品来说，它也是一件艺术品。更重要的是，内容上的编排逻辑非常清晰，从易到难，循序渐进，让我在学习过程中感到非常顺畅。我发现，即便是那些看似简单的练习曲，里面也蕴含着非常高明的音乐处理技巧。我尝试按照书中的提示调整了自己以往的演奏习惯，结果发现音乐的色彩感瞬间丰富了许多。我平时更偏向于古典乐，但这本书里的一些现代和声运用方式，竟然让我对当代音乐产生了浓厚的兴趣。它巧妙地将传统技法与现代审美结合起来，创造出了一种既熟悉又耳目一新的听觉体验。对于那些希望拓宽自己音乐视野的音乐人来说，这本书绝对能打开一扇新的大门。它不仅仅是让你学会“弹奏”，更是教你如何去“理解”音乐的内在逻辑。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书对我来说是一个巨大的挑战，但也是一个绝佳的成长平台。里面的某些篇章，即便是以我目前的水平来看，也显得相当复杂和前卫。不过，这恰恰是我最看重的一点——它拒绝平庸。作者似乎很清楚自己的听众群不是那种只想随便弹奏几段旋律的人，而是真正有志于在音乐道路上走得更远的人。书中的一些技术难点，比如快速的指法转换和复杂的节奏型，需要花费大量时间去攻克，但一旦攻克下来，那种成就感是无与伦比的。而且，我发现这本书的排版在处理大跨度的和弦时，布局非常人性化，有效地避免了乐谱拥挤造成的阅读障碍。我建议大家最好配合一些录音资料一同学习，这样能更好地体会到作者在速度、情感表达上所追求的意境。这是一本需要投入精力和时间的“硬核”作品集，但回报绝对是超值的。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我最深的感受是一种深沉而内敛的美学体验。它没有那种哗众取宠的炫技片段，所有的复杂和精妙都内化于旋律的自然流动之中。我尤其钟爱其中几首慢速作品，它们的旋律线条如同行云流水，每一个音符的选择都像是经过了深思熟虑，恰到好处地烘托出一种难以言喻的情感氛围。阅读这本书的过程，更像是在进行一次安静的冥想。它教会我，音乐的力量并非一定要通过巨大的音量或极快的速度来体现，真正的深度往往藏在那些细微的渐强和渐弱之中。对于那些渴望提升自己音乐“品味”的演奏者来说，这本书提供的范例是无可替代的。它提供的不是工具，而是思想。我甚至会花时间只是看着乐谱，不去弹奏，去想象每一个音符在空气中是如何振动的，这种沉浸式的体验，是其他很多音乐书籍无法给予的。它真的让我重新审视了自己对“美”的理解。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我翻开这本书的时候，我的第一印象是“哇，信息量好大！”它不像市面上很多那种只提供简单旋律线的曲集，而是真正深入到了音乐的骨髓里。每一首曲子都经过了非常精心的编排，无论是和声的展开，还是对位法的运用，都体现了作者深厚的音乐功底。我特别喜欢其中几首作品的处理方式，它没有刻意去迎合大众的口味，而是保持了一种独特的艺术追求。对于那些真正想探究音乐结构、想提升自己演奏表现力的乐手来说，这本书提供了绝佳的素材。我花了好几天时间研究其中一首慢板作品的呼吸和力度变化，感觉自己仿佛和作曲家进行了一次跨越时空的对话。书中的注解虽然不多，但每一个都掷地有声，直指核心。这种“留白”的设计，反而给了演奏者巨大的想象空间，让人不得不主动去思考、去探索，而不是被动地接受既定信息。这是一本需要用心去“读”的音乐作品集，绝对值得反复品味。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐爱好者的福音！我一拿到手就迫不及待地翻开了，里面的内容丰富得超乎想象。首先，排版设计就非常用心，不仅清晰易读，而且在一些关键的乐谱旁边，还巧妙地穿插了一些关于作品创作背景的小故事或者演奏技巧的提示。这对于我这样一个业余爱好者来说，简直是如获至宝。我尤其欣赏作者在处理一些复杂和声时的细腻笔触，即便是初学者也能从中领悟到音乐的层次感。而且，书中的曲目选择也很有品味，既有脍炙人口的经典旋律，也有一些相对小众但同样精彩的作品。每次练习其中的一小段，都能感受到那种音乐流淌出来的生命力，让人沉浸其中，忘记了时间的流逝。这本书不仅仅是一本乐谱集，更像是一本音乐的教科书，让我对音乐的理解又上了一个新的台阶。我强烈推荐给所有热爱音乐、想要深入钻研乐理和演奏技巧的朋友们，相信你们一定能从中获得巨大的收获和乐趣。