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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 现代出版社

ISBN：9787514317169

商品编码：29867383080

丛书名： 吉他入门教程

出版时间：2014-01-01

 

 

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目录 第I章 初级入门基础篇
第二章 基础乐理知识篇
第三章 弹奏初级入门篇
第四章 和弦与调的综合篇
第五章 歌曲弹唱实战篇

 

内容推荐 《吉他初学者的第I本教材：吉他入门教程》是一本初级入门与提高的实用教材，内容写作方式由浅入深、图文对照，详细地讲解了歌曲音阶的弹奏方法并运用了大量的歌曲范例和音阶模式，使无基础的吉他爱好者们能轻松地掌握歌曲的旋律与弹奏技巧；其次讲解了和弦与右手节奏的配合，为弹奏歌曲奠定了基础；书中曲目部分选取近两年来的流行歌曲与网络歌曲的谱例，采用实践与弹唱相结合的方法，使吉他爱好者能够轻松自如地掌握歌曲中的弹唱方法。此外，《吉他初学者的第I本教材：吉他入门教程》还全面介绍了各种常用调，并采用大量的图片讲解和新颖的歌曲编配手法，让读者更容易学会弹吉他。 作者简介 马振宇，中国吉他教育家、演奏家，自由音乐人，黑龙江省齐齐哈尔市时代摇滚艺校校长。自幼酷爱音乐，多年钻研古典吉他、民谣吉他、电吉他等乐器。自1998年从事教学以来，主要以自己撰写的内部教材为教学内容，经过8年的磨练，积累了丰富的教学经验，2004年，开始专注出书。  

 

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乐器演奏艺术的殿堂：一部面向所有音乐爱好者的深度指南 专为追求卓越的音乐学习者打造 本书并非专注于吉他入门的基础教学，而是将目光投向了更广阔的乐器演奏领域，为那些已经掌握了基础技巧，渴望在音乐表达上实现质的飞跃的演奏者，提供一套系统化、深入且极富启发性的训练体系。本书旨在超越“如何弹奏”的层面，深入探讨“如何真正地演奏”的艺术哲学与实践方法。 第一部分：演奏的哲学基石——超越指法的精微洞察 本部分着重于构建演奏者强大的内在驱动力和对音乐的深刻理解。我们相信，真正的技巧是服务于表达的，而非反之。 一、对音乐文本的深度解析与重构 我们不会教授如何识别六线谱上的音符，而是探讨如何解读作曲家的意图，以及如何在遵循原作精神的同时，注入演奏者个人的声音。内容涵盖： 和声的色彩学与情绪引导： 探讨复杂和弦（如九和弦、十一和弦、挂留和弦）在不同音乐风格中的功能性差异。学习如何通过细微的和声选择，瞬间改变一段旋律的情绪走向，从忧郁的次属和弦到充满希望的增六和弦，每一组音的组合都蕴含着叙事的力量。 节奏的层次构建： 深入分析复节奏（Polyrhythm）和不规则拍号（如7/8、11/16）在现代音乐中的应用。探讨如何通过对重音、休止符的精妙处理，使原本平直的节奏产生流动感和张力。这部分会辅以大量古典、爵士和实验音乐中的范例，教授读者如何“听见”并“感受”到节奏的内在脉络。 旋律线的雕塑艺术： 讨论乐句的呼吸点、高潮的建立与释放。我们将分析巴赫赋格曲的线性逻辑、肖邦夜曲的歌唱性线条，并将其原理迁移至独奏乐器演奏中，指导学习者如何将一系列音符组织成具有明确起承转合的“音乐句子”。 二、触键的物理学与声学原理 本章深入探究演奏动作与最终音色之间的物理关系，旨在帮助演奏者像声学工程师一样思考自己的身体。 触弦的效率优化： 摒弃笼统的“用力均匀”的指导，转而探讨不同手指角度、接触面积、拨弦速度对泛音结构的影响。例如，分析使用指甲侧面与指腹接触琴弦时，所产生的不同频谱能量分布，并指导如何在电子设备或录音棚环境中，最大限度地保留这些细微的音色差异。 共振腔的激活： 探讨乐器（无论是木质还是电声乐器）的共振特性。分析演奏者身体姿态、持琴角度如何影响乐器的物理振动模式。对于木质乐器，我们将讨论如何通过调整身体重量的分布来“唤醒”乐器的特定频率。 动态控制的极限探索： 专注于超弱（pppp）到超强（ffff）之间的音量微调技术。这不仅是力度控制，更是一种对能量传递效率的精确把控，涉及触弦瞬间的肌肉张力释放和粘滞度调节。 第二部分：风格的融汇与个人声音的塑造 掌握了基础技巧后，真正的挑战在于如何穿透既有的风格壁垒，形成独特的艺术标识。 三、跨越流派的技法迁移 本书认为，优秀的演奏者能够将不同音乐领域的精髓融会贯通。 古典指法在现代音乐中的应用： 探讨二十世纪和当代音乐中大量使用的高难度琶音、快速音阶跑动和复杂双音技巧的起源，追溯其在李斯特或德彪西作品中的根源，并指导如何将这些精密的指法应用于布鲁斯即兴或前卫摇滚的演奏中。 即兴的结构化训练： 从爵士乐的和声进行分析（如II-V-I的变奏）出发，探讨“结构化即兴”的思维模式。这包括如何围绕特定动机进行发展、如何利用预先设计好的节奏片段来支撑自由的旋律构思，以及如何构建一个长篇独奏的叙事弧线。 世界音乐的律动与调式： 介绍印度拉格（Raga）的升降音处理（微音程），以及中东马卡姆（Maqam）的调式特性，并教授如何将这些异域元素有机地融入到西方调性体系的演奏中，拓宽音响的边界。 四、即时创作与演奏中的心理调适 演奏的最高境界往往出现在不受拘束的现场或录音环境中，这要求演奏者具备强大的心理素质和即时决策能力。 “心流”状态的诱导与维持： 介绍神经科学中关于专注力的研究，并提供一系列基于呼吸控制和运动预演的练习方法，帮助演奏者在关键时刻快速进入高效的“心流”状态。 失败的艺术： 探讨在演奏失误发生时，如何利用“即时修正”和“风格化包装”来避免中断，甚至将错误转化为新的、意想不到的音乐元素。这部分鼓励演奏者拥抱不完美，将其视为探索未知领域的契机。 与听众的无声对话： 深入分析舞台表演的能量交换。学习如何通过眼神、肢体语言以及音乐的动态变化，与听众建立非语言的沟通桥梁，使听众成为演奏的共同创造者。 第三部分：技术的高级精炼——专业级的实践方案 本部分为那些追求“完美无瑕”或“极致爆发力”的演奏者设计，专注于细节的打磨。 五、高级技巧的专项攻克 颤音的参数化控制： 分析不同乐器流派对颤音速度、幅度、起始点的要求。教授如何通过手腕、手指和手臂的协同作用，精确控制颤音的频率（例如，从每秒5次到每秒12次），以适应从维瓦尔第到现代指弹的不同需求。 复合技巧的解耦与重组： 专注于那些需要多重身体协调的复杂动作，如边弹奏快速分解和弦边进行复杂的推弦（Bending）或揉弦（Vibrato）。提供如何将这些动作分解为独立的运动链条，再逐步复合练习的流程图。 非传统发声的探索： 探讨如何利用演奏工具本身（如松香、金属物、胶带）或乐器以外的物体（如环境中的物体）来产生独特的音色纹理，拓宽音响的可能性。 六、录音、混音与音乐产业的桥梁 对于现代音乐人而言，掌握录音室技术与演奏技巧同等重要。 乐器拾音的声学策略： 详细分析动圈、电容、带式麦克风在捕捉不同频率范围时的特性。指导如何在不同空间声学条件下，选择最佳的麦克风位置（例如，轴向、离轴、远场拾音）来服务于特定的音乐目标。 后期制作中的声音塑形： 讲解均衡器（EQ）如何影响音色的“位置感”，压缩器（Compressor）如何控制动态的“攻击性”，以及混响/延迟如何构建“空间感”。这不是教授软件操作，而是教授如何通过效果链的设计，实现演奏者在录音室中的最终听觉愿景。 本书旨在为有抱负的音乐家提供一张通往精湛技艺与深刻艺术理解的路线图，鼓励他们挑战既有界限，挖掘音乐表达的无限潜能。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到挫败，但又不得不佩服的是关于“节奏感”的那几页。我这个人平时节奏感就不太好，数拍子对我来说简直是折磨。这本书里，它并没有直接扔给我一个节拍器让你去跟着“嗒嗒嗒”，而是用了一套非常巧妙的图表和口诀来解释拍子的划分。它把一个四分音符想象成一个行走的“方块”，八分音符像是被切开的“半块”，然后用一些听起来有点古怪但朗朗上口的口诀来帮助记忆强弱音的位置。我试着跟着书上的节奏口诀念起来，一开始感觉很傻，但坚持了几天后，我发现自己在弹奏简单的分解和弦时，手指的动作开始变得更有规律了。最关键的是，这本书还非常注重“听力训练”，它建议我在学习新曲子之前，先多听几遍原版，然后尝试用嘴巴“哼唱”出它的节奏型，而不是急着动手去弹。这种先听后练的策略，对我这个“手比脑子快”的初学者来说，简直是一剂良药，虽然痛苦，但效果是立竿见影的，感觉我的耳朵终于开始跟上我的手指了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸质也值得一提，这对于一个需要长时间面对书本学习的人来说非常重要。封面是那种磨砂质感的，拿在手里不容易滑落，而且书页不是那种反光的铜版纸，是比较柔和的哑光纸，即使在台灯下长时间看，眼睛也不会觉得特别累。更贴心的是，它在很多关键的乐谱旁边都留出了大量的空白边距，这绝对是为我们这些“边学边做笔记”的自学者准备的。我习惯性地在遇到难点的地方画圈、写上自己的按弦指法备注，或者记录下自己练习这个部分花了多少次才过关。这些空白区域被利用得淋漓尽致，使得这本书真正成为了我个人的学习日志，而不是一本冰冷的参考书。它更像是一个耐心的私人导师，陪着我一步步在吉他指板上拓荒，而不是一个高高在上的演奏家在炫技，这种陪伴感，对于初学者来说，太宝贵了。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为学吉他就是先学会弹“生日快乐歌”，然后就能泡妞了，结果这本书完全颠覆了我的幻想。它开篇就讲了一大堆关于吉他构造的知识，什么音梁、品丝、弦钮，甚至连木材对音色的影响都有涉猎。我当时心里嘀咕，这会不会太“硬核”了？我都等不及想马上上手弹点什么，结果却要先搞懂这些“木头和金属”的门道。但奇怪的是，当我真的去看那些图示，了解了品丝的长度和音高的关系后，再去看那些指法图，突然就有了种“醍醐灌顶”的感觉。原来我之前按的那些音，并不是随便按下的，而是有科学依据的。书里甚至还花了整整一章来讲解如何正确地“持琴”，要求手臂的放松程度、身体的重心分布，细致到连坐姿的标准角度都有建议。我按照它说的调整了一下姿势，发现长时间练习下来，我的肩膀确实没有之前那么酸痛了。这本书的作者似乎对“慢工出细活”有着近乎偏执的追求，不容许任何一个基础动作有丝毫的马虎。这让我意识到，想要弹得好，光有热情是远远不够的，得学会尊重乐器本身。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的琴谱，拿到手就感觉分量十足，拿在手里沉甸甸的，翻开第一页，我就被那密密麻麻的五线谱和六线谱给“镇住”了。说实话，我之前只在网上看过一些零散的教学视频，那些视频总是说得轻描淡写，好像按几个和弦就能信手拈来。可这本书不一样，它把每一个音符、每一个指法都剖析得极其细致，简直像是把吉他大师的手法拆解成了零件，再一块一块地摆在你面前。我对着书上的“C和弦按法”研究了好久，书上配的图示清晰到连指尖的弯曲角度都有标注，旁边还有小小的文字提示，说哪个音容易闷音，应该怎么调整手型。我试着按下去，发现果然，按照书上的力度和位置，发出的声音比我瞎摸索出来的要干净得多。不过，这种详尽的程度对于一个完全的新手来说，有时候也会让人感到有点压力山大，感觉像是直接跳进了大学的高等乐理课，而不是轻松的入门。我得承认，我得放慢速度，可能需要反复揣摩好几遍才能真正吃透一个基础的指法变化。但至少，我感觉自己手里握着的是一本真正的“武功秘籍”，而不是那些轻飘飘的快餐教程。

评分☆☆☆☆☆

我以前买过一本号称是“十分钟学会弹唱”的教材，结果里面全是些简写的和弦图，扫一下就过去了，压根没讲清楚换和弦时的衔接问题。这本教材在这方面做得简直是教科书级别的示范。它把最常见的和弦转换，比如G到C，D到Em这些“老大难”组合，专门列出来做成了“转换练习模块”。它不是简单地告诉你“换到下一个”，而是详细分析了两个和弦之间，哪些手指需要保持不动，哪些手指需要移动，甚至精确到移动的“路径”和“时间点”。书中甚至还有一个“指位记忆法”，通过联想一些生活中的形状来帮助我们记住指板上的位置，虽然有些联想听起来很牵强，但确实在关键时刻帮我省去了反复查找指板的时间。我发现自己不再是生硬地把手从一个形状“搬运”到另一个形状，而是能更流畅地找到过渡点，这大大提高了我的练习效率，让我对那些稍微复杂一点的指弹练习不再那么抗拒了。