正版舞蹈教材 中国古典舞钢琴伴奏实用教程 钢琴伴奏入门 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 中国古典舞
• 舞蹈教材
• 钢琴伴奏
• 舞蹈教学
• 入门教程
• 音乐教学
• 艺术教育
• 教材
• 伴奏谱
• 舞蹈音乐

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103048993

商品编码：29867398373

丛书名： 中国古典钢琴伴奏实用教程

出版时间：2015-03-01

 

编辑推荐

《综合院校舞蹈精品教程:中国古典舞钢琴伴奏实用教程》由人民音乐出版社出版。

《综合院校舞蹈精品教程:中国古典舞钢琴伴奏实用教程》是作者基于教学实践，先对中国古典舞舞蹈教材框架进行梳理，再将所对应的舞蹈训练音乐进行整理并归纳入其中，作为（示范曲目）；所选曲目中，既有对耳熟能详的作品进行编配和改编的，也有根据舞蹈组合进行创作的作品；同时每首曲目后面附有（乐曲应用提示），将每一个舞蹈训练动作对音乐的要求及音乐作品本身的艺术处理，都做了比较详尽的解说，希望能对从事舞蹈钢琴伴奏事业的教师们有些许帮助。

 

现代音乐理论与实践进阶：从基础到创新的全面指南 图书名称：现代音乐理论与实践进阶：从基础到创新 图书简介 本书旨在为音乐学习者、专业音乐人以及对当代音乐思潮感兴趣的读者提供一套系统、深入且极具实践指导意义的现代音乐理论与实践进阶指南。不同于侧重古典乐派或特定民族舞蹈伴奏的传统教材，本书将目光聚焦于二十世纪中后期至今的音乐发展脉络，涵盖了从严谨的十二音体系、序列主义到开放的极简主义、电子音乐、以及跨媒介叙事等前沿领域。 全书共分为五个核心部分，循序渐进地构建起一座连接传统基础与未来创新的桥梁。 --- 第一部分：二十世纪音乐思潮的理论基石（约300字） 本部分深入剖析了二十世纪音乐革命的核心思想与技术突破。首先，我们将详细梳理无调性音乐的产生背景及其在勋伯格、贝尔格等作曲家作品中的具体应用，重点讲解十二音体系（Dodecaphony）的矩阵构建、音级排列规则及其在旋律与和声层面的逻辑推演。这部分内容将摒弃晦涩的术语堆砌，通过大量的图表分析和具体的音例，使读者能够清晰掌握十二音技法的操作流程。 随后，我们将探讨由布列兹和施托克豪森等人倡导的序列音乐（Serialism），不仅包括对音高、时值、力度、音色等要素进行全面序列化的复杂操作，更重要的是理解其背后的哲学意图——即“作曲的绝对理性化”。我们将引入统计学在音乐分析中的应用，分析如何运用概率模型来处理高度复杂的序列结构。最后，本部分会概述偶然音乐（Aleatoric Music）的出现，探讨约翰·凯奇对“不确定性”和“静默”的音乐化探索，以及由此引发的听觉概念的根本性转变。 --- 第二部分：和声的解放与拓展（约350字） 传统功能和声理论的藩篱被打破后，现代作曲家开辟了广阔的和声新领域。本部分是本书的重点之一，它详细介绍了非传统和声语汇的构建方法。 我们将详尽分析全音阶、五声音阶以及不同模态体系（Modal Scales）在构建色彩性音乐中的实际运用，并与古典调式进行对比辨析。重点章节将留给音高集合理论（Pitch Class Set Theory），特别是阿伦·科普兰和艾伦·福斯特提出的分析工具，用于解析非功能性、结构性强烈的和声织体。读者将学习如何运用集合的“特征向量”和“子集关系”来识别和构建复杂集合的内部关联。 此外，本书还引入了音高密度（Pitch Density）和微音（Microtones）的概念。对于微音部分，我们将介绍二十四平均律以外的音律系统，如巴伯音律（Just Intonation）的修正方案，并探讨如何利用现代电子合成技术精确地实现和声的细微起伏。我们提供了不同乐器（如弦乐、人声）在处理这些拓展和声时可能遇到的技术挑战与演奏策略。 --- 第三部分：节奏的革命与时间结构（约300字） 现代音乐对时间维度的操控达到了前所未有的复杂程度。本部分将跳出固定拍号的束缚，专注于节奏的多元化处理。 内容涵盖复节奏（Polyrhythm）的复杂叠加，不仅仅是简单的二对三或三对四，而是探讨指数级复节奏的听觉效果，并介绍如何利用计算机辅助工具进行节奏模式的生成与检验。我们将深入研究非公度节奏（Asymmetric Rhythms），如梅西安的“增值节奏”的数学基础及其在长篇作品中的结构作用。 更进一步，本书详细阐述了时值和速度的非线性处理。从斯坦尼斯拉夫·克鲁格的“时间场”概念到极简主义中持续、循环的“过程音乐”（Process Music）的节奏构建，我们将分析如何通过细微的、渐进的节奏变化来暗示时间的流逝或停滞。这部分内容将特别强调节奏的“触感”与“感知”，而非仅仅是记谱的准确性。 --- 第四部分：音色、织体与空间声音设计（约350字） 在缺乏传统和声框架的背景下，音色（Timbre）和织体（Texture）成为了现代音乐表达的核心语言。本书致力于拓宽读者对“声音材料”的理解。 首先，我们探讨电子音乐与声音合成的原理。涵盖了从早期的磁带音乐到现代的数字波表合成（Wavetable Synthesis）、频率调制（FM）以及颗粒合成（Granular Synthesis）的技术基础。本书提供了丰富的合成参数与对应音响效果的对照表。 其次，本书深入研究非传统演奏技法（Extended Techniques）在管弦乐、室内乐中的系统化应用。例如，针对弦乐的弓法创新（如触弦点、弓毛与琴体的交互作用）、木管乐器的超吹与气流音的控制等。我们不仅描述“如何演奏”，更分析“如何有效记录”这些声音。 最后，一个重要章节专门讨论空间化处理（Spatialization）。讲解如何运用多声道技术（如杜比全景声、Ambisonics基础）在声学空间中构建三维的、移动的声音图像，以及这些技术如何反作用于音乐的结构设计和听众的沉浸体验。 --- 第五部分：跨界融合与未来趋势（约200字） 本书的收官部分展望了当代音乐实践的前沿方向。我们将分析音乐与视觉艺术、戏剧、以及数据科学的交叉点。 探讨交互式音乐系统的设计原则，其中听众或环境数据成为音乐生成的一部分。分析当代歌剧、舞蹈剧场中音乐的叙事功能，特别是如何通过声音的非线性展开来替代传统的线性情节。最后，本书将聚焦于人工智能在音乐创作中的角色，探讨算法生成音乐的哲学边界，以及人类作曲家在“人机共创”时代的角色定位。 目标读者： 音乐学院高年级学生、研究生、当代交响乐团演奏家、自由职业作曲家、以及希望深入了解非传统音乐语言的音乐教育工作者。本书要求读者具备扎实的传统乐理和和声基础。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，市面上很多声称是“入门”的教材，要么内容过于肤浅，要么对初学者设置了太多难以逾越的门槛。然而，这本教材的入门难度设置非常人性化，它照顾到了那些对乐理一无所知，但又急切想为自己的舞蹈学习找到合适伴奏的群体。书中的术语解释做得极为到位，每一个专业名词都会用最直白的语言进行阐释，而且穿插了大量的视觉辅助材料，比如手型图解、指法建议等，这对于零基础的学习者来说，无疑是吃了定心丸。我过去总是害怕接触钢琴乐谱，觉得那像天书一样遥远，但这本书用一种近乎“手把手”的方式，引导我逐步破解这些符号的奥秘。我用了不到一个月的时间，已经能比较自信地跟上一些慢速的练习曲了，这种成就感是其他教材从未带给我的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品，封面那种淡雅的米黄色调，配上烫金的字体，透着一股古典韵味。翻开内页，纸张的质感也特别好，厚实而不失柔韧性，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。更让我惊喜的是，书中的排版布局极其考究，无论是乐谱的疏密有致，还是文字的注释说明，都安排得恰到好处，让人在学习过程中心情非常舒畅。尤其是那些示范图示，线条流畅，人物动作捕捉得非常精准，即便是初学者也能清晰地理解每一个舞姿的要领。这种对细节的极致追求，体现了出版方对舞蹈艺术的尊重，也极大地提升了阅读和学习的体验。我感觉这不仅仅是一本教材，更像是一件值得收藏的工艺品，每次把它从书架上拿下来，都能感受到那种沉甸甸的专业气息。

评分☆☆☆☆☆

我最近开始尝试自己为学生编排一些小品，以前总觉得伴奏部分是个大难题，要么找的曲子风格不搭，要么节奏总是对不上。这本书简直是我的“救星”。它的结构划分非常清晰，从最基础的五音阶练习开始，循序渐进地引入了各种调式和复杂节奏型的训练。我特别欣赏它在“基本功训练”部分对重音和附点的处理，讲解得深入浅出，即便是对钢琴一窍不通的舞蹈老师，也能大致把握到钢琴伴奏应该如何配合踢、蹦、跳等基本功动作的力度和时值。我试着按照书中的提示，让我的钢琴老师根据这些建议来即兴伴奏，效果立竿见影，学生的动作瞬间变得更有“精气神”了。这本书极大地弥合了舞蹈教学与音乐实践之间的鸿沟，让跨界合作变得简单而高效。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着多年舞台经验的舞者，我深知一套优秀的钢琴伴奏教材对于训练节奏感和乐感有多么重要。这本书在曲目选择上展现出了极高的专业水准和广度。它收录的不仅仅是那些耳熟能详的经典选段，更有许多深入挖掘自地方戏曲或民间舞中的小调和变奏，这些对于拓展我们对中国古典舞音乐语汇的理解非常有帮助。更关键的是，这些伴奏的改编并非只是简单地将旋律移植到钢琴上，而是充分考虑了钢琴作为伴奏乐器的表现力和织体丰富性，使得钢琴声部既能烘托舞蹈情绪，又不至于喧宾夺主。每一次跟琴练习，我都感觉自己的身体和音乐之间产生了一种更深层次的对话，仿佛不再是单纯地完成动作，而是真正地“唱”出了舞蹈的灵魂。这对于培养舞者内在的音乐性和表现力是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超其标价，它更像是一份详尽的、经过时间检验的教学大纲。我特别关注了它在“古典舞韵味表达”这一章节的处理。它不仅仅停留在技术层面，而是深入探讨了如何用音乐的强弱变化、速度的细微调整来烘托不同历史时期、不同地域风格的舞蹈意境。例如，在处理唐代风格的舞蹈时，它建议钢琴伴奏应多采用宽广、悠长的和弦进行来营造大气磅礴之感；而在表现江南水乡的细腻婉约时，则推荐使用分解和弦和轻巧的琶音。这种对“意境”的音乐化表达的指导，是教科书级别的深度。这说明作者不仅是音乐家，更是深刻理解中国古典舞美学的教育家，这份洞察力使得这本书具有了无可替代的研究价值。