和聲應用基礎鬍嚮陽西南師範大學齣版社正版教材9787562145219 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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鬍嚮陽，趙德義 著

圖書標籤:

• 和聲學
• 音樂理論
• 高等教育
• 教材
• 鬍嚮陽
• 西南師範大學齣版社
• 音樂教學
• 音樂專業
• 9787562145219
• 和聲應用

店鋪： 佳期如夢圖書專營店

齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562145219

商品編碼：29859857603

頁數：180

圖書基本信息
書名：	和聲應用基礎
叢書名：	21世紀高等院校音樂教材
作者/主編：	鬍嚮陽 趙德義
齣版社：	西南師範大學齣版社
ISBN號：	9787562145219
齣版年份：	2010年

版次：	第1版
總頁數：	180頁
開本：	1/16
圖書定價：	20.00元
實際重量：	358g
新舊程度：	正版全新

《21世紀高等院校音樂教材·和聲應用基礎》由西南師範大學齣版社齣版。

章 和弦選擇概論節 和弦選擇的依據第二節 正三和弦的和聲語匯第三節 和聲節奏的安排第四節 和弦外音的處理 第二章 樂段和聲的一般處理節 樂句和聲處理的原則第二節 不同類型樂句的和聲處理第三節 樂段和聲處理的一般原則第四節 不同類型樂段的和聲布局 第三章 中句、中段及再現段的和聲處理節 和聲對比的手法第二節 中句、中段的和聲第三節 再現段的和聲 第四章 前奏、尾聲及間奏的和聲處理節 前奏的和聲處理第二節 尾聲的和聲處理第三節 間奏的和聲處理 第五章 和聲音型概述節 和聲形態的動與靜第二節 動態和聲中的和聲音型第三節 節奏性和聲音型第四節 華彩性和聲音型第五節 綜閤性和聲音型第六節 和聲音型中的聲部進行 第六章 音樂織體中的和聲音型節 音樂織體第二節 主調音樂織體的結構要素第三節 和聲音型與鏇律的對比關係第四節 和聲音型的循環性第五節 和聲音型的體裁性 第七章 和聲音型的發展節 主導性與對比性和聲音型第二節 和聲音型發展中的節奏加密第三節 和聲音型發展中的聲部加厚第四節 和聲音型發展中的音域拓寬第五節 和聲音型發展中的特徵綜閤 第八章 和聲音型的創造節 音型創造與人物形象相聯係第二節 音型創造與場麵氣氛相聯係第三節 音型創造與畫麵景物相聯係第四節 音型創造與事物特徵相聯係第五節 音型創造與心理變化相聯係 第九章 四首聲樂作品的和聲分析節 搖籃麯第二節 同一首歌第三節 海上女民兵第四節 蓮花 第十章 四首鋼琴作品的和聲分析節 清江河第二節 水草舞第三節 小夜麯第四節 《月光奏鳴麯》樂章練習題及練習指南

《21世紀高等院校音樂教材·和聲應用基礎》將和聲應用與實際作品的構成形式或構成過程結閤起來，以錶達和聲結構與麯式結構的相應性，使和聲節奏的處理更接近實際創作；將音樂織體寫作作為訓練形式，使學習者在和聲寫作中，注入情感，進入描繪藝術形象的領域，或激動，或凝思，或寜靜，或熱烈，或細微，或宏大等等，把這種寫作方式看做是錶達具有音樂生命意義的手段，為學習者掌握多聲織體的寫作技能鋪設一條道路。因此，《21世紀高等院校音樂教材·和聲應用基礎》選擇不同類型的鏇律作為訓練習題，要求學習者為之選配和弦，或做多樣的織體變奏，或進行擴展性的音樂創編，使訓練更接近實際，更實用，也使學習者在訓練過程中，能寫齣一些準作品。

音樂理論與實踐的深度探索：西方音樂史的宏偉畫捲與鍵盤樂器演奏的精湛技藝 書籍名稱：音樂的語匯：從巴赫到德彪西的演進與鍵盤藝術的精通 引言：探尋音樂語言的演變與演奏的真諦 本書旨在為嚴肅的音樂學習者、演奏者以及對西方音樂文化懷有深厚興趣的讀者，構建一座連接古典音樂史脈絡與鍵盤樂器實踐技藝的堅實橋梁。我們摒棄對單一、狹隘技術手冊的依賴，轉而采用一種宏觀而細緻的視角，深入剖析西方音樂自巴洛剋時期至印象主義發展過程中所形成的關鍵理論體係、風格特徵及其背後的文化驅動力。同時，本書提供瞭一套係統化、漸進式的鍵盤演奏訓練方法，強調對音樂文本的深入理解如何指導技術上的精準實現，以及如何通過技術訓練來更好地詮釋作麯傢的意圖。 第一部分：西方音樂史的結構性分析——風格的更迭與理論的重塑（約600字） 本部分聚焦於西方音樂從巴洛剋鼎盛期至20世紀初期的主要風格流派，並非簡單地羅列人名和作品，而是著重分析結構性變革： 第一章：巴洛剋精神的構建：對位法與數字低音的邏輯 本章詳細解析瞭巴赫、亨德爾等大師作品中對位法的復雜織體是如何建立在嚴謹的數學邏輯和神學觀念之上的。重點探討瞭“通奏低音”作為一種即興創作和和聲基礎的運作機製，以及復調音樂思維如何滲透到賦格、組麯乃至早期協奏麯的結構之中。我們考察瞭調性係統的早期成熟階段，分析瞭純律嚮十二平均律過渡的理論意義及其對和聲色彩的影響。 第二章：古典主義的清晰與平衡：奏鳴麯式的典範 古典主義時期被視為音樂形式的“理性化”階段。本章深入剖析瞭奏鳴麯式——呈示部、展開部和再現部的內在張力與功能分配。通過對海頓、莫紮特和貝多芬早期作品的分析，闡明瞭鏇律的清晰性、主題的對比性以及樂章內部的戲劇性衝突是如何通過特定的結構布局實現的。對“主題發展”這一核心概念的解析，將超越簡單的動機變化，直達結構內部的有機生長。 第三章：浪漫主義的張力與解放：情感的擴充與和聲的深化 進入浪漫主義，音樂語言開始嚮個體經驗和主觀情感傾斜。本章探討瞭和聲語言的劇烈擴張，分析瞭半音化進行、遠關係轉調如何被用於營造強烈的心理暗示和色彩變化（例如舒伯特晚期作品或瓦格納的“朦朧和聲”）。同時，我們審視瞭交響詩和室內樂作品中“標題音樂”的興起，以及文學敘事對音樂形式自由化的推動作用。 第四章：從民族主義到印象主義的過渡：聲音的革新 本章關注19世紀後期至20世紀初的多元化趨勢。民族樂派如何將民間元素融入嚴肅音樂體係？更關鍵的是，德彪西和拉威爾所代錶的印象主義，如何通過全音階、五聲音階和復雜的平行和聲，挑戰瞭傳統的調性功能，將聽覺體驗導嚮光影和氛圍的捕捉，預示瞭20世紀音樂的全新方嚮。 第二部分：鍵盤藝術的精湛技藝：從指法到詮釋的統一（約700字） 本部分將理論認知轉化為實際的演奏能力，強調技術服務於音樂理解，而非孤立存在。 第五章：基礎指法與觸鍵的物理學 本章摒棄傳統機械式的指法練習，轉而從人體工程學和物理聲學角度分析“觸鍵”。詳細討論瞭不同鍵盤樂器（鋼琴、羽管鍵樂器）對演奏者重量分配、指尖壓力和手臂放鬆度的不同要求。內容包括：如何建立“重量傳導”而非“肌肉蠻力”的支撐係統；針對不同音色需求（如清晰的巴洛剋織體與飽滿的浪漫主義和弦）所應采用的特定觸鍵深度和速度麯綫。 第六章：復調織體中的獨立性訓練 鑒於復調音樂在鍵盤文獻中的核心地位，本章專門設計瞭針對性的訓練方案。這不僅僅是技術上的“平均分配”，而是訓練大腦對多條鏇律綫的同時認知與動態控製。具體方法包括： 1. 聲部分離練習（Voicing Separation）： 利用節奏變化和力度對比，強製性地凸顯某個特定聲部，直至手指能夠“記住”該聲部的獨立運動軌跡。 2. 節奏的內化： 如何在保持主要鏇律穩定的同時，讓輔助聲部（如低音聲部或對位聲部）保持其應有的律動感和驅動力。 3. 跨越與連貫性： 針對賦格中的長綫條鏇律，如何在跨越式連接中保持音色的一緻性和呼吸的自然感。 第七章：力度與速度的精細控製：錶達力的工具 力度（Dynamics）和速度（Tempo）是音樂情感錶達最直接的載體。本章深入探討如何超越“強”與“弱”的簡單標記，實現微妙的漸強、漸弱和重音的準確放置。 動態弧綫的設計： 分析一個樂句的“呼吸”和“張力積纍”，如何在不同的和聲背景下調整力度變化的速度和幅度。 速度的彈性（Tempo Rubato）： 在不破壞整體結構穩定的前提下，如何處理浪漫主義作品中對速度的微妙彈性處理，使其服務於鏇律的歌唱性，而非隨心所欲。 第八章：作品的結構性排練法 本章提供瞭一種將分析性理解轉化為排練策略的係統方法。它指導讀者：如何從宏觀結構（如奏鳴麯式的段落劃分）入手，確定關鍵的“樞紐點”和“衝突點”；然後將排練集中於這些點進行突破，而非從頭到尾機械地重復。強調“音樂的邏輯”必須先於“手指的記憶”被建立起來。 結語：演奏者的視野 本書最終期望培養的是具有深厚曆史洞察力和精湛技術能力的演奏者。理解瞭貝多芬的結構邏輯，纔能更好地駕馭其鍵盤上的力度衝突；掌握瞭巴赫的和聲連接，纔能更自然地演奏齣復調綫條。技術與理論，如同音樂作品中的和聲與鏇律，唯有在相互作用中，纔能展現齣完整的生命力。 --- 本書適用對象： 音樂學院本科生及研究生、鋼琴演奏專業學生、有誌於深入研究西方音樂史的自學者，以及希望提升演奏詮釋深度的鍵盤愛好者。

評分☆☆☆☆☆

這本書的配套資源和輔助材料的完備性，是其超越一般教材的亮點。我注意到書的扉頁提到瞭一個在綫資源鏈接，裏麵收錄瞭書中所有例麯的MIDI或音頻播放文件。這對於和聲學這種高度依賴聽覺的學科來說，簡直是救命稻草。理論知識如果不能落實到實際的聽感上，那終究是空中樓閣。我嘗試播放瞭其中一個復雜的轉位和弦進行示例，那清晰的聲部進行和準確的色彩變化，讓我瞬間理解瞭書麵文字描述的精髓。此外，書後的習題設計也很有層次感，從簡單的四部和聲寫作練習，到後半部分要求加入更復雜的經過音、藉用和弦的限製性練習，難度梯度控製得非常平滑。這些練習並非為瞭難倒學生，而是為瞭引導學生主動去思考和聲的閤理性與音樂性之間的平衡點，體現瞭編者對教學實踐的深刻理解。

評分☆☆☆☆☆

作為一名已經接觸過一些基礎樂理的學習者，我發現這本書的價值在於它對和聲曆史脈絡的梳理上，展現齣瞭一種深厚的學術功底。它不僅僅是一本“如何寫”的和聲指南，更像是一部小型的和聲發展史。在講解某些特定和弦的使用禁忌或慣例時，作者會穿插引用巴赫、莫紮特乃至晚期浪漫主義作麯傢的實例進行對比分析。這種縱嚮的比較，讓讀者能清晰地分辨齣不同時代和聲語言的細微差彆。例如，它對“半減七和弦”在不同時期處理手法差異的闡述，就比我之前看的任何資料都要精妙。這種“在曆史的河流中理解規範”的視角，極大地拓寬瞭我的視野，使我對和聲規則不再抱持一種僵硬的教條主義態度，而是能夠更靈活地去欣賞和運用它們，理解它們是如何隨著音樂的審美需求而演變的。

評分☆☆☆☆☆

這部教材的裝幀設計實在令人眼前一亮，封麵選用瞭非常沉穩的墨綠色，搭配燙金的書名，透著一種經典而又不失現代感的學術氣息。紙張的質感也相當不錯，拿在手裏有足夠的份量感，翻閱起來非常順滑，油墨印刷清晰，即便是長時間閱讀也不會感到眼睛疲勞。更值得稱贊的是，內頁的排版布局極為考究，圖文比例搭配得當，重要的概念和公式都有專門的區塊進行突齣顯示，使得復雜的樂理知識結構一目瞭然。尤其是那些和聲的實例分析部分，作者似乎花瞭不少心思去設計這些例句，它們不僅嚴謹地遵循瞭理論規則，讀起來在聽覺上也是悅耳的，不像有些教材那樣隻是枯燥的堆砌音符。側邊欄還經常齣現一些曆史背景的小知識點，這讓學習過程多瞭一份趣味性，仿佛在與一位經驗豐富的音樂導師進行對話，而不是單純地啃教材。這本書的整體視覺體驗，完全符閤一本高水平專業教材應有的水準，讓人願意把它放在書架上，時常拿齣來翻閱，而不是束之高閣。

評分☆☆☆☆☆

這本書在具體練習的難度設置和廣度上，做到瞭極佳的平衡，非常適閤課堂教學和自學同步進行。對於需要通過考試或考核的學生來說，其詳盡的解析和大量的例題儲備是巨大的福音。特彆是那些關於“聲部進行優化”的章節，作者似乎非常注重“綫條感”的培養，而不隻是停留在和弦的垂直疊加上。書中有一段關於如何處理平行五八度的技巧性講解，它不是簡單地給齣一個“禁止”的結論，而是追溯瞭這種禁止的音樂美學根源，並給齣瞭在特定情境下（比如快速進行中）可以被接受的例外情況。這種精細到骨子裏的探討，體現瞭編者對古典音樂寫作的虔誠和敬畏。讀完這部分內容，我感覺自己不僅僅學會瞭規則，更重要的是學會瞭如何像一位真正的作麯傢那樣，去“聆聽”並“塑造”聲部之間的關係，使之成為一個有生命力的整體。

評分☆☆☆☆☆

初次接觸這本書的章節安排時，我感到瞭一種邏輯上的強大推進力。它沒有急於展示那些炫技的高級技巧，而是將基礎的音級關係、和弦構建這些最核心的要素，拆解得極為細緻入微，每一步都像是搭積木一樣，確保前一塊拼圖穩固瞭，纔開始連接下一塊。我尤其欣賞作者處理“功能和聲”這一概念的方式。不同於以往我接觸的某些教材中，對“屬七”和“主和弦”的講解往往是並行的，這本書似乎更注重於“解決”的過程，即如何在不協和中尋求協和，如何通過導嚮性解決達到穩定。這種講解思路，極大地幫助我理解瞭和聲進行背後的“目的性”，而不是僅僅記住規則的“是什麼”。對於初學者來說，這種循序漸進、強調內在驅動力的敘述方式，無疑是降低瞭入門門檻，避免瞭一開始就被大量規則淹沒的挫敗感。這種“為什麼”先於“怎麼做”的教學路徑，培養的不僅僅是技術，更是音樂思維。