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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807515821

商品编码：29867516219

丛书名： 复调艺术概论

开本：18开

出版时间：2010-08-01

前言 致老师 上编 一般写作技法 第 I 章 绪言 第 I 节 音乐作品中的织体 第二节 复调音乐的风格分期 第三节 复调音乐的一般概念 第四节 复调音乐的表现作用 第二章 复调织体中的旋律 第I 节 多声织体中旋律的一般特性 第二节 严格复调时期的旋律特征 第三节 自由复调织体的旋律 第三章 对比复调 第 I 节 对比复调的写作 第二节 对比复调的织体 第三节 可动对位 第四节 反向对位 第五节 繁复对位的应用 第四章 模仿 第  I 节 一般概念 第二节 模仿的运用 第五章 赋格 第  I 节 赋格的一般概念 第二节 呈示部 第三节 中间部 第四节 再现部 第五节 赋格的诠释处理 第六节 赋格的种类 下编 时代风格特征 第六章 文艺复兴时期的合唱音乐概述 第 I 节 历史文化背景 第二节 主要合唱复调音乐体裁及其发展沿革 第七章 巴洛克时期复调技法的运用概述 第  I 节 历史文化背景 第二节 巴洛克时期复调技法的运用 第八章 维也纳古典时期复调技法的运用概述 第 I 节 历史文化背景 第二节 复调运用的一般特征 第三节 海顿和莫扎特的复调运用手法 第四节 贝多芬的复调运用手法 第九章 浪漫主义时期复调技法的运用概述 第 I 节 浪漫主义的产生 第二节 浪漫主义复调技法的一般特征 第十章 现代音乐中复调技法的运用概述 第 I 节 历史文化背景 第二节 现代音乐中复调技法的运用 第三节 我国音乐创作中复调技法的运用

 

前言
致老师
上编 一般写作技法
第 I 章 绪言
第 I 节 音乐作品中的织体
第二节 复调音乐的风格分期
第三节 复调音乐的一般概念
第四节 复调音乐的表现作用
第二章 复调织体中的旋律
第 I 节 多声织体中旋律的一般特性
第二节 严格复调时期的旋律特征
第三节 自由复调织体的旋律
第三章 对比复调
第I 节 对比复调的写作
第二节 对比复调的织体
第三节 可动对位
第四节 反向对位
第五节 繁复对位的应用
第四章 模仿
第 I 节 一般概念
第二节 模仿的运用
第五章 赋格
第 I 节 赋格的一般概念
第二节 呈示部
第三节 中间部
第四节 再现部
第五节 赋格的诠释处理
第六节 赋格的种类
下编 时代风格特征
第六章 文艺复兴时期的合唱音乐概述
第 I 节 历史文化背景
第二节 主要合唱复调音乐体裁及其发展沿革
第七章 巴洛克时期复调技法的运用概述
第 I 节 历史文化背景
第二节 巴洛克时期复调技法的运用
第八章 维也纳古典时期复调技法的运用概述
第 I 节 历史文化背景
第二节 复调运用的一般特征
第三节 海顿和莫扎特的复调运用手法
第四节 贝多芬的复调运用手法
第九章 浪漫主义时期复调技法的运用概述
第 I 节 浪漫主义的产生
第二节 浪漫主义复调技法的一般特征
第十章 现代音乐中复调技法的运用概述
第 I 节 历史文化背景
第二节 现代音乐中复调技法的运用
第三节 我国音乐创作中复调技法的运用

 

 

这本专为非创作专业学生度身定制而编写的《复调艺术概论》以介绍复调知识为主，共分两编。上编讲述复调写作技法的基本内容以及它们在不同风格写作中的风范；下编简介各个风格时期主要作曲家具有代表性的音乐作品中复调技法的运用特征。

 

《世界音乐史纲要》 导言：跨越时空的音乐旅程 本书旨在为读者提供一部宏大而精妙的世界音乐史全景图。我们相信，音乐并非孤立的艺术形式，而是人类文明发展、社会变迁与精神探索的忠实记录者。从史前部落的原始吟唱，到巴洛克宫廷的华丽乐章；从东方丝绸之路上的神秘旋律，到二十世纪现代主义的激进实验，音乐的河流从未停歇。本书将带领读者，以清晰的脉络和深入的分析，追溯这些文明之声的起源、演变、冲突与融合。 第一部分：古典文明的奠基与早期回响（约公元前5000年 – 公元476年） 第一章：音乐的曙光：史前与古代近东 本章探讨人类音乐的起源及其在早期文明中的作用。我们将考察美索不达米亚、古埃及等地的音乐遗存，分析其在宗教仪式、国家庆典中的功能。重点将放在对早期乐器（如里拉琴、竖琴）的考证，以及楔形文字记录中对音高和旋律的零星描述。 第二章：古希腊的“和谐论”与音乐哲学 古希腊文明对西方音乐理论的奠基作用无可替代。本章详细阐述毕达哥拉斯学派对音程数学本质的发现，即“和谐”的数值基础。我们将深入解析柏拉图和亚里士多德在《理想国》中对“乐制”（Modes）的划分及其对城邦伦理道德的影响。探讨古希腊音乐的记谱尝试（字母记谱法）及其在戏剧中的应用。 第三章：罗马帝国的音乐遗产 相较于希腊的理论深度，古罗马的音乐更侧重于其实用性与军事用途。本章将描述罗马军队中的号角（如罗马长号 Tuba 和号角 Cornu），以及音乐在公共庆典和竞技场中的角色。同时，我们将讨论罗马对希腊音乐传统的继承与传播，为中世纪音乐在欧洲的扩散打下基础。 第二部分：中世纪的圣咏与世俗之声（约476年 – 1450年） 第四章：格里高利圣咏的定型与教会音乐的中心地位 西罗马帝国衰落后，天主教会成为文化保存的主要机构。本章聚焦于格里高利圣咏（Gregorian Chant）的统一化过程，分析其单音音乐（Monophony）的特征、文本与旋律的关系，以及教会礼仪对音乐形式的严格规范。 第五章：记谱法的革命：从纽姆到五线谱 音乐传播的瓶颈在于缺乏精确记录手段。本章详细描述早期纽姆记谱法（Neumes）的演变，特别是圭多·达雷佐（Guido of Arezzo）在引入四线谱和“唱名法”（Solmization）方面的历史性贡献。这一技术革新是西方音乐发展史上的一座里程碑。 第六章：世俗音乐的兴起：游吟诗人与行吟乐师 在教堂之外，世俗音乐开始展现活力。本章介绍法兰西的特鲁巴杜尔（Troubadour）、图尔维尔（Trouvère）以及德意志的明斯特歌手（Minnesinger）。他们的作品主题多围绕宫廷爱情、骑士精神，音乐风格上开始出现节奏的复杂化和对新乐器的探索，为复调音乐的萌芽提供了土壤。 第七章：早期复调的试验：奥尔加农与经文歌的诞生 本章探讨西方音乐史上最关键的转折点之一——复调（Polyphony）的出现。我们将分析“奥尔加农”（Organum）的平行进行、自由组织以及诺特丹画派（Notre Dame School）如佩罗坦（Pérotin）的作品，如何将两个或更多独立的旋律线组织在一个统一的节奏框架内，标志着对音乐空间维度理解的深化。 第三部分：文艺复兴的和谐与人文主义（约1450年 – 1600年） 第八章：弗兰德学派与音乐的国际化 勃艮第公国和尼德兰地区（今低地国家）的作曲家成为15世纪欧洲音乐的中心。本章分析约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）等人的创作，他们完善了模仿手法（Imitation）、卡农（Canon）以及对位技巧，使得声部间的逻辑关系更为紧密和人性化。 第九章：宗教音乐的改革与对位艺术的成熟 特伦特会议对教会音乐提出了要求，旨在恢复文本的清晰度。本章着重研究帕莱斯特里那（Palestrina）如何通过精确的对位技法，在保持复杂的音乐织体（Texture）的同时，确保歌词的易懂性，标志着纯粹对位艺术的巅峰。 第十章：世俗音乐的繁荣：法国香颂与意大利假面歌曲 文艺复兴时期，世俗音乐发展出新的体裁，如法国的香颂（Chanson）和意大利的假面歌曲（Madrigal）。假面歌曲尤其值得关注，它强调“文字的表情”（Word Painting），即音乐直接描绘歌词的意义，体现了人文主义对情感表达的推崇。 第十一章：器乐的独立与早期键盘音乐 随着乐器制作技术的提高，器乐开始脱离声乐的附属地位。本章介绍鲁特琴音乐、维奥尔琴组曲，以及早期键盘乐器（如维吉纳琴）的音乐创作，如托马斯·塔利斯（Thomas Tallis）和威廉·伯德（William Byrd）的作品，以及早期舞曲的结构。 第四部分：巴洛克时代的激情与装饰（约1600年 – 1750年） 第十二章：歌剧的诞生与“巴洛克”风格的形成 16世纪末佛罗伦萨“卡梅拉塔”对古希腊悲剧复兴的尝试，催生了歌剧这一全新体裁。本章分析蒙特威尔第（Monteverdi）的早期歌剧，以及“通奏低音”（Basso Continuo）的出现，它为巴洛克音乐提供了统一的和声骨架。 第十三章：协奏曲的结构与奏鸣曲的规范化 科雷利（Corelli）和维瓦尔第（Vivaldi）奠定了协奏曲（Concerto）的规范，尤其是快-慢-快的三乐章结构和“托纳利形式”（Ritornello Form）的成熟运用。本章将细致分析小提琴演奏技法的飞速发展及其对音乐表达力的影响。 第十四章：巴赫与亨德尔：对位法的终极表达与合唱巨匠 巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）将巴洛克音乐推向了顶峰。我们将详细研究巴赫的《平均律钢琴曲集》对十二平均律的确认，以及他在赋格曲（Fugue）中将对位技法推向逻辑的极致。亨德尔则以其宏大的清唱剧（Oratorio）如《弥赛亚》展示了戏剧性的叙事能力。 第五部分：古典主义的平衡与清晰（约1750年 – 1820年） 第十五章：从洛可可到维也纳古典乐派的形成 巴洛克晚期对复杂装饰的审美疲劳，导致音乐审美向清晰、自然和平衡的方向转变。本章介绍“喜歌剧”（Opera Buffa）对音乐通俗化的贡献，以及早期古典风格的过渡人物，如C.P.E.巴赫。 第十六章：奏鸣曲式：古典结构的理性核心 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义音乐的骨架。本章将拆解呈示部、发展部和再现部的内在逻辑与功能，分析海顿（Haydn）在确立这一形式上的开创性工作，并将其应用于交响曲、奏鸣曲和弦乐四重奏中。 第十七章：莫扎特的旋律天才与歌剧的社会洞察 莫扎特（W.A. Mozart）将古典时期的优雅与深刻的情感表达完美融合。本章关注其钢琴协奏曲中乐队与独奏者的对话，以及在《费加罗的婚礼》、《唐璜》等歌剧中，如何通过音乐语言揭示复杂的人物心理和社会矛盾。 第十八章：贝多芬的桥梁作用：从古典到浪漫的过渡 贝多芬（L. van Beethoven）打破了古典乐派的平衡感，注入了前所未有的个人意志和英雄主义色彩。本章分析其晚期作品中主题的有机发展，以及对交响曲（特别是《第九交响曲》引入人声）的结构性扩展，预示着浪漫主义时代的来临。 第六部分：浪漫主义的抒情与民族色彩（约1820年 – 1900年） 第十九章：舒伯特与艺术歌曲的黄金时代 舒伯特（Schubert）将德语艺术歌曲（Lied）提升到与大型器乐作品同等重要的地位。本章分析钢琴伴奏如何从单纯的支撑转变为叙事和烘托情绪的核心元素，以及“艺术歌曲套曲”的叙事结构。 第二十章：肖邦与李斯特：钢琴表现力的极限探索 浪漫主义对钢琴的偏爱达到了顶峰。本章探讨肖邦（Chopin）如何将波兰民族元素融入前奏曲、圆舞曲等体裁中，以及李斯特（Liszt）对钢琴技巧的革命性拓展，包括交响诗（Symphonic Poem）的发明，使器乐叙事更为自由灵活。 第二十一章：民族乐派的觉醒与民间音乐的融入 在德奥音乐一统天下的背景下，俄国五人组、捷克的德沃夏克、挪威的格里格等人，积极从本国民间音乐、传说和历史中汲取灵感，构建具有鲜明地域色彩的音乐语言。 第二十二章：瓦格纳的“总体艺术作品”与晚期德奥音乐的张力 瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）系统、对和声边界的不断挑战（如《特里斯坦与伊索尔德》），以及对歌剧舞台的全面控制，深刻地影响了20世纪音乐的走向，也带来了传统调性的终极危机。 第七部分：二十世纪的多元探索与文化交融（约1900年至今） 第十三章：印象主义的色彩与原始主义的回归 德彪西（Debussy）受印象派绘画启发，追求声响的色彩和模糊的氛围，打破了传统的和声功能性。与此同时，斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》中以强烈的节奏冲击和对原始部落仪式的模仿，宣告了“原始主义”的到来。 第二十四章：对调性的颠覆：无调性、十二音体系与序列音乐 勋伯格（Schoenberg）及其学生贝尔格（Berg）、韦伯恩（Webern）试图在失去传统调性指引后建立新的组织原则。本章详细阐述十二音列技术（Twelve-tone Technique）的规则，及其在战后发展为更复杂的序列音乐。 第二十五章：美国的音乐景观：爵士乐的诞生与古典音乐的融合 爵士乐作为美国最具原创性的音乐形式，其根源于非洲节奏、布鲁斯和欧洲和声。本章探讨其发展脉络（从新奥尔良到摇摆乐），并分析格什温、科普兰等作曲家如何将爵士元素融入严肃音乐创作中，体现跨文化交流的成果。 第二十六章：电子音乐、偶然音乐与后现代的开放性 二战后，音乐的边界被进一步拓展。本章讨论具体音乐（Musique Concrète）的出现、约翰·凯奇（John Cage）对“偶然性”和“沉默”的哲学探讨，以及音乐家如何利用录音技术和计算机技术，彻底改变了声音的生产和接收方式。 结语：聆听未来的回响 本书的终点也是新的起点。世界音乐史展现了人类在面对环境、精神和技术挑战时，始终不辍的创造力。展望未来，不同音乐文化的交流与碰撞将持续塑造新的声音景观。本书的价值在于提供一个坚实的坐标系，帮助读者更好地理解和欣赏那些尚未被发掘的未来之声。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感受是，它极大地拓宽了我对“音乐是什么”的理解边界。以往我总觉得音乐理论就是那些枯燥的音高、节奏和和弦的堆砌，是束缚音乐表达的“紧身衣”。但阅读这本教材的过程，却像是一场精彩的音乐考古之旅。作者通过对不同历史时期音乐语言的剖析，展示了这些“规则”是如何在特定的时代背景下自然而然地生长出来的，以及它们是如何服务于音乐家们表达情感和思想的工具。例如，在讲解某个特定的织体变化时，书中不仅分析了技术层面的变化，还深入探讨了这种变化在情感表达上带来的微妙差异。这种“知其所以然”的教学方式，彻底改变了我对理论学习的态度。我不再是被动地接受知识，而是主动地去探究音乐的内在逻辑和美学思想。这本书真正做到了将理论学习与音乐欣赏融为一体，让学习者能够带着“理解者”的视角去聆听音乐，这对于提升个人的音乐鉴赏力来说，是无价的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对学术严谨性要求比较高的人，所以挑选教材时，往往会重点考察其引用的资料和参考文献的可靠性。这本书在这方面做得非常出色，虽然它面向的是初学者，但其内容的学术根基却异常扎实。我特意去查阅了书中提及的几个关键理论来源，发现引述的都是该领域内公认的权威著作或经过时间检验的经典论述。这保证了我们学习的知识体系是健康、可靠的，避免了学习到一些已经被淘汰或存在争议的理论。更让我欣赏的是，作者在讲解理论时，并非简单地复述经典，而是在现有框架之上进行了一次非常成功的“现代化转译”。他们用现代人更容易接受的语言和思维方式去诠释那些古老的智慧，使得即便是复杂的“对位法”或“调式分析”等主题，也变得可以被理性地消化和吸收。这种对学术诚信的坚守与对教学方法的创新结合得恰到好处，使得这本书既有学院派的底蕴，又不失面向大众的亲和力。对于想要打下坚实基础的读者来说，这无疑是一份极其宝贵的资源。

评分☆☆☆☆☆

这本《XX》的书，说实话，拿到手的时候，我心里是有点七上八下的。毕竟现在市面上的教材太多了，质量参差不齐，总怕买到那种故作高深、晦涩难懂的“大部头”。但翻开之后，那种感觉一下子就消散了。首先，它的排版和设计就非常人性化，字体大小适中，关键是逻辑结构清晰得让人赞叹。它不是那种堆砌概念的枯燥读物，而是更像一位循循善诱的老师，一步一步引导你进入一个全新的知识领域。我尤其欣赏它在引入复杂概念时所采用的类比和图示，那些抽象的理论，在作者的笔下仿佛立刻就有了画面感和触感。比如，对于某个和声进行规律的解释，它没有直接抛出公式，而是先从几个经典的音乐片段入手，让你在欣赏音乐的同时去感受那个“为什么”，这种潜移默化的教学方式，对于我们这种非科班出身的自学者来说，简直是福音。而且，书中的例证选择也非常巧妙，既有古典时期的严谨范例，也不乏近现代作品的创新尝试，这让学习过程充满了探索的乐趣，而不是被僵硬的规则所束缚。那种读完一个章节后，豁然开朗的愉悦感，是最近阅读其他教材所不曾体验到的。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我过去对很多音乐理论书籍都感到头疼，主要是因为它们往往只关注“是什么”，而忽略了“怎么用”。我常常会想，学了这么多和弦连接规则，我到底该怎么写出一段像样的旋律？这本《XX》在这方面做得非常到位，它像是为每一个渴望创作或深入理解音乐的人量身定做的指南。书中大量的“实践建议”和“创作启发”部分，真正体现了学以致用的宗旨。作者没有把理论知识当作终点，而是看作起点。他们会巧妙地引导你思考：“了解了这一点后，你可以在你的练习曲中尝试哪三种不同的处理方式？”这种开放性的引导，极大地激发了个人的主动性和创造性。我发现自己开始不再畏惧尝试新的和声进行，也不再纠结于是否“符合规范”，而是更关注我的音乐是否表达出了我想要的情感。这本书成功地消除了理论学习与实际创作之间的隔阂，让学习过程充满了发现和创造的乐趣，非常推荐给所有希望将知识转化为自己音乐语言的学习者。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本书的时候，是带着一丝怀疑的。因为我之前接触过不少号称“初学者友好”的音乐理论书籍，结果大多是虎头蛇尾，要么前期讲得太简单，等稍微深入一点就立刻掉链子，要么就是上来就用一堆术语把你轰炸得晕头转向。然而，这本《XX》的叙事节奏把握得极其精准。它仿佛能洞察到学习者在每一个知识点上可能产生的困惑，并提前做好铺垫。我注意到作者在处理一些技巧性较强的部分时，会穿插一些“学习小贴士”或者“常见误区提醒”，这些细小的设计，恰恰体现了编写者深厚的教学经验。特别是涉及到一些需要动手实践的部分，书中的指引清晰明确，没有丝毫模糊地带。我按照书中的步骤尝试了一下，发现自己之前一直搞不懂的某个技巧，竟然奇迹般地被攻克了。这让我对这本书的“实战性”有了极高的评价。它不仅仅是在“教你知识”，更是在“教你如何学习和应用这些知识”，这种教学层面的深度，远超出了我最初的预期。这本书的价值，在于它真正搭建起了一座从理论到实践的稳固桥梁，而不是让人望而却步的空中楼阁。