表演秀系列(第1级古典乐曲) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 南希·菲伯尔兰德尔·菲伯尔... 编

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• 音乐教材

店铺： 土星图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103051344

商品编码：29772487652

开本：16

出版时间：2016-06-01

基本信息

• 商品名称：表演秀系列(**级古典乐曲)
• 作者：编者:(美)南希·菲伯尔//兰德尔·菲伯尔|译者:刘琉
• 定价：29
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103051344

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-06-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：21

内容提要

南希·菲伯尔、兰德尔·菲伯尔编的《表演秀系 列(**级古典乐曲)》为钢琴之旅系列丛书中的“表 演秀系列”配套曲集。“钢琴之旅”系列教材是人民 音乐出版社和美国海伦德公司共同出资合作的图书出 版项目。该套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6 级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类 型分为“精选曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐” 、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“*喜爱的歌 ”等七本。
    

作者简介

南希·菲伯尔与兰德尔·菲伯尔结合了各自作曲家与演奏家的背景，使众多钢琴教师与学生成为其追随者。这对夫妇组合已出版了超过200种的专业图书，其中就包括在世界范围内广受赞誉的“钢琴之旅”系列出版物。 菲伯尔夫妇认为，学习钢琴不仅是为了个人情感的表达与演奏的成功，*重要的是为了发展孩子的音乐创造性与认知能力。这个理念也全面地体现在菲伯尔夫妇的文章、教材以及教学实践中。

目录

欢乐颂(选自《第九交响曲》)
晨曲(选自组曲《培尔·金特》)
婚礼合唱(选自歌剧《罗恩格林》)
《“伦敦”交响曲》主题
号角响起(选自《第二圆号协奏曲》)
丹麦王子进行曲
康康舞曲(选自《地狱中的奥尔菲斯》)
弦乐小夜曲
牧羊人之歌(选自《第六交响曲“田园”》)
音乐术语词典

音乐的殿堂：初探古典乐的奇妙世界 《音乐的殿堂：初探古典乐的奇妙世界》 本书旨在为所有对古典音乐怀有好奇心，或希望系统性地了解西方古典音乐发展脉络的初学者，提供一个既广博又深入的入门指南。我们不会局限于任何单一的曲目集或特定的学习级别，而是将目光投向整个古典音乐的宏伟历史长河，探索不同时期音乐风格的演变，剖析大师们的创作理念，并引导读者建立起一套初级的听赏与鉴赏体系。 第一部分：拨开历史的迷雾——古典音乐的源流与演变 古典音乐的历史犹如一部波澜壮阔的史诗，跨越了上千年的时光。本部分将追溯其根源，并详细梳理其最重要的几个发展阶段。 第一章：中世纪与文艺复兴的曙光（约公元500年—1600年） 我们将从格里高利圣咏的单音音乐开始，探讨早期宗教音乐在西方音乐发展中的奠基作用。随后，进入文艺复兴时期，音乐开始摆脱纯粹的宗教束缚，复调音乐（Polyphony）技术得到飞速发展。 重点内容： 奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）等人的合唱作品。我们着重分析文艺复兴盛期音乐的和谐、平衡感以及对文本的忠实表达。对于此时期的器乐（如维吉纳琴音乐）的萌芽也将进行简要介绍。 第二章：巴洛克时代的辉煌与激情（约1600年—1750年） 巴洛克时期是古典音乐发展的一个重要里程碑。对情感的强烈表达、对复杂对位法的运用以及“固定音高”和“和声功能”概念的成熟，定义了这个时代。 核心主题： 歌剧的诞生（蒙特威尔第的贡献）、协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）形式的确立。 大师聚焦： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的对位艺术——通过分析他的《平均律钢琴曲集》和赋格曲，理解复调音乐的精妙结构；以及乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Händel）对清唱剧的宏大处理。 第三章：古典主义的清晰与平衡（约1730年—1820年） 在巴洛克的复杂性之后，古典主义追求的是清晰的旋律线、明确的结构和更具逻辑性的发展。奏鸣曲式（Sonata Form）成为这一时期最核心的创作框架。 结构革命： 详细解析奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的内在逻辑。 三巨头的贡献： 弗朗茨·约瑟夫·海顿（F.J. Haydn）——“交响曲之父”如何将交响曲发展成固定体裁；沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（W.A. Mozart）——他在歌剧和钢琴协奏曲中展现的完美平衡与情感深度；以及路德维希·凡·贝多芬（L.v. Beethoven）——他如何从古典主义过渡到浪漫主义，为后世开辟了新的道路。 第四章：浪漫主义的奔放与个性（约1815年—1910年） 浪漫主义是对个人情感、自然崇拜和民族精神的极致颂扬。音乐变得更加抒情、和声更加丰富、配器更加庞大。 新体裁的诞生： 艺术歌曲（Lied）的兴起（舒伯特），交响诗（Symphonic Poem）的创新（李斯特）。 情绪的表达者： 探究肖邦（Chopin）对钢琴语言的革新，瓦格纳（Wagner）的“主导动机”理论及其对戏剧音乐的影响，以及德彪西（Debussy）等印象派对传统和声的冲击。 第二部分：聆听的艺术——如何欣赏古典音乐 了解历史背景是第一步，更重要的是学会如何“听”音乐。本部分提供了一套实用的、非技术性的鉴赏工具。 第五章：音乐的“骨架”——结构与形式 对于非专业听众而言，理解音乐的“形状”至关重要。本书将用易于理解的方式解释以下核心概念： 主题与动机（Theme and Motive）： 音乐的“词汇”是如何被构建和发展起来的。 复调与主调（Polyphony vs. Homophony）： 区分多声部线条的交织与旋律与伴奏的分明。 变奏与再现： 为什么同一段旋律会反复出现，但每次听起来又有所不同。 第六章：色彩的描绘——配器与音色 古典音乐的魅力很大程度上来自于乐器的组合与音色搭配。 管弦乐队的家族： 详细介绍弦乐、木管、铜管和打击乐组各自的特点和功能。 乐器法（Orchestration）： 探究不同作曲家如何利用乐器间的对比和融合来创造独特的听觉画面——例如，柴可夫斯基的铜管爆发力与拉威尔的精致木管色彩的对比。 第七章：情感的语言——调性、和声与力度 我们不会深入探讨复杂的乐理，而是侧重于解释这些元素如何影响听众的情绪： 大调与小调： 它们是如何在听觉上引导听众感受到光明或忧郁的。 力度记号（Dynamics）： 从 pp（极弱）到 ff（极强）的动态范围如何被用来构建戏剧张力。 节奏与律动： 区分三拍子、四拍子等基础节奏感，以及复杂节奏（如切分音）带来的听觉冲击。 第三部分：古典音乐的载体——主要体裁解析 古典音乐通过不同的体裁形式得以呈现。本部分将系统介绍几种最常见的音乐体裁，帮助听众在聆听时快速定位音乐的“身份”。 第八章：宏大的叙事——交响曲（Symphony） 交响曲是古典音乐中最具代表性的体裁之一。我们将分析其标准四乐章结构：快板（奏鸣曲式）、慢板（抒情）、小步舞曲/谐谑曲（节奏性）和终曲（辉煌）。选取海顿、莫扎特和贝多芬的代表作作为案例，展示这一体裁如何从早期简单的合奏发展为结构严谨的音乐巨著。 第九章：独奏者的舞台——协奏曲（Concerto） 协奏曲的核心在于“对话”：独奏乐器与整个乐队之间的互动。 结构特点： 探讨协奏曲中独特的呈示部，以及独奏者展示技艺的“华彩乐段”（Cadenza）。我们将对比巴洛克时期（如维瓦尔第）的协奏曲与浪漫主义时期（如勃拉姆斯）协奏曲在情感表达和技术要求上的差异。 第十章：室内乐的亲密对话 室内乐，如弦乐四重奏（String Quartet）和钢琴三重奏，是古典音乐中最精妙的创作形式之一，它要求乐器之间达到完美的配合与交流。我们将重点解析弦乐四重奏（两把小提琴、中提琴、大提琴）的内在逻辑，理解海顿和贝多芬如何将其发展成为“音乐对话的最高形式”。 尾声：通往更深层理解的路径 本书的最终目标是鼓励读者超越被动聆听，进入主动探索的阶段。我们提供了一些建议，引导读者在不同时期、不同风格的作品之间建立联系，从而构建起自己对古典音乐的立体认知框架。古典音乐不是高不可攀的象牙塔，而是充满生命力和无限可能性的声音世界。打开耳朵，去感受那些跨越时空的回响吧。

评分☆☆☆☆☆

我购买任何一本关于古典乐曲的书籍时，心中都会有一个对“美学标准”的底线。这个标准要求乐曲本身必须具备扎实的对位法、精妙的和声结构，以及能够承载深刻情感主题的叙事性。我期待能从这些乐谱中看到作曲家们是如何构建宏大结构、如何运用对位技法来表达冲突与和谐的。然而，这部集子里的曲目，无论从哪个角度去审视，都显得过于“功能性”——它们仅仅是用来填满页面的音符组合，没有一丝令人驻足的哲学思考或强烈的情感爆发。我甚至花了时间去辨认某些乐句，试图从中找到哪怕一丝熟悉的痕迹，比如舒伯特那种如诗般流畅的旋律线条，或者德彪西那种朦胧、色彩斑斓的和声铺陈，但一无所获。它们更像是为了“完成”一本乐谱书的任务而拼凑出来的东西，缺乏灵魂的注入。我需要的是能让我感到‘被挑战’、‘被感动’的音乐，而不是这种机械式的、可以随时被替换的背景声效。

评分☆☆☆☆☆

对我而言，选择一本古典乐谱集，就是在选择一个艺术上的向导。我希望这个向导能带领我走进那些充满智慧和激情的音乐殿堂，去感受历史的重量和人性的光辉。我尤其关注那些在教学实践中被公认为经典的作品，它们往往是经过了数百年听众和演奏家的共同筛选和检验的。我曾经希望这本书能收录一些早期浪漫主义时期那些充满憧憬与惆怅的室内乐改编片段，或者是一些小提琴独奏曲中脍炙人口的练习曲。但这本书给出的曲目选择，仿佛完全避开了音乐史上的任何一个重要转折点。它们太“安全”了，以至于安全到失去了存在的意义。我追求的是那种能让我的演奏技巧和情感表达同时得到提升的曲目，而不是那些仅仅停留在音高和节奏表面的符号堆砌。我最终的感受是，这本乐谱集，不仅没有提供我所期待的那些经典，反而用一堆平庸的替代品占据了我的时间和期待，这对于一个严肃的音乐爱好者来说，是最大的遗憾。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我看到“系列”这个词时，我脑海里浮现的是一套经过精心策划、涵盖不同历史时期和风格流派的完整学习体系。比如，我希望它能系统地介绍从巴洛克到浪漫主义各个重要作曲家的代表作，并配有详尽的演奏提示和背景知识介绍。我期望的“级”划分，是基于技术难度和音乐理解深度的合理递进，能让我清晰地看到自己进步的轨迹。但这部作品集给我的感觉是零散、随意且缺乏内在联系的。我找不到任何一条清晰的脉络，它更像是一堆不同作者、不同时期的、被随意拼凑在一起的片段，强行贴上了“古典”的标签。尝试演奏其中的几首曲子后，我发现它们在和声进行上过于保守，缺乏变化，甚至有些地方的处理显得稚嫩可笑，与我心中那份对“大师之作”的敬畏感背道 বিপর趣。我需要的，是能让我感受到历史厚重感和艺术殿堂的庄严，而不是这种轻飘飘、似乎随时可以被遗忘的填充物。这对于一个有着较高鉴赏标准的读者来说，无疑是一种浪费时间。

评分☆☆☆☆☆

这部乐谱集，坦率地说，完全没有触及我心底对古典音乐那份深沉的向往。我原本期待的是能找到一些贝多芬的奏鸣曲精选，哪怕是巴赫的赋格曲片段也好，能让我沉浸在那个宏大、复杂、充满逻辑美感的音乐世界里。然而，翻开这本书的扉页，映入眼帘的是一些旋律极其简单、结构松散的小品。我试着去寻找那些能展现技巧深度和情感张力的作品，比如肖邦的练习曲那种既是技术挑战又是心灵独白的篇章，但这本书里提供的素材，更像是为初学钢琴的孩子准备的，每一个音符都像是被刻意简化过，失去了原作应有的生命力。我甚至怀疑，编者是否真正理解“古典乐曲”这个词汇所蕴含的分量。我需要的不是‘入门’，而是‘精进’，是能让我指尖在琴键上舞蹈，与大师对话的乐谱。这本书提供的，更像是一份日程表上的背景音乐，平淡无奇，毫无记忆点，更别提能带来心灵的震撼或启发了。它错过了古典音乐的精髓——那种跨越时代的、需要深思熟虑才能完全消化的美感。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本乐谱的体验，简直就像是走进了廉价的旅游纪念品商店，所有东西都光鲜亮丽，但拿在手里却轻得让人心虚。我原以为“第1级”可能意味着它会挑选出最经典、最容易被接受的小品，比如莫扎特的某些小步舞曲或者门德尔松的无言歌中相对简单的部分，这些作品既能让人领略到古典的优雅，又不会在技术上过于苛求。但这部集子里的曲目，我甚至无法在任何权威的音乐文献中找到它们的确切出处，它们更像是某种二度创作的、经过严重稀释的版本，失去了原作的骨架和血肉。这种不确定性，对于追求原汁原味演绎的演奏者来说，是致命的。我更倾向于那些经过严格考证的权威版本，哪怕是再难啃的曲子，也值得我投入精力去钻研。这部书所提供的，是一种对经典艺术的‘二手’体验，它没有提供任何通往原作的桥梁，反而可能误导初学者对古典音乐的认知，让他们停留在这种平庸的表象之中，错失了真正伟大的音乐。