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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549552016

商品编码：29867363232

丛书名： 中国合唱作品精选 民歌卷(2)

出版时间：2014-06-01

 

• 版 次：1
• 页 数：149
• 字 数：150000
• 印刷时间：2014-6-1
• 开 本：大16开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：平装

 

 

 

目录 简谱部分
1.在那银色的月光下（混声无伴奏合唱）
2.掀起你的盖头来
3.阿拉木汗
4.蓝花花（无伴奏合唱）
5.三十里铺（领唱与无伴奏四部合唱）
6.赶牲灵（无伴奏合唱）
7.小白菜（无伴奏女声四部合唱）
8.茉莉花（混声三部无伴奏合唱）
9.龙船调（混声合唱）
10.花大姐
11.李有松（混声合唱）
12.云飞天不动（无伴奏混声四部合唱）
13.十大姐（混声合唱）
五线谱部分
1.在那银色的月光下（混声无伴奏合唱）
2.掀起你的盖头来
3.阿拉木汗
4.蓝花花（无伴奏合唱）
5.三十里铺（领唱与无伴奏四部合唱）
6.赶牲灵（无伴奏合唱）
7.小白菜（无伴奏女声四部合唱）
8.茉莉花（混声三部无伴奏合唱）
9.龙船调（混声合唱）
10.花大姐
11.李有松（混声合唱）
12.云飞天不动（无伴奏混声四部合唱）
13.十大姐（混声合唱）

 

 

内容推荐 《中国合唱作品精选(民歌卷2)(双谱版)》面向广大合唱爱好者和有音乐基础的业余合唱队。选编的合唱曲均为耳熟能详、推广、传唱较多的版本。此套乐谱较其他社出版的同类书优势在于：1.把不同风格种类的合唱谱分册收编，尽可能把分散的广为流传歌曲或乐谱难寻的热门歌曲收集起来、扩大了曲目量，让读者一目了然，避免了同一本书拥有多种种类的混乱状态。2.在同一本书里，每首歌都有简谱和线谱对照方便选择，适合不同演唱者的读谱需要。避免了其它合唱谱只有线谱或只有简谱，甚或简、线谱分别成册使用上的麻烦。3.每首乐谱后附排练提示，让歌者准确、快速地把握乐曲风格、排练要点，追求更好的合唱效果。  

 

深入探索世界音乐的瑰宝：一部跨越时空的音乐之旅 书籍名称： 《环球音乐宝典：从巴洛克到二十世纪的交响诗篇》 图书简介： 本书是一部旨在全面、深入地梳理和解读世界音乐发展脉络的恢弘巨著。它并非专注于某一特定区域或单一题材，而是以广阔的视野，带领读者进行一场跨越数个世纪、横跨五大洲的音乐探索之旅。我们旨在构建一座连接过去与现在的音乐桥梁，让读者得以领略从十六世纪文艺复兴的澄澈到二十世纪末复杂多变的音乐图景。 全书共分六大部分，结构严谨，内容详实，力求在学术深度与可读性之间取得完美的平衡。 第一部分：西方音乐的奠基与初曙——中世纪至巴洛克时期（约500年-1750年） 本部分聚焦于西方古典音乐体系的形成与早期辉煌。我们从格里高利圣咏的单音性特征入手，逐步剖析复调音乐的萌芽与发展，重点阐述了奥尔加农、经文歌的演变。随后，我们将笔墨转向文艺复兴时期，探讨了佛兰德学派的精妙对位技法，以及如帕莱斯特里纳和拉索等大师的宗教音乐贡献。 重点章节将深入剖析巴洛克时期（1600-1750）的革命性意义。我们将详细分析“数字低音”的实际操作与理论基础，解析歌剧艺术在意大利佛罗伦萨的诞生及其在蒙特威尔第作品中的早期形态。巴洛克音乐的精髓——对位法，将在巴赫的《赋格的艺术》中得到极致的展现，本书将提供细致的声部线条分析。此外，亨德尔的清唱剧、维瓦尔第的协奏曲体裁规范，都将作为核心案例进行深度剖析，揭示这一时期音乐中蕴含的强烈的戏剧性、装饰性和结构理性。我们还将探讨早期键盘乐器（如羽管键琴）在这一时期的重要地位及其演奏技巧的演变。 第二部分：古典主义的黄金时代与理性之光（约1750年-1820年） 古典主义时期是音乐形式臻于完善的阶段。本部分着重阐述了奏鸣曲式、回旋曲式、三部曲式在这一时期的标准化进程。我们细致考察了“维也纳古典乐派三杰”——海顿、莫扎特和贝多芬——的创作贡献。海顿如何将交响曲从早期的四乐章结构确立为成熟的典范？莫扎特在歌剧创作中如何完美融合人性洞察与音乐的优雅？贝多芬如何通过引入更宏大的戏剧冲突和更富个性的表达，为浪漫主义埋下伏笔？本书将通过对他们关键作品的乐章结构和和声语言的解析，呈现古典主义音乐的清晰、平衡与逻辑之美。 第三部分：浪漫主义的激情与个性解放（约1820年-1900年） 浪漫主义是音乐史上最富情感色彩的篇章。本部分探讨了工业革命、民族主义思潮对音乐创作的深刻影响。我们分析了舒伯特歌曲的诗意表达、肖邦对钢琴独奏曲的革新，以及李斯特对“交响诗”这一全新体裁的创立。 核心内容将集中在大型交响作品和歌剧的史诗性发展上。瓦格纳的“主导动机”理论及其对音乐戏剧的颠覆性重构；威尔第在意大利歌剧中对人物心理的刻画；以及勃拉姆斯在坚持古典结构与追求浪漫情感之间所做的精妙平衡，都将是重点研究对象。同时，本书也将探讨十九世纪后半叶民族乐派的兴起，如俄国五人组、德沃夏克、格里格等，他们如何从本土民间音乐中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的音乐语言。 第四部分：世纪之交的冲突与探索——后浪漫主义与印象主义（约1890年-1920年） 随着音乐语言的日益饱和，二十世纪的曙光带来了深刻的变革。本部分讨论了后浪漫主义的过度扩张与瓦解。马勒和施特劳斯的交响诗和交响曲，如何将配器技术推向极限，并探寻存在的哲学命题？ 紧接着，我们将详细介绍法国印象主义音乐的兴起。德彪西如何运用模糊的和声色彩、全音阶和五声音阶，在听觉上模拟光影的流动？拉威尔如何以其精湛的配器技艺，将“印象”具象化？本书将对比分析德奥晚期浪漫主义的“纵向拓展”与法国印象主义的“横向色彩”区别，解释音乐如何从“叙事”转向“感受”。 第五部分：二十世纪的革命浪潮——现代主义的多元探索（约1900年-1950年） 这是音乐史上最动荡、最多元化的时期。本部分是全书的重点之一。我们将系统梳理从调性瓦解开始的几大主要流派： 1. 表现主义与十二音体系： 详细解析勋伯格的“十二音列”技法，以及其对传统和声的彻底颠覆，分析韦伯恩和贝尔格如何继承并发展了这一体系。 2. 原始主义与新古典主义： 斯特拉文斯基的《春之祭》如何以其野性的节奏和不协和音响，震惊了世界？我们将剖析其结构分析，并探讨他对回归巴洛克、古典简洁性的新古典主义倾向。 3. 其他实验： 探讨巴托克对民间音乐的田野考察与融合，以及法西（Les Six）的回归简朴风格。 第六部分：战后至当代的音乐景观——实验、电子与极简主义（约1950年至今） 本书最后一部分关注战后音乐的全球化与技术革命。我们探讨了声音的拓宽——从具象音乐（Musique Concrète）到电子音乐（Elektronische Musik）的诞生与发展，分析了斯托克豪森等先驱的工作。 同时，本书对极简主义（Minimalism）的兴起进行了深入分析，探讨了赖希、格拉斯等作曲家如何通过材料的重复、渐变和叠加，创造出令人着迷的、面向时间的音乐体验。最后，本书将触及当代音乐对非西方音乐元素（如印度拉格、印尼加美兰）的吸收，以及音乐边界的持续模糊化，展望未来音乐可能的发展方向。 本书特点： 结构清晰的分析框架： 每位作曲家的重要作品均配有详细的结构图和和声功能分析。 历史语境的还原： 不将音乐孤立看待，而是置于其所处的政治、社会和技术背景下进行解读。 丰富的图表与示例： 包含大量乐谱片段插图和时间轴，辅助读者理解复杂的音乐演变过程。 《环球音乐宝典》不仅是音乐专业学生的必备参考书，更是所有热爱音乐、渴望深度理解人类艺术成就的普通读者的理想伴侣。它提供的不只是“听”的指导，更是“理解”的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这本书的期望值本来就不算特别高，毕竟市场上这类“精选”作品集常常伴随着各种各样的编配问题，但这本《歌唱书籍 中国合唱作品精选民歌卷2》在实际应用层面上的不足，还是超出了我的预料。我买它主要是为了获取那些经典民歌的权威或至少是可信赖的声乐版本，希望能用于合唱团的排练或者我个人的艺术处理。然而，拿到乐谱后，我发现很多地方的标记都非常模糊不清，或者干脆就是缺失了。比如，在处理一些具有地方色彩浓郁的颤音或装饰音时，书上仅仅是一个简单的音符，没有任何关于“如何处理”的注释，这对于不熟悉特定民歌风格的演唱者来说，简直是灾难。更不用提和声处理了，作为“精选”集，如果不能提供扎实且适合合唱的声部配置，那它的参考价值就大打折扣了。我对比了几个熟悉的选段，发现这里的和声进行有时显得过于单薄，缺乏必要的厚度和层次感，尤其是在需要宏大效果的段落，听起来总觉得少了点什么。而且，排版上的小错误也时有发生，有几处反复出现的节奏标记错误，如果不是我仔细核对过多个版本，很可能就会在排练时造成混乱。总而言之，它更像是一个匆忙拼凑起来的初稿，而不是一个经过专业编辑、反复推敲的正式出版物。对于合唱指导老师来说，这本书大概只能作为一张草图或者一个讨论的起点，想要直接拿来使用，那必须花费大量额外的时间去修正和重新设计，这完全违背了购买“教程”的初衷——省时省力，获得标准范本。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和设计的美学角度来说，这本书也流露出一种明显的时代脱节感。虽然内容才是核心，但对于一本声乐学习工具而言，其易用性和视觉引导同样重要。这本书的封面设计显得极其保守和老气，缺乏现代设计的美感，仿佛是上世纪八九十年代的印刷品风格，这对于吸引年轻一代的学习者来说，是一个不小的障碍。更重要的是，内部的图文编排缺乏现代教材应有的互动性和可视化元素。在讲解气息、共鸣腔体等抽象概念时，书中的插图少得可怜，而且质量不高，很多示意图过于简单化，甚至可以说是误导性的。比如，它试图用一个模糊的剪影来解释横膈膜的运动，但那个图像根本无法清晰地展示肌肉群的实际工作状态。一个好的声乐教材应该大量运用清晰的解剖图、流程图和对比图表来辅助讲解复杂的生理过程，让读者能够“看见”声音的产生。这本书在这方面做得非常不到位，完全依赖读者的想象力去构建声乐机制的画面，这无疑增加了学习的难度和不确定性。总而言之，这本书在内容深度、应用指导和视觉呈现上都存在着严重的短板，与其自诩为“正版唱歌教材”，不如说是对声乐教学资源的一种资源浪费。

评分☆☆☆☆☆

从纯粹的“教材”角度来看，这本《歌唱书籍》简直是一场灾难性的阅读体验。我并不是一个科班出身的声乐学习者，但我对音乐理论和实践有着持续的热情，我希望能通过系统化的读物来填补我知识体系中的空白。这本书试图构建一个从基础到进阶的学习路径，但它的逻辑跳跃性太大了。前一页还在讲解最基础的发声器官位置，下一页突然就开始讨论某种复杂的歌剧美声技巧，中间完全没有平滑过渡，让人感觉像是在攀爬一座陡峭且没有梯子的悬崖。这种编排方式，对于初学者来说是极其不友好的，很容易造成知识的断裂感和挫败感。它没有提供任何有效的自我检测机制，比如，读完某个章节后，读者应该如何判断自己是否真正掌握了该部分的要点？书中没有附带任何音频材料——这在当代声乐教材中几乎是不可想象的失误。没有声音的引导，文字描述再精妙也只能停留在“纸上谈兵”的层面。一个声乐教程的灵魂在于“听”与“模仿”，而这本书在这方面完全失职，它把一个极度依赖听觉和实践的学科，硬生生地变成了一本纯粹的文本阅读材料。我尝试去想象一个完全没有老师指导的人，拿着这本书试图学习唱歌，我只能得出结论：那个人最终会感到迷茫、受挫，并且可能养成一些难以纠正的发声习惯。出版商在发行此类书籍时，难道不应该考虑一下读者的学习曲线和实际需求吗？

评分☆☆☆☆☆

这本书的“民歌卷2”这个定位也让人费解，它所选取的曲目范围似乎非常局限，而且所谓的“精选”标准也令人疑惑。我期待的是一个涵盖中国地域广阔、风格多样的民歌宝库，能体现出不同声区、不同情感表达方式的精品集合。但实际内容感觉更像是作者个人偏好或特定地区曲目的堆砌，缺乏一种宏观的、具有学术价值的甄选眼光。例如，很多脍炙人口、具有极高艺术价值的经典民歌在书中被一笔带过，而一些相对冷门、甚至可能存在争议性改编的版本却占据了显著篇幅。这种选择上的偏差，使得这本书作为一本“民族声乐教程”的代表性大打折扣。我们需要的不仅仅是歌谱，更是关于这些民歌背后文化背景、历史流变、以及最佳演唱处理手法的阐释。这本书在文化解读方面几乎是空白的，它把这些承载着民族情感和历史记忆的音乐作品，仅仅当作一堆可以被随意改动的音符来对待。对于想要深入挖掘中国民族声乐精髓的学习者来说，这本书提供的帮助微乎其微。它更像是一份粗略的歌目清单，而不是一本深入研究的“精选”指南。如果想系统学习中国民歌的演唱艺术，我更倾向于寻找那些有详尽注释和文化背景介绍的学术性出版物，而不是这种显得有些敷衍的“演唱教材”。

评分☆☆☆☆☆

这本所谓的“歌唱书籍”简直让人啼笑皆非，我本来是抱着极大的热情期待能找到一些真正能提升我演唱技巧的干货，结果拿到手发现，内容空洞得像一个精美的空壳。翻开扉页，那印刷质量倒是过得去，字体排版也算规整，但一旦开始阅读，问题就层出不穷了。书里充斥着大量陈词滥调，什么“保持气息的稳定”、“声音要打开”这类话术，几乎在任何一本初级声乐入门教材里都能看到，毫无新意可言。更令人气恼的是，对于如何具体操作这些理论，这本书几乎没有提供任何可行的练习方法或步骤指南。比如，当它提到“处理高音的穿透力”时，读者需要的应该是详细的口型示范、舌位调整的图示或者针对特定音区的小练习片段，但这本书里除了空泛的形容词，剩下的就是一些我根本用不上的、理论得有点脱离实际的术语堆砌。我试着跟着书中的某些“指导”练习了几次，结果发现完全是南辕北辙，不仅没有改善我的发声问题，反而让我对自己原有的良好习惯都产生了怀疑。如果作者想写一本面向大众的科普读物或许还行，但既然冠以“精选”、“教程”之名，就应该拿出真材实料，而不是拿这些华而不实的文字来糊弄求知若渴的歌者。我严重怀疑作者本人是否真正理解声乐教学的复杂性和精微之处，或者说，他/她是否真的具备将复杂技巧转化为易懂步骤的能力。对于一个真正想在歌唱上有所突破的人来说，这本书的价值几乎为零，我宁愿花时间去听一些高水平的演唱录音，从中揣摩和模仿，效率都比啃这本书高得多。