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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807515210

商品编码：29867517648

丛书名： 倪洪进钢琴作品选

出版时间：2010-11-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

目录

1、练习曲四首

2、金蛇独舞

3、彩虹——鄂温克舞曲

4、壮乡组曲

5、套曲——圆明月漫步

6、幻想曲四首

7、云南儿歌两首

8、基诺儿歌变奏

后记

内容推荐

这部规模宏大的系列丛书，是以名家专集形式向广大读者介绍在我国钢琴创作领域中做出突贡献的知名作曲家的主要作品，是一套具学术研究价值，且有着很高艺术鉴赏水准和实用价值的重要书谱。

 

 

目录

1、练习曲四首

2、金蛇独舞

3、彩虹——鄂温克舞曲

4、壮乡组曲

5、套曲——圆明月漫步

6、幻想曲四首

7、云南儿歌两首

8、基诺儿歌变奏

后记

 

 

这部规模宏大的系列丛，是以名家专集形式向广大读者介绍在我国钢琴创作领域中做出突贡献的作曲家的主要作品，是一套具学术研究价值，且有着很高艺术鉴赏水准和实用价值的重要谱。

 

 

音乐的殿堂：从古典到现代的钢琴艺术之旅 （一） 引言：开启音乐的无限可能 本书旨在为所有对钢琴艺术怀有热情、渴望深入探索音乐世界的学习者和爱好者提供一份全面而富有洞察力的指引。我们深知，钢琴不仅是一件乐器，更是一扇通往人类情感表达与文化传承的宏伟殿堂。本书的内容横跨了钢琴学习的多个核心维度，从基础的乐理知识奠基，到经典曲目的深度解析，再到现代演奏技巧的精妙阐述，力求构建一个立体、系统且富有实践性的学习框架。我们拒绝刻板的、机械化的教程灌输，转而侧重于培养学习者内在的音乐感知力与独立思考能力，让学习过程本身成为一次充满发现与创造的旅程。 （二） 理论基石：构建坚实的音乐语法体系 (约300字) 任何精妙的演奏都离不开扎实的理论根基。本书的第一部分将深入剖析西方音乐理论的精髓，但方式绝非枯燥的公式堆砌。 节奏与节拍的脉动： 我们将探讨不同时代、不同风格音乐中节奏处理的微妙差异，从巴洛克时期的严谨律动到浪漫主义时期的自由呼吸感，如何通过细微的停顿、加速与延缓来赋予音乐生命力。内容包括复杂的复节奏、切分音的灵活运用，以及如何通过内心对节拍的准确把握，实现“准确的自由”。 和声的色彩学： 和声是音乐的情感载体。本书将系统梳理从功能和声到印象主义和声的演变脉络。重点讲解三和弦、七和弦的构成与转位，以及如何识别和运用各种经过和弦、副属和弦来增加色彩的层次感。我们尤其会关注和声进行在不同时期作品中的情感暗示作用，例如，如何通过不协和音的引入与解决，精准传达作曲家的喜悦、忧郁或冲突。 曲式结构的解析： 理解结构是理解音乐逻辑的关键。本书将详细拆解奏鸣曲式、回旋曲式、赋格曲式等古典范式，同时探究如三段式、自由曲式在不同体裁中的应用。通过宏观把握作品的布局，学习者能更好地规划演奏的起承转合，避免演奏过程中“迷失方向”。 （三） 技术磨砺：精益求精的手指工程 (约400字) 钢琴演奏是一项精细的体力与脑力结合的技艺。本书的“技术磨砺”部分，摒弃了简单地要求“弹快弹大”，而是聚焦于科学、高效、富有音乐性的技术训练方法。 触键的哲学： 探讨“重量的转移”与“手指的独立性”。内容涵盖了从手指尖到手臂的整体放松与能量传导，不同的触键方式（如断奏、连奏、重奏）如何产生截然不同的音色。我们提供了一系列针对性练习，旨在消除不必要的肌肉紧张，实现轻盈而有力的发声。 音阶与琶音的超越： 传统的音阶练习容易流于机械。本书将音阶和琶音的练习与具体作品语境相结合。例如，如何根据肖邦练习曲中不同调性、不同速度的要求，调整指法和手腕的配合。内容包括多调性音阶的交替练习、大跨度琶音的平稳过渡技巧，以及如何将这些基础练习融入到演奏的“歌唱性”之中。 跨越难关的策略： 针对八度连奏、双音、快速音群等高难度技巧，本书提供了基于心理学和运动科学的分解练习方案。强调“慢速的精确性”远胜于“快速的错误重复”，以及如何运用视听反馈和录音分析来纠正潜藏的技术缺陷。 （四） 曲目精选与风格鉴赏 (约500字) 理论与技术终需在作品中实现升华。本书精选了横跨不同历史时期的标志性曲目，提供深度的风格解读与演奏指导。 巴赫的逻辑与律动： 重点分析《平均律钢琴曲集》中的赋格，指导学习者如何“听见”声部的独立对话，如何在清晰的逻辑下保持音乐线条的连贯性。强调巴赫时期演奏风格的清晰度、装饰音的准确处理，以及对“通奏低音”概念的理解。 莫扎特与贝多芬的古典精神： 对奏鸣曲的结构性、清晰度和“歌唱性”进行深入剖析。指导如何把握莫扎特音乐中的优雅与平衡，以及如何展现贝多芬作品中的戏剧冲突与英雄气概，例如在奏鸣曲的呈示部、发展部和再现部中的情感处理策略。 浪漫主义的诗意与激情： 聚焦于舒曼、肖邦和李斯特的作品。本书详细讨论了浪漫主义时期对踏板使用的创新，如何利用踏板“模糊”与“连接”来实现音色的丰富变化。对于肖邦的夜曲，侧重于气息的运用和旋律线的“歌唱感”；对于李斯特的炫技作品，则强调如何在展现技巧的同时，保持音乐的内在连贯性和思想深度。 印象主义与现代探索： 德彪西和拉威尔的作品是音色魔术的典范。本书指导如何驾驭半音阶、全音阶与五声音阶，以及如何通过精妙的触键和踏板，营造出水波、雾气般的音响效果。同时，简要涉及二十世纪初期的复调与无调性音乐对钢琴演奏提出的新挑战与新机遇。 （五） 音乐的内涵：从演奏到诠释 (约300字) 最高层次的演奏是对作曲家思想的再创造。本书的最后部分着重于培养学习者的音乐理解力、鉴赏力和自我表达能力。 历史背景的关联： 强调在演奏任何作品前，必须了解其诞生的时代背景、作曲家的个人经历和流派特征。例如，理解海顿的幽默感与贝多芬的革命精神，对演奏风格的走向至关重要。 听觉训练与内心构建： 介绍如何进行主动的听觉训练，不仅是听外部的声音，更是训练“内心的声音”。在练习时，要求学习者在弹奏前，必须在脑海中清晰地预先“听见”期望的音色、速度和力度。 排练与录音的自我评估： 提供了一套科学的自我排练流程，包括分段练习、组块练习、连接练习。鼓励学习者定期录制自己的演奏，并以“批判性听众”的视角，客观地分析技术瑕疵、情感表达的薄弱环节，从而实现螺旋式进步。 结语： 本书是一份持续性的邀请函，邀请你走进钢琴艺术的深邃世界。它提供地图和工具，但真正的探险，需要你凭借自己的热情和智慧去完成。愿你的指尖，能触及音乐最深处的真理。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的排版真是让人眼前一亮，每一个音符的间距、五线谱的清晰度都处理得恰到好处，即便是初学者也能毫不费力地跟上节奏。我记得我以前买过几本别的出版社的教材，那些密密麻麻的五线谱简直是视觉上的折磨，练琴的时候光是辨认音符就要花费大量精力。但倪洪进老师的这套作品集，从装帧设计到内页布局，都透露出一种对学习者深切的关怀。特别是那些练习曲的配图和讲解，不再是枯燥的文字堆砌，而是用形象生动的方式把音乐中的情感和技巧要点串联起来，让人在弹奏的同时，仿佛能看到音乐家在眼前示范一般。我特别喜欢其中关于踏板使用的那几页插图，用不同深浅的颜色来表示踩下和放松的时机，这个巧妙的设计，让我这个过去总是在踏板问题上打滑的“老手”茅塞顿开。总而言之，这不仅是一套学习乐谱，更像是一份精心准备的艺术品，让人愿意长久地珍藏和研习。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这套教材主要是冲着对这位作曲家（或编者）的声誉的信任去的，但实际使用下来，发现它的价值远超我的预期。尤其让我印象深刻的是其在“音乐表现力”指导上的深度。很多教材只告诉你“慢速”“柔和”，但这本书会深入到力度标记背后的情感逻辑。比如，在处理一个渐强段落时，它会提示你考虑是“情绪的累积”还是“空间的回响”，这种对音乐内在动机的挖掘，远非简单的机械练习所能替代。我尝试用它提供的思路去重新审视我以前练习过的几首肖邦练习曲，发现音色和情感表达上都有了质的飞跃。这套教材的价值，已经超越了基础技能训练的范畴，它更像是一位严谨而富有洞察力的钢琴导师，引导学习者去真正理解和诠释音乐的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

作为一位有着多年业余学习经历的琴童家长，我深知找到一套既能激发孩子学习兴趣，又不会拔苗助长的教材是多么困难。很多教材对孩子来说，前面的铺垫太长，导致孩子在基础尚未完全巩固时就被迫进入高难度区，挫败感油然而生。这套教材在这方面做得非常平衡。它循序渐进的程度把握得极其精准，每个新技巧的引入都伴随着大量有针对性的、趣味性强的练习曲。我观察我的孩子，他对于教材中那些带有叙事性标题的小曲子表现出极大的热情，他会主动去想象曲子背后的情境，而不是机械地去完成指法练习。更让我欣慰的是，它对乐理知识的讲解也融入得极为自然，不再是单独拎出来的、让人头疼的理论章节，而是通过弹奏实践，让孩子在不知不觉中掌握了和弦的构成和调性的转换。这套书成功地将“学习”的压力转化成了“探索”的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我对乐谱的装帧质量一直比较挑剔，毕竟每天都要被我翻来覆去地使用，太薄的纸张用不了几次边缘就容易卷曲或破损。这套教材的用纸厚度、光泽度以及印刷的耐久性都达到了专业级别的水准。我注意到，在一些高强度练习的反复弹奏区，即便是墨水最深的低音区，也没有出现晕染或者被手指油渍模糊的现象，这说明其油墨和纸张的抗污能力都经过了精心测试。另外，装订方式也十分人性化，它能够完全平摊在钢琴谱架上，不需要用手或夹子去压着书页，这对于需要双手专注于键盘演奏的学习者来说，是一个非常重要的细节考量。可以说，从物理层面到艺术层面，这套教材都体现出一种对学习者体验的极致追求。

评分☆☆☆☆☆

我接触过不少国内外的钢琴教学法，坦白说，很多所谓的“教程”无非就是把难度等级稍微划分了一下，内容上还是老一套的哈农、车尔尼的变种。然而，这本教材真正让我感到惊喜的是它在融合东西方音乐元素上的大胆尝试。它没有固步自封于古典体系的框架内，而是巧妙地引入了一些更具时代感的和声进行和节奏型，这对于想要培养现代演奏风格的学生来说，无疑是极大的助力。我发现，教材中有些小品练习，其旋律线条的处理，颇有中国传统音乐的韵味，但和声基础却扎根于扎实的西方音乐理论，这种“中西合璧”的构建方式，使得演奏出来的音乐既有深度，又不失亲和力。对于想要在国内音乐学院深造的学生来说，这种全面的训练是至关重要的，它为他们未来走上国际舞台打下了坚实的基础，而不是仅仅停留在对某个特定流派的模仿上。