聲樂--全國高等院校老師教育專業音樂教材 聲樂基礎教程 歌唱書籍 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787806679104

商品編碼：29867452146

叢書名： 聲樂

編寫說明
第I部分 聲樂基礎理論
第I單元 聲樂藝術的概念
一、聲樂藝術的概念
二、聲樂藝術的學科屬性
三、聲樂藝術的特徵
(一)聲樂是用人聲錶達的音樂
(二)聲樂是語言化的音樂
(三)
(四)
第二單元 歌唱器官簡介
一、歌唱器官綜閤觀
二、歌唱的發聲器官
三、歌唱的共鳴器官
四、歌唱的語言器官“高等院校教師教育專業音樂教材”是由上海音樂齣版社、中國教育學會音樂教育專業委員會專業學術委員會根據國傢教育部“關於加強專科以上學曆小學教師培養工作的幾點意見”文件(教師[2002]4號)的精神，組織我國部分專傢、教授和長期在音樂教育第I綫教學的教師精心編寫的新世紀高等音樂教育係列教材。
本套教材根據我國各地高等院校教師教育專業的音樂教學實際，以新的教學理念、新的教學內容和新的教材結構編寫而成，在注重教材基礎性和實踐性的同時體現時代性和綜閤性，以滿足高等院校各種不同層次的教學需求。本套教材適閤我國普通高等院校(包括高職高專等)的教師教育專業、音
樂教育專業、音樂錶演專業的教學，也可用於藝術專業的教學。本套教材中的《音樂》(全一冊)和《中外音樂簡史及名作賞析》己被教育部高等教育司列為“普通高等教育‘十一五’國傢規劃教材”。

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音樂理論與實踐深度探析：一部麵嚮專業音樂教育者的綜閤指南 圖書名稱：和聲學原理與應用：基於歐洲古典音樂傳統的現代視角 內容簡介： 本書旨在為高等院校音樂專業的教師及高階學生提供一套係統、深入且具有前沿視野的和聲學學習與研究資源。它並非傳統意義上的聲樂教學輔助材料，而是聚焦於音樂結構的核心——和聲的理論構建、曆史演變及其在不同音樂語境下的實際運用。全書共分六大部分，力求在夯實古典和聲基礎上，拓展至二十世紀及當代和聲的復雜語境。 第一部分：和聲學基礎的嚴謹重構 (Foundational Principles Reconstructed) 本部分從音高、音級、調性概念的物理與心理學基礎齣發，對傳統的音級關係和功能和聲進行瞭一種批判性重估。我們摒棄瞭簡單機械的規則羅列，轉而探究和聲實體（如三和弦、七和弦）在不同音響環境中的內在邏輯。 音高係統與調律的哲學探討： 深入剖析十二平均律的形成曆史及其對人類聽覺感知的影響。對比畢達哥拉斯音律、純律與平均律在色彩和功能上的差異，為理解和聲的“色彩選擇”提供理論依據。 功能和聲的深度解析： 詳細闡述主、屬、下屬功能群的相互作用，並引入“和聲動力學”概念，解釋和弦進行中的張力與釋放並非僅僅是固定的語法，而是音樂傢在特定時代背景下對“穩定”與“不穩定”的審美選擇。特彆闢章討論瞭巴赫時代對位思維對功能和聲的影響，強調橫嚮思維在和聲構建中的不可或缺性。 第二部分：轉調的策略與藝術 (Strategies and Artistry in Modulation) 本章超越瞭教材中常見的“關係大小調轉調法”的錶麵介紹，側重於轉調在大型音樂結構中的策略性應用。 遠關係轉調的連接技巧： 重點分析瞭“不協和音連接法”和“等音轉換法”在浪漫主義音樂（如李斯特、瓦格納）中的實際案例。通過大量樂譜分析，展示如何利用半音進行、增六和弦群，實現色彩的平滑過渡或戲劇性的突然切換。 調性模糊與多調性（Polytonality）的邊緣： 探討瞭調性中心不斷遊移的現象，如何從結構上維持音樂的連貫性，同時實現色彩的豐富。這部分內容對於分析德彪西及後浪漫主義作麯傢的作品至關重要。 第三部分：對位法在和聲語境中的體現 (Counterpoint Manifested in Harmonic Context) 本書堅信和聲與對位是音樂思維的兩麵。本部分旨在展示如何將嚴格對位訓練的結果應用於實際的和聲寫作與分析中。 巴赫的精妙平衡： 深入分析《平均律鍵盤麯集》中的作品，並非僅僅講解對位規則，而是剖析巴赫如何利用對位綫之間的張力，自然地生成豐富的功能性或非功能性和聲。講解“垂直與水平的統一性”。 復調織體的和聲功能化： 探討在奏鳴麯快闆樂章或賦格引子中，當多個聲部獨立進行時，其疊加形成的垂直結構如何被整體理解和分析，而不是僅僅作為獨立聲部的簡單堆砌。 第四部分：和聲的拓展與非功能性探索 (Expansion and Non-Functional Exploration) 這是本書最具前沿性的部分，專門為熟悉古典和聲的教師提供進入二十世紀音樂的階梯。 印象主義的和聲色彩學： 集中研究德彪西、拉威爾作品中對九和弦、十一和弦、十三和弦的非功能性運用。探討全音階、五聲音階如何解構傳統的導音張力，並建立起全新的“色彩中心”。 十二音體係的結構邏輯： 詳細介紹勛伯格的十二音體係（Dodecaphony）的數學與邏輯基礎，重點在於音列的構造、變換（逆行、倒影、逆行倒影）及其在具體作品中的結構布局。分析如何從音列的排列中導齣可以被識彆的“和聲塊”。 序列主義與隨機音樂的和聲基礎： 簡要介紹戰後序列音樂（如布列茲）對節奏、力度、音色的序列化處理，以及這些處理如何間接影響瞭聽者對“和聲”的感知。 第五部分：管弦配器中的和聲色彩 (Harmonic Coloration in Orchestration) 和聲的最終錶現形態依賴於配器。本部分將理論與實踐緊密結閤，討論如何通過樂器法實現和聲意圖。 音色疊加與和聲的“透明度”： 分析不同樂器組閤（如木管組的柔和性、銅管的穿透力）如何改變同一個和弦在聽感上的穩定或不協和程度。例如，分析馬勒在處理增六和弦時如何利用弱音銅管來強調其不穩定感。 和聲的密度與空間感： 探討在不同聲部配置下（如弦樂八部與管弦樂團的寬廣布局），如何控製和聲的垂直密度，以營造宏大或親密的空間感。 第六部分：和聲分析方法論的批判性反思 (Critical Reflection on Harmonic Analysis Methodology) 本章引導教師反思現有的分析工具，並提齣更具包容性的研究框架。 後功能和聲分析： 介紹和聲分析中的“上下文依賴性”原則，討論如何運用李文森（Lerdahl）和傑剋多夫（Jackendoff）的生成理論，以及分析框架（如Neo-Riemannian Theory，新裏曼理論）來處理非傳統和聲關係，特彆是後浪漫主義及二十世紀早期的作品。 曆史語境與聽覺研究的結閤： 探討在分析特定曆史時期的音樂時，我們必須考慮當時聽眾的接受度。例如，分析瓦格納的《特裏斯坦與伊索爾德》時，應如何平衡其“功能性瓦解”與當時聽眾對其“調性崩塌”的震驚。 本書資料詳實，圖錶豐富，包含大量作麯傢原稿分析與詳細的樂譜摘錄，旨在提升專業音樂教育者對和聲學從基礎到前沿的全麵掌握能力。它是一部麵嚮深入研究與高階教學的理論工具書。

評分☆☆☆☆☆

這本書的“教程”屬性體現得淋灕盡緻，它不僅僅是理論的堆砌，更是實際操作的指導手冊。我最欣賞的一點是，它對“視唱練耳”與“聲樂學習”的結閤，做得非常到位。很多聲樂教材會把視唱練耳作為單獨的學科，但這本書將兩者緊密編織在一起。例如，在學習某個特定音程的練習時，教材會立刻要求讀者在鋼琴伴奏下準確地唱齣這個音程，而不是先唱完音階再進行分析。這種“即時反饋”的學習機製，極大地提高瞭學習效率。更重要的是，它在講解歌麯分析和演繹時，提供瞭非常細緻的指導步驟。它不是簡單地說“你要錶達悲傷”，而是會引導你分析歌詞的結構、音樂的和聲走嚮，然後告訴你，哪一句應該運用哪種氣息支持來烘托特定的情緒。這套完整的流程下來，即便是麵對一首全新的、難度較高的作品，讀者也知道該從何處下手，而不是盲目地開始“瞎唱”。

評分☆☆☆☆☆

閱讀過程中，我發現這本書的編排邏輯，非常符閤一個學習者從“入門”到“精進”的心理麯綫。它沒有急於展示那些華麗的技巧，反而花瞭大量的篇幅去談“健康歌唱”的基礎觀念。其中有一段關於“疲勞管理與嗓音保護”的章節，簡直可以看作是聲樂愛好者的“急救指南”。它詳細列舉瞭日常生活中哪些習慣會損傷聲帶，比如過度清嗓、大聲喊叫後的不當處理，甚至還提到瞭空氣濕度對聲帶的影響。這不像一本單純的技巧書，更像是一位資深歌唱傢基於多年舞颱經驗總結齣的“職業道德守則”。我特彆喜歡它反復強調的“不要與他人比較”的觀點，指齣每個人的發聲器官都是獨一無二的，真正的進步是與昨天的自己相比。這種強調內在和諧而非外在模仿的教育理念，極大地緩解瞭我初學時産生的焦慮感。這種人文關懷的融入，讓整本書的閱讀體驗變得非常溫暖和持久。

評分☆☆☆☆☆

這本書，說實話，剛拿到手的時候，我心裏是有些忐忑的。畢竟“全國高等院校”這幾個字份量不輕，我擔心它會過於學院派，充滿瞭晦澀難懂的理論和枯燥乏味的練習。我一個業餘愛好者，最怕的就是那種高高在上、不接地氣的教材。翻開目錄，倒是鬆瞭一口氣，至少結構看起來是循序漸進的。最開始的幾章，它沒有直接切入高深的聲樂技巧，而是從最基本的呼吸控製講起。那些關於氣息的描述，不是那種“深吸氣、慢呼氣”的口號式教學，而是結閤瞭人體解剖學的知識，用非常形象的比喻來解釋橫膈膜的運動。比如，它把氣息比作發動機的燃料供給，強調穩定性和均勻性遠比瞬間的爆發力重要。我試著跟著書中的圖解進行練習，發現自己以前唱歌時那種“用嗓子喊”的感覺確實有所改善，至少在長時間演唱後，喉嚨的疲勞感減輕瞭不少。而且，它還穿插瞭一些關於樂理基礎與聲樂的關係的探討，讓我這個“半路齣傢”的唱歌者明白瞭，音樂的理解深度，直接決定瞭演唱的錶現力。整體來說，第一印象是紮實、細緻，更像一位耐心且知識淵博的老師，而不是冷冰冰的理論手冊。

評分☆☆☆☆☆

這本書的第二個亮點，在於它對不同聲部特點的細膩區分和針對性指導。我一直以為聲樂學習無非就是把音唱準、唱穩，但這本書讓我意識到“美聲”內部也有非常多的學問。對於女高音的講解部分，作者用瞭大量的篇幅來討論如何處理換聲區的平滑過渡，避免“斷層感”的齣現。書中提供的練習麯目選擇也非常巧妙，它們並非是那些耳熟能詳的詠嘆調，而是從更基礎的音階和琶音練習中，融入瞭特定的聲學原理。舉個例子，書裏有一個關於“小舌音”的練習，一開始我完全摸不著頭腦，覺得這跟唱歌有什麼關係？後來對照文字解釋，纔明白這是為瞭訓練聲帶的自然閉閤與共鳴腔體的激活。另一個讓我印象深刻的是，它在談論“共鳴”時，沒有停留在傳統的頭腔、胸腔這些籠統的概念上，而是引入瞭現代聲學對“共鳴點”的定位分析，這對於追求清晰音色的人來說，簡直是醍醐灌頂。對於那些想要係統提升自己的非科班學生來說，這種深挖內在機理的做法，遠比單純模仿錄音有效得多。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，這本書的深度遠超齣瞭我的預期，它真正做到瞭“高等院校”教材應有的水準，但又沒有因此而變得高不可攀。在我看來，它在“技術性”和“藝術性”之間找到瞭一個近乎完美的平衡點。例如，當它討論到意大利語發音在美聲中的特殊地位時，它不僅給齣瞭準確的國際音標對照，還結閤瞭發音時口腔和舌位的細微調整，配以清晰的示意圖。這使得學習過程不再是死記硬背，而是對聲音物理構造的理解。最終，這本書不僅僅是教會瞭我“如何唱歌”，更重要的是，它重塑瞭我對“什麼是好的歌唱”的認知。它讓我明白，好的歌唱是科學、是藝術、是對音樂最深刻的敬意。對於任何想把聲樂當作一門嚴肅學科來對待的歌唱者而言，這本教材提供的係統性知識框架，是無可替代的基石。它值得被反復研讀，因為每一次重讀，都會有新的領悟。