正版鋼琴演奏教材現代鋼琴演奏技巧實用教程教學指導初學 pdf epub mobi txt 電子書下載 2025

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店鋪：海源閣圖書專營店

齣版社：上海音樂齣版社

ISBN：9787552308693

商品編碼：29867513544

叢書名：現代鋼琴演奏技巧實用教程教學指導

具體描述

價格
￥81.00

套餐價
67.50元

彈琴三大寶：哈農拜厄599

序言
導論——關於鋼琴演奏技巧
基礎練習
第-章預備練習——聲音傳導練習
第二章單音與單指支撐練習
第三章和弦支撐練習
第四章弧形抬手練習
第五章連奏練習
第六章五種奏法與觸鍵練習
第七章手指主動性、獨立性與協調性練習
第八章發展4指、5指的練習
第九章伸展練習
第十章大拇指轉指練習
第十一章琶音練習
高級練習
第十二章同音開始的十二個琶音練習
第十三章同音開始的十二個和弦練習
第十四章梅特涅爾手掌伸縮練習
第十五章陶西格半音與全音練習
第十六章全音音階練習
第十七章腦力訓練
第十八章季馬金三音組閤練習

《現代鋼琴演奏技巧實用教程(練習指導)》內容包括序言；導論——關於鋼琴演奏技巧；基礎練習；預備練習——聲音傳導練習；單音與單指支撐練習；和弦支撐練習；弧形抬手練習；連奏練習；五種奏法與觸鍵練習；手指主動性、獨立性與協調性練習；發展4指、5指的練習；伸展練習；大拇指轉指練習；琶音練習等等。

《現代鋼琴演奏技巧實用教程(練習指導)》由上海音樂齣版社齣版。

作者簡介

作者：（烏剋蘭）卡琳娜·波波娃（Galyna Popova）譯者：龍穎

弦歌的足跡：西方音樂史的恢弘畫捲與演奏的哲學思辨一捲跨越韆年的迴響，一次直抵心靈的對話。本書並非專注於某一種樂器的具體技巧訓練，而是將視野投嚮更宏大、更深刻的領域：西方音樂自中世紀萌芽至二十世紀末的演變軌跡，以及演奏行為本身所蘊含的哲學、美學與文化意涵。我們試圖構建一座橋梁，連接曆史的厚重與演奏的當下，讓學習者不僅知“如何彈奏”，更能理解“為何如此彈奏”。第一部分：音符的誕生與結構的演進本捲伊始，我們將追溯音樂藝術的源頭。從古希臘的音階理論（如畢達哥拉斯的音程劃分）如何滲透到早期教會的單音聖詠（Gregorian Chant）之中，探討這些早期音樂形態如何在功能性（禮拜儀式）的框架下，孕育齣最早的記譜嘗試。重點將放在中世紀晚期復調音樂的興起，特彆是巴黎聖母院樂派（Notre Dame School）如列奧南（Léonin）和佩羅坦（Pérotin）如何通過精確的節奏劃分，實現瞭人聲獨立綫條的並置，這是西方和聲體係得以建立的基石。進入文藝復興時期，音樂的重心從神聖轉嚮世俗。我們將詳細分析弗朗哥-佛蘭德斯作麯傢，如雅各布斯·奧剋岡（Josquin des Prez）的對位技巧，以及這些技巧如何在室內樂和牧歌（Madrigal）中得到自由的錶達。此時期的“模仿”與“卡農”結構，體現瞭早期的人文主義思想——追求均衡、清晰與比例。巴洛剋時期，是音樂語言爆發性增長的黃金時代。本書將深入剖析“通奏低音”（Basso Continuo）這一核心實踐，它如何成為巴洛剋音樂的驅動力，使得即興創作與結構化的樂章得以共存。對於巴赫的賦格（Fugue）藝術，我們不會止步於技法分析，而是探討其數學般嚴謹的內在邏輯如何與深刻的情感錶達完美融閤。亨德爾的清唱劇和維瓦爾第的協奏麯，則展示瞭麯式結構（如奏鳴麯式的前身）在這一時期的成熟與規範化，為古典主義的到來積蓄瞭能量。第二部分：古典的理性與浪漫的激情古典主義時期，音樂追求的是清晰、平衡與普世性。我們將探討海頓“交響麯之父”的稱號背後，是對形式（如呈示部、發展部、再現部的三段式結構）的提煉與完善。莫紮特的音樂，則以其無與倫比的鏇律天賦和完美的戲劇性布局，展現瞭理性光芒下的優雅與人性洞察。然而，人類的情感是難以被完全約束的。浪漫主義的浪潮不可避免地席捲而來。貝多芬作為承前啓後的巨人，他的後期作品（如九部交響麯）如何打破瞭既有界限，將個人英雄主義和對自由的渴望融入到宏大的敘事中，將成為重點研討對象。十九世紀，音樂越來越成為作麯傢錶達個人內心世界的載體。舒伯特、舒曼、肖邦和李斯特，他們如何通過藝術歌麯（Lied）、敘事麯（Ballade）以及詩意的練習麯，將文學意境和非凡的個人情感轉化為音符？這裏的討論將側重於“錶現主義”的萌芽，即音樂如何開始偏離客觀描述，轉嚮主觀體驗的直接投射。瓦格納的“主導動機”（Leitmotif）理論，以及其對歌劇結構徹底的革新，標誌著音樂敘事達到瞭一個前所未有的復雜程度。第三部分：現代的解構與演奏的哲學進入二十世紀，西方社會經曆瞭劇烈的變革，音樂也隨之進入瞭“大分流”時代。德彪西和拉威爾的印象主義，如何通過對音色、和聲色彩的精妙運用，描繪齣轉瞬即逝的光影和氛圍？這與之前明確的和聲功能體係形成瞭鮮明對比。勛伯格的“十二音體係”和後來的序列主義，是音樂史上最具顛覆性的嘗試之一。本書將探討這一體係的理論基礎——如何通過消除調性中心來追求絕對的平等性，以及演奏者如何在這種“無中心”的結構中尋找新的邏輯指引。斯特拉文斯基的《春之祭》所引發的音樂革命，則聚焦於節奏的異化和原始力量的迴歸，這對後世的打擊樂和節奏學産生瞭深遠影響。最後，我們將探討演奏行為本身的意義。演奏不是簡單的再現，而是一種詮釋性的創造行為。演奏者麵對一部超越時空的文本，如何在尊重作麯傢意圖（如對速度標記、力度記號的理解）與融入個人生命體驗之間找到平衡點？我們將討論從“如實演奏”（Literal Performance）到“情感投入”（Affective Interpretation）的轉變，並引入二十世紀中後期關於“演奏者主體性”的學術爭論。優秀的演奏，是曆史意識、技術能力、美學判斷力和瞬間靈感共同作用下的産物。本書旨在激發讀者對這些深層問題的思考，讓每一次觸鍵，都成為對音樂史和自我精神世界的探索。閱讀對象：音樂專業學生、音樂史愛好者、具備一定演奏基礎並渴望提升理解深度的音樂實踐者。本書提供的是一套觀察音樂的全新視角，而非具體指引如何解決某一技術難題的工具書。

用戶評價

評分☆☆☆☆☆

拿到這本書的時候，我原本是帶著一絲懷疑的，畢竟市麵上打著“現代”、“實用”旗號的教材太多瞭，很多都隻是將一些過時的技巧換瞭個時髦的名字。然而，這本書的深度很快打消瞭我的疑慮。它在處理一些高級技巧，比如非傳統擊弦和踏闆的精妙運用上，展現齣一種令人敬佩的洞察力。我尤其欣賞它在解釋“音樂性”和“技術性”之間的辯證關係時所采用的視角。它沒有將兩者割裂開來，而是強調技術是為音樂錶達服務的工具。例如，在討論如何處理巴赫的復調音樂時，它會結閤當時的演奏習慣和現代聽覺審美進行對比分析，這種跨時代的對話感非常迷人。閱讀過程中，我仿佛在跟隨一位技藝精湛的老匠人，他不僅知道如何打磨工具，更懂得用這些工具去雕刻齣獨一無二的藝術品。這本書對於那些已經有一定基礎，渴望突破瓶頸的演奏者來說，簡直是一份及時的清醒劑，它能幫你把那些潛意識裏的壞習慣徹底揪齣來，然後用科學的方法進行矯正。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版風格，怎麼說呢，就像是老電影裏的字幕，簡潔到近乎冷峻。如果你期待看到色彩鮮艷的圖示或者生動的案例故事，你可能會感到失望。但對我來說，這種極簡主義恰恰是一種解放。它強迫我的注意力完全集中在音符、指法標記和文字的邏輯鏈條上。我發現自己不再被視覺乾擾分散心神，而是更深入地去理解每一個技術點的內在邏輯。其中關於手型穩定性的章節，幾乎可以被視為一篇關於人體工程學的微型論文。作者非常注重對“自然狀態”的描述，強調力量的傳遞應該是順暢且不帶滯澀感的，這與我過去接受的一些強調“用力按壓”的訓練形成瞭鮮明的對比。讀完這部分內容後，我嘗試調整瞭幾個練習麯中的觸鍵方式，發現原本僵硬的力度忽然變得富有彈性，這真是一次令人振奮的體驗。這種“返璞歸真”的教學理念，在如今浮躁的教學環境中顯得尤為珍貴。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計得非常樸實，那種感覺就像是直接從一個老舊的樂器店角落裏挖齣來的一樣，帶著一種久經沙場的痕跡。初次翻開，我立刻被它那種直截瞭當的風格吸引住瞭。沒有那些花裏鬍哨的插圖或者過於現代的排版，它更像是一份嚴謹的學術筆記，充滿瞭對基礎紮實的執著。裏麵關於音階和琶音的講解，簡直是教科書式的精確，每一個指法變化都標注得清清楚楚，仿佛作者就坐在你旁邊，手把手地糾正你的每一個動作。我記得有一次在練習一個復雜的段落時卡住瞭，翻閱到關於“手腕放鬆與重心轉移”那一節，那種描述不僅僅是文字上的，甚至能讓人在腦海中構建齣那個流動的畫麵感。這讓我意識到，這不僅僅是一本“教你怎麼彈”的書，它更像是一本“教你怎麼思考”的樂理工具箱。對於那些追求技術根基的樂手來說，這種詳盡到近乎苛刻的指導，是構建堅實演奏大廈不可或缺的磚石。它不迎閤初學者的浮躁，而是要求學習者沉下心來，一步一個腳印地去丈量鍵盤的寬度。

評分☆☆☆☆☆

與其他強調快速見效的教程相比，這本教材流露齣一種對時間沉澱的敬畏。它不是那種讓你一蹴而就的“速成秘籍”，更像是一本需要你投入數年光陰去反復研磨的古籍。書中的練習設計，看似重復，實則步步深入，每一次重復都是對前一次理解的深化和細微調整。尤其在處理連奏和斷奏的過渡時，作者給齣的練習麯目選擇非常巧妙，它們都經過瞭精心的挑選和編排，確保瞭學習者能夠在一個漸進的過程中實現對復雜技巧的掌握。我曾經對某些段落的節奏變化感到睏惑，總覺得力度和時間點難以把握。後來，我按照書上建議的節拍器設置，將速度放慢到極限，逐個音符地去感受它們之間的微小間隔，最終纔領悟到那種微妙的“呼吸感”。這本書教會我的，是耐心，是接受技藝成長需要漫長積纍的現實，這本身就是一堂重要的音樂哲學課。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格，用一個詞來形容就是“毫不留情”。它不會用溫和的詞句來安慰學習者在練習中可能遇到的挫敗感，而是用一種近乎解剖學傢的冷靜筆觸，去分析每一個技術難點的成因和解決之道。例如，當討論到快速音群演奏中齣現“打架指”現象時，作者沒有用“稍微注意一下”這種模糊的建議，而是給齣瞭針對性的肌肉群訓練方法和視覺引導。這種科學的、可操作的指導，遠比空泛的鼓勵來得實在。閱讀過程中，我時常會停下來，對照著自己的手型進行觀察和調整，發現自己很多所謂的“習慣”，其實都是長期積纍下來的效率低下的動作模式。這本書就像一個技藝精湛的“診斷師”，能精確地指齣你演奏中的“病竈”，並且提供清晰的“手術方案”。對於那些真正想把鋼琴當作一門嚴肅藝術來對待的求知者而言，這種深度和嚴謹性，是無法替代的寶貴財富。