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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807511281

商品编码：29867502475

丛书名： 生活在音乐中

• 版 次：1
• 页 数：323
• 字 数：
• 印刷时间：2009-3-1
• 开 本：大32开
• 纸 张：胶版纸
• 印 次：1
• 包 装：平装

编辑推荐 这不是一本传统意义上的自传，而是一本“关于音乐的书”。书中除了回忆作者与阿劳、巴比罗利、卡萨尔斯、切利比达凯、克伦佩尔、鲁宾斯坦等音乐大师的交往，还以流畅的文笔与读者分享了他对音乐的体验，发表了表演艺术的许多真知灼见，确是一本每位音乐家与爱乐者都应一读的好书。 目录 中文版前言
译者序
前言
一 阿根廷
二 欧洲间奏曲
三 以色列
四 欧洲间奏曲二
五 从少年到成年
六 英国
七 关于指挥与室内乐
八 1967年之后的以色列
九 艺术歌曲与客席指挥
十 法国
十一 歌剧
十二 芝加哥

 

内容推荐 音乐是什么？它如何自我表达？它的方式非常简单，通过声音，实际上也就是空气(布佐尼说它只是“发声的空气而已”)。音乐不只表达人与人之间的情感，它本身也是人类的一项创造，意在模仿自然深刻的层面。
时常有人认为，音乐只是表现人与人之间的情感，像爱与恨，尤其是在剧场音乐中。但是在**音乐中，特别是在没有歌词的与无标题的音乐中，我们应该知道它也表达一个人内在的自我，他与世界和宇宙的关系。因此音乐也有能力感情甚至与感情无关。它经常提供人类关系的一种缩影，因而它具有一种超脱的特性，能够一段爱的二重唱中的叙述性，无论这是威尔第、莫扎特或瓦格纳。 作者简介 朱贤杰，1978年上海音乐学院钢琴系硕士生，1981年毕业后留校任教，1986年移民北美。曾在“上海之春”举行钢琴独奏会，并与上海交响乐团和上海乐团合作演出。参加过“布拉格之春”音乐节，以及莫斯科、圣彼得堡、里加等地巡演，在多伦多、纽约、旧金山、洛杉矶举行过音乐  

 

 

        目录     中文版前言
译者序
前言
一 阿根廷
二 欧洲间奏曲
三 以色列
四 欧洲间奏曲二
五 从少年到成年
六 英国
七 关于指挥与室内乐
八 1967年之后的以色列
九 艺术歌曲与客席指挥
十 法国
十一 歌剧
十二 芝加哥  

 

 

音乐是什么？它如何自我表达？它的方式非常简单，通过声音，实际上也就是空气(布佐尼说它只是“发声的空气而已”)。音乐不只表达人与人之间的情感，它本身也是人类的一项创造，意在模仿自然深刻的层面。
时常有人认为，音乐只是表现人与人之间的情感，像爱与恨，尤其是在剧场音乐中。但是在音乐中，特别是在没有歌词的与无标题的音乐中，我们应该知道它也表达一个人内在的自我，他与世界和宇宙的关系。因此音乐也有能力感情甚至与感情无关。它经常提供人类关系的一种缩影，因而它具有一种超脱的特性，能够一段爱的二重唱中的叙述性，无论这是威尔第、莫扎特或瓦格纳。

 

好的，这是一份关于一本名为《交响诗的色彩》的图书简介，该书内容完全不涉及您提到的“生活在音乐中”、“音乐理论书籍”、“乐理基础教程”或“音乐回忆教材”： --- 《交响诗的色彩：浪漫主义管弦乐的叙事艺术与配器革新》 （A Symphony of Hue: The Narrative Artistry and Orchestral Innovation of the Romantic Tone Poem） 作者： 艾略特·凡·德·霍夫曼 (Elliot van den Hoffma) 出版社： 苍穹艺术文献出版社 (Celestial Arts & Monographs Press) 出版年份： 2024年秋季 页数： 680页（含插图、乐谱摘录及历史文献索引） 定价： 85.00美元 / 620.00人民币 --- 内容简介： 《交响诗的色彩：浪漫主义管弦乐的叙事艺术与配器革新》是一部深度聚焦于十九世纪中后期欧洲音乐领域——特别是李斯特创立并由理查·施特劳斯、西贝柳斯等人发扬光大的“交响诗”（Symphonic Poem）这一体裁——的权威性学术专著。本书旨在剥离对该体裁常见的、过于简化的“程序音乐”标签，转而深入探讨交响诗作为一种独立、高度结构化的管弦乐叙事形式，其在文学、哲学和技术层面的复杂性与革新意义。 本书的研究跨越了近七十年的音乐实践，从李斯特的十二首奠基之作，历经瓦格纳对音画和管弦乐“无尽旋律”的间接影响，直至晚期浪漫主义的辉煌顶峰，如马勒的交响曲（尽管马勒的作品并非严格意义上的交响诗，但其叙事驱动的配器思路与本书探讨的主题紧密相关）以及理查·施特劳斯登峰造极的音诗。 第一部分：形态学的诞生与李斯特的遗产 (The Genesis of Form and Liszt's Legacy) 第一部分详尽考察了交响诗的诞生背景，它如何从古典交响曲的四乐章结构中解放出来，并与当时新兴的浪漫主义文学思潮（如歌德、荷马史诗、北欧神话）产生共鸣。核心章节集中分析了弗朗茨·李斯特如何通过“主导动机”（Thematic Transformation）技术，建立起一种流动的、非严格的奏鸣曲式替代结构。我们细致考察了《前奏曲》、《山中冥想》等作品中，主题如何通过变奏、移调和节奏重构，来描摹文学情节的起承转合，而不仅仅是简单的“音乐插画”。本书特别指出，李斯特对管弦乐声部分配的革命性思考，预示了未来配器学的重大飞跃。 第二部分：民族主义、哲学与戏剧张力 (Nationalism, Philosophy, and Dramatic Tension) 进入第二部分，视野扩展至欧洲各地，探讨交响诗如何成为各国作曲家表达民族精神和哲学思考的载体。 焦点案例研究： 捷克学派： 德沃夏克和斯美塔那的叙事作品如何融合民间旋律与史诗题材，实现民族叙事与交响结构的完美结合。 俄罗斯五人组： 穆索尔斯基和里姆斯基-科萨科夫对异域色彩和清晰戏剧冲突的刻画。 芬兰的抗争： 西贝柳斯《芬兰颂》及早期音诗中，对自然力量和政治隐喻的非语言化表达，分析其如何利用特定的音色和和声语言来构建“冰冷而崇高”的意境。 本部分着重探讨了配器如何服务于哲学意图。例如，分析特定乐器的音色（如低音大号的庄严、双簧管的孤独感）如何被用来代表特定的抽象概念或人物原型，从而构建出超越纯粹音乐性的叙事深度。 第三部分：理查·施特劳斯：配器的终极试验场 (Richard Strauss: The Ultimate Laboratory of Orchestration) 第三部分是全书的理论高潮，完全致力于理查·施特劳斯——公认的交响诗大师——的管弦乐语汇。本书认为，施特劳斯的音诗已将叙事性推向了极限，有时甚至威胁到音乐本身的结构完整性，形成了独特的“管弦乐小说”。 我们进行了详尽的配器学分析，解构了《唐璜》、《查拉图斯特拉如是说》和《蒂尔的恶作剧》中惊人的配器密度和技术要求。书中引入了作者自创的“声部密度指数”（Voicing Density Index, VDI）模型，用以量化特定段落中同时奏响的独立声部数量与音区覆盖率，从而解释施特劳斯如何能在极度复杂的织体中保持清晰的线条感。特别值得关注的是，本书深入研究了施特劳斯如何使用极其精细的打击乐配置（如：各种尺寸的钹、高音钟琴、钢片琴）来描绘特定的空间感或心理状态，而非仅仅作为节奏的补充。 第四部分：超越叙事：对未来音乐的影响 (Beyond Narration: Implications for Future Music) 本书最后一部分探讨了交响诗体裁的衰落与转化。分析了二十世纪初，随着现代主义的兴起，作曲家们如何从对具体叙事的执着中解放出来，转而关注纯粹的音色组合和节奏结构。尽管如此，交响诗在配器技法上的大胆尝试，尤其是对管弦乐“层次感”和“音色对白”的探索，为德彪西的印象主义管弦乐以及后来的管弦乐组曲（如拉威尔）奠定了重要的技术基础。 --- 读者对象： 本书面向专业音乐史研究者、管弦乐队指挥、高级配器法学生以及对十九世纪晚期欧洲文化史和音乐美学有浓厚兴趣的严肃读者。全书涉及大量乐谱示例分析，需要具备基础的管弦乐配器知识和中高级的乐理背景，以便充分理解配器技法的精妙之处。 --- 【关于本书的特别说明】 本书的撰写基于对柏林国立图书馆、巴黎音乐学院图书馆以及维也纳音乐协会保存的原始手稿、作曲家私人信函和早期首演评论的交叉比对研究。作者花费近十年时间，致力于还原交响诗创作时期的艺术生态，力求提供一个既具学术严谨性，又充满阅读激情的管弦乐史诗画卷。本书的结论挑战了若干传统观点，特别是关于李斯特与瓦格纳在管弦乐织体构建上的相互影响，提供了全新的解读框架。 --- (字数统计：约 1530 字)

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我买过好几本“乐理基础教程”，但大多都被我束之高阁了。它们要么过于学术化，让人望而生畏；要么过于简化，治标不治本。《生活在音乐中》这本书找到了一个绝佳的平衡点。它的行文风格非常亲切，仿佛一位经验丰富的老师在你耳边细细道来，没有丝毫架子。我特别欣赏它在解释复杂概念时所采用的类比手法。比如，讲解“调性中心”的概念时，作者将其比喻为一座房子的地基，清晰地说明了为什么所有的音符最终都要围绕这个中心旋转。这种生活化的比喻，让我这个理工科背景的读者能够迅速抓住核心要义。此外，书中的插图和图表设计也极其精良，那些复杂的五线谱示例都被清晰地标注和分解，阅读体验非常流畅。这本书让我第一次感觉到，原来音乐理论的学习可以是一件享受而不是负担。它真正做到了让普通人也能触摸到音乐殿堂的门槛。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种半路出家的音乐爱好者量身定做的。我一直对音乐有着浓厚的兴趣，但苦于没有系统的学习经历，很多乐理知识都是碎片化的，靠着听和模仿来理解。拿到《生活在音乐中》这本书后，我立刻被它那种深入浅出、循序渐进的讲解方式吸引住了。它不像那些传统教科书那样充斥着晦涩难懂的术语，而是将复杂的概念与我们日常生活中能接触到的音乐场景紧密结合起来。比如，讲解和声进行时，作者会用我们熟悉的流行歌曲片段来举例，让我瞬间就能明白某个和弦连接为何会带来特定的情绪起伏。这本书的编排逻辑非常清晰，从最基础的音符、节奏讲起，逐步过渡到调式、曲式分析，每一步都走得很扎实。我尤其喜欢它在讲解过程中穿插的那些关于音乐家、不同音乐流派发展的小故事，这让枯燥的学习过程变得生动有趣，也让我对音乐的理解不再局限于技巧层面，而是上升到了文化和历史的高度。读完第一部分，我感觉自己看音乐的耳朵都变得更敏锐了，以前只是“觉得好听”，现在能说出“这个转调处理得非常巧妙”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的质量绝对超出了我的预期，特别是考虑到它同时涵盖了理论基础和实际应用。《音乐回忆教材》这个名字听起来可能有点老派，但内容却是非常与时俱进的。我发现它在介绍传统音乐理论的同时，并没有回避现代音乐的许多元素。比如，它对节奏的解析，不仅仅停留在拍号和节拍上，还深入探讨了切分音、复节奏在爵士乐和当代音乐中的运用。更让我惊喜的是，它似乎对“听觉训练”这一点下了很大功夫。书中提供了许多引导性的练习，帮助读者主动地去“听出”和声的色彩变化和旋律的走向。我按照书中的建议，每天花时间去聆听一些古典乐的小品，并尝试在脑海中描绘出乐谱的结构，这极大地提高了我的音乐感知能力。这种“知行合一”的学习方式，让理论不再是空中楼阁，而是可以立刻在听觉中得到验证的工具。对于那些希望提升演奏或创作水平的朋友来说，这本书提供了一个非常坚实且实用的框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，远不止于教授基础知识。在我看来，它更像是一部音乐思维的养成指南。《音乐回忆教材》这个标题其实隐藏了它对“音乐体验”的深刻见解。它强调的不是机械地记忆规则，而是如何构建自己的“音乐记忆库”。作者在书中花了大量的篇幅讨论“聆听的深度”——如何从被动接受声音到主动理解声音背后的结构和意图。我特别受触动的是其中关于“即兴创作”的章节，它并没有直接给出复杂的即兴公式，而是鼓励读者从已学的基础知识出发，去“玩耍”音符，去感受情绪的流动。这极大地解放了我的思维定式，让我意识到乐理是用来服务的，而非束缚。这本书培养的是一种“音乐直觉”，这种直觉建立在扎实的理论基础之上，但又超越了规则本身。它让我开始思考，我为什么喜欢这段旋律，而不是仅仅停留在“这段旋律是C大调”的层面。

评分☆☆☆☆☆

对于那些想进行深入自学，但又缺乏有效指导的人来说，这本书简直是黑暗中的一盏明灯。我最欣赏《生活在音乐中》的地方在于其“系统性”和“连贯性”。很多乐理书在介绍完基础后，就会跳跃性地进入到高阶内容，导致学习者在中间环节产生大量知识断层。但这本书非常严谨，它仿佛为你铺设了一条平滑的阶梯，确保你在每一步都站稳了脚跟才允许你向上迈进。从基础的音程到复杂的三和弦、七和弦的构成与转位，再到更进一步的对位法雏形，每一个知识点的引入都有充分的铺垫和回顾。我发现，很多我过去死记硬背的概念，在这本书里通过逻辑推导自然而然地被理解了。这种结构上的完整性，极大地增强了学习的信心和持久力。我毫不犹豫地推荐给任何一个认真对待音乐学习的探索者，它会成为你案头最常翻阅的一本书籍，而不是束之高阁的工具书。