律动乐器 正版/全新/艺术书 法语音乐剧作品配译 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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竺期 编

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• 音乐剧
• 法语
• 乐谱
• 艺术书
• 上海音乐出版社
• 律动乐器
• 音乐教材
• 配译
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552312157

商品编码：29867398415

丛书名： 法语音乐作品配译

开本：8开

 

目录： 序
前言
Notre Dame de Paris巴黎圣母院
1.Le Temps des Cathddrales大教堂时代
2.Les Portes de Paris巴黎城门
3.Beau Comme le Soleil灿烂如阳光
4.Ave Maria Paien异教徒圣母颂
5.Florence佛罗伦萨
6.Lune月
7.Vivre活着
8.Danse Mon Esmeralda跳舞吧，我的艾斯梅拉达
Romeo&Juliette;罗密欧与朱丽叶
9.J'ai Peur我怕
lO.L’amour Heureux爱的喜悦
11.Le Balcon阳台
12.Et Voilfi Qu’elle Aime她沉醉于爱河
13.Aimer爱情
14.Avoir Une Fille呵护一个女孩
15.La Mort de Juliette朱丽叶之死
Le Roi Soleil太阳王
16.Etre A La Hauteur身居高位
17.S'aimer est Interdit禁止相爱
18.Alors D’accord好吧，是啊
Mozart L’opera Rock摇滚莫扎特
19.Vivre a en Crever活到**
20.Bim Bam Boum乐声叮咚
21.L’assasymphonie夺命交响
1789，Les Amants de La Bastille 1789，巴士底恋人
22.Le Cri de Ma Naissance我出生时的哭泣
23.La Nuit M’appelle夜在呼唤我
24.Ca lra MonAmour我的爱都会实现
Les Dix Commandements十诫
25.L’envie D’aimer爱的渴望

 

 

内容提要： 竺期编著的这本《法语音乐剧作品配译》是首本法语音乐剧作品中文配译乐谱。乐谱教材内包括了25首来自五部经典法语音乐剧中的作品乐谱、法语歌词、中文译配歌词、每首作品的情境介绍和演唱注释。
    

作者简介：

竺期，歌唱家，音乐剧演员，上海音乐学院音乐戏剧系音乐剧演唱、剧目教师，上海音乐家协会会员，浙江省流行音乐协会副秘书长、理事，1982年12月生于上海。 1985年开始学习钢琴。 2004年毕业于上海音乐学院音乐教育系获学士学位，同年入周小燕歌剧中心，2005年入杭州歌剧舞剧院开始职业歌唱演员生涯。 2008年毕业于英国苏格兰皇家音乐戏剧学院（RSAMD）获音乐剧表演硕士（*高）学位，声乐师从歌剧演唱家教育家Patricia Hay和音乐剧声乐教育家Gillyanne Kays，古典与现代戏剧表演师从戏剧表演教育家，RsAMD戏剧学院院长Maggie Kinloch和Peter Lincoln，舞蹈师从于舞蹈家Lynne＆Bustard。 归国后任教于浙江传媒学院音乐学院音乐剧系，教授音乐剧声乐演唱、音乐剧剧目排演、音乐剧表演，和音乐剧重唱与合唱。2012年起任教于上海音乐学院音乐戏剧系。

 

好的，这是一份关于其他图书的详细简介，内容不会提及您提供的书名《律动乐器 正版/全新/艺术书 法语音乐剧作品配译 上海音乐出版社》： --- 沉浸式探索：西方古典音乐的黄金时代与结构之美 《巴赫的音乐宇宙：对位法的深度剖析与时代背景》 书籍简介 本书旨在带领读者深入探究西方音乐史上承前启后的巨匠——约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的创作精髓。这不是一本简单的传记，而是一部专注于巴赫音乐结构、和声语言以及其在巴洛克时期文化语境中地位的学术性导览。 第一部分：巴赫的时代脉络与灵感源泉 巴赫的音乐是巴洛克晚期风格的集大成者，同时也是一股革新力量。本部分首先构建了一个清晰的时代图景：从意大利维瓦尔第的协奏曲风格到法国路易十四宫廷的宏大叙事，再到德国本土路德宗清唱剧的深厚根基。我们将考察巴赫在魏玛、科滕和莱比锡时期所接触到的音乐思想，探讨圣托马斯教堂乐长职位对他的创作实践产生的具体影响。重点分析了当时乐器制作的进步，例如键盘乐器的发展如何直接催生了《平均律钢琴曲集》的诞生，并为巴赫的复调技巧提供了必要的物质基础。 第二部分：对位法的建筑学：精妙的织体分析 本书的核心部分集中于对巴赫复调音乐中“对位法”（Counterpoint）的细致解构。对位法是巴赫音乐的灵魂，其复杂性与逻辑性堪比精密的建筑学结构。 我们将系统梳理巴赫在不同作品中运用的技巧，包括： 1. 模仿与卡农（Canon）： 通过分析《赋格的艺术》中的各种模仿技巧，展示巴赫如何通过逆行、倒影和增值等手段，将单一主题（Subject）演化出无穷的变化。我们不仅会识别出模仿的出现点，更会剖析其背后隐含的数学比例和听觉效果的关联。 2. 赋格曲（Fugue）的内在动力： 重点解析《平均律钢琴曲集》中各个赋格曲的结构布局。我们将详细标注呈示部、展开部和再现部的界限，分析“间插句”（Episode）在连接主题段落中的功能性作用，以及如何通过转调和主题的变奏来维持听觉上的张力与统一性。书中将辅以大量乐谱实例，并附带现代标记，帮助非专业读者也能理解其逻辑推进。 3. 巴赫的和声语言： 虽然巴赫主要以对位著称，但他的和声依然是那个时代最丰富、最具表现力的。我们将探讨他如何超越传统的调式限制，运用半音进行和不协和音的解决，以增强宗教文本的情感深度。 第三部分：特定作品的深度个案研究 为了让理论分析落地，本书精选了三部极具代表性的作品进行深入剖析： 1. 《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburg Concertos）： 侧重于巴赫如何将意大利的快速乐章结构与德式的对位技巧相结合，探讨其中独奏乐器组（Concertino）与全体乐队（Ripieno）之间的对话与抗衡，尤其关注第六、第七协奏曲中对早期乐器的创新性运用。 2. 《马太受难曲》（St. Matthew Passion）中的情感叙事： 从音乐戏剧的角度考察受难曲。分析咏叹调（Aria）中的象征性配器（如长笛代表天堂，大提琴代表悲伤），以及合唱段落中“帕罗迪”（Parody）手法的运用，展示音乐如何服务于神学文本的阐释。 3. 《哥德堡变奏曲》（Goldberg Variations）： 将其视为巴赫键盘音乐的百科全书。分析其三十段变奏中蕴含的技巧训练和艺术呈现的完美平衡，包括严格的卡农变奏、舞曲风格变奏以及著名的黑人旋律（Quodlibet）的融入，揭示变奏曲在形式上的严谨性与内容上的自由度。 本书特色 图文并茂的结构可视化： 辅以大量原创的结构图表和和声线条图，将抽象的音乐逻辑转化为直观的视觉信息。 术语的精确界定： 对复杂的音乐术语进行清晰、非学院派的解释，使音乐爱好者也能轻松入门。 演奏实践的思考： 探讨巴赫作品在现代演奏实践中面临的挑战，如“历史演奏实践”（HIP）与现代乐器的适应性问题。 适用读者 本书适合所有对西方古典音乐史、音乐理论或键盘音乐有浓厚兴趣的读者。无论是音乐专业的学生、成熟的演奏家，还是渴望理解巴赫音乐深层结构的普通乐迷，都能从中获得启发与收获。阅读本书，如同获得了一把钥匙，去开启巴赫那座宏伟、永恒且充满内在律动的音乐殿堂。 --- 创新与秩序：20世纪中期欧洲的先锋音乐与序列主义的兴起 《结构之外的声音：从德彪西到韦伯恩的音乐语言转型》 书籍简介 本书聚焦于20世纪上半叶，西方音乐如何挣脱了始于瓦格纳时代的调性束缚，走向了彻底的结构化与理性化探索。它并非简单罗列先锋作曲家的名字，而是着重分析了两次世界大战后，音乐家们面对“旧秩序崩溃”时，所采取的激进且系统的应对策略。 第一部分：调性的黄昏与印象派的色彩革命 本部分追溯了“后浪漫主义”向现代主义过渡的微妙过程。我们首先审视了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何通过模糊调性中心、引入异域音阶（如全音阶和五声音阶）来“溶解”传统和声的张力。这种“去功能化”的和声语言为后来的彻底变革埋下了伏笔。接着，我们将目光投向了斯特拉文斯基（Stravinsky）的早期作品，特别是《春之祭》中，通过原始的节奏暴力和多调性的碰撞，对既有审美观念发起的直接冲击。 第二部分：德奥学派的理性转向：从无调性到十二音体系 本书的核心议题之一是第二维也纳乐派的贡献。我们详尽探讨了阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）如何从自由无调性（Free Atonality）的实践中，逻辑性地推导出“十二音序列技术”（Twelve-Tone Technique）。 十二音的构建逻辑： 深入解析了“音列”（Series）的构建原则，包括主音列、逆行、倒影和倒影逆行之间的转换关系，并分析了这种技术如何确保在取消调性中心后，音乐的组织性不至于彻底瓦解。 继承与发展： 对伯格（Alban Berg）和韦伯恩（Anton Webern）在十二音技术上的不同贡献进行了区分。伯格如何巧妙地将十二音体系与浪漫主义情感（如《露露》中的抒情性）相结合；而韦伯恩则将序列的逻辑推向极致，发展出高度浓缩、片段化的“点描主义”（Pointillism）风格。 第三部分：序列主义的激进化与新声音的诞生 二战后，欧洲音乐界对传统结构产生了强烈的反动情绪。这一时期，序列主义不再局限于音高，开始向其他音乐元素渗透，形成了“全面序列化”（Total Serialism）。 节奏与力度序列： 分析了布列兹（Pierre Boulez）和斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）在作品中如何为音高、时值、力度、音色甚至演奏法都建立起严密的数学序列。例如，通过分析布列兹的《结构》（Structures）系列，揭示了其背后复杂的矩阵运算对音乐听觉体验的影响。 电子音乐的并轨： 探讨了序列主义与当时新兴的电子音乐技术（如磁带音乐和声音合成）的结合。斯托克豪森在科隆工作室的实践，展示了如何在电子领域实现对声音参数的绝对控制，从而超越了传统乐器的物理限制。 概率与不确定性： 作为对极致控制的反思，本书也介绍了约翰·凯奇（John Cage）及其“机遇音乐”（Music of Chance）的哲学基础。凯奇如何通过引入随机性（如《易经》的启示），挑战了作曲家必须“创造”音乐的传统观念，并将听众置于声音发生现场的参与者地位。 本书特色 清晰的逻辑链条： 阐明了从对位法到十二音，再到全面序列化的思想演变路径，强调了理性主义在不同阶段的体现。 技术图解： 提供了大量关于音列矩阵、节奏网格的图示，使复杂的序列操作得以直观理解。 哲学思辨： 探讨了这些音乐实验背后的文化焦虑——如何在被战争撕裂的欧洲，重建一种新的、普适的秩序感。 适用读者 本书特别适合音乐学、作曲理论专业的学生，以及对20世纪艺术思潮感兴趣的听众。它为读者提供了一套理解现代和先锋音乐的工具箱，帮助听众在面对那些看似“陌生”或“刺耳”的声音时，能够洞察其背后严谨的结构与深层的哲学意图。通过本书，读者将能更深刻地欣赏到，音乐是如何在短短数十年间完成了最剧烈的语言革命。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体内容编排逻辑清晰得令人赞叹，仿佛有一位经验丰富的向导，一步步带领读者深入探索一个全新的知识领域。作者在构建章节体系时，显然下了大功夫进行打磨，从基础概念的梳理到复杂理论的深入剖析，过渡自然流畅，几乎没有感到任何突兀或者理解上的障碍。每当我觉得可能要陷入困惑时，紧接着的解释或者案例分析就能立刻点亮思路，这种节奏的把控，对于学习新事物来说至关重要。我常常发现自己不自觉地沉浸其中，时间过得飞快，完全忘记了自己是在“学习”，而更像是在享受一场结构精巧的智力冒险。这种行文的流畅度和体系的严谨性，真的让我对作者的专业素养肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于实操层面的指导价值也令人印象深刻，它不仅仅停留在理论层面高屋建瓴地指点江山，更关注如何将这些宏大的概念落地转化成具体的、可执行的步骤和方法论。书中提供的案例分析翔实而具体，每一步的操作流程都被剖析得细致入微，让我能够清晰地看到理论是如何在实际情境中发挥作用的。我尝试着根据书中的指引进行了一些模拟实践，效果立竿见影，这极大地增强了我对所学知识的信心。这种“授人以渔”的设计理念，让这本书从一本单纯的参考书，升华为一本实战手册，对于希望将知识转化为实际能力的读者来说，无疑是极其宝贵的资源。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品级别的！拿到手的时候，我就被它厚实的封面和精致的印刷质量所震撼。纸张的触感非常细腻，拿在手里沉甸甸的，充满了品质感。我尤其喜欢封面那种复古又带着现代气息的排版，颜色搭配得非常和谐，让人一眼就能感受到这是一本用心制作的图书。装订工艺也无可挑剔，翻页顺畅，完全不用担心书页会松散。对于我这种非常注重阅读体验的读者来说，这样的实体书简直是收藏级的珍品。每一次翻开它，都像是在进行一场视觉和触觉的盛宴，这种用心打磨的细节，是电子书完全无法比拟的，充分体现了出版社在实体出版物上的匠心独运。

评分☆☆☆☆☆

这本书带来的知识冲击力非同一般，它彻底颠覆了我过去对某些既有概念的理解。阅读过程中，我无数次停下来，合上书本，盯着空白的墙壁进行深度思考，仿佛大脑的神经元被重新连接了一遍。作者敢于挑战传统认知，并且用极具说服力的方式阐述了全新的观点和框架，这才是真正有价值的学术或专业书籍所应具备的特质。它不仅仅是信息的堆砌，更是思维方式的重塑。我感觉自己像是完成了一次彻底的思维升级，获得了看待事物的全新视角和工具。这种“醍醐灌顶”的感觉，是很少有书籍能够给予的，它带来的价值远超购书的投入。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常具有个人魅力，读起来一点都不枯燥乏味，反而充满了活力和幽默感，即使是探讨相对严肃或技术性的内容，作者也总能找到巧妙的比喻或者生动的叙事方式来佐证观点。行文的句式变化丰富，长短句交错有致，读起来抑扬顿挫，充满了音乐的韵律感，这让我联想到了某些大师级散文家的笔法。它摆脱了那种教科书式的刻板说教腔调，更像是一位知识渊博、风趣健谈的朋友在耳边分享他多年来的深刻洞察。我甚至会期待着去阅读下一段文字，就像追剧一样，想看看作者接下来会用何种精彩的表达方式来揭示下一个知识点，阅读体验简直是享受。