乐爱好者2016年5月刊 附普罗科菲耶夫小提琴奏鸣曲CD一张 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 2016年5月

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 重庆大学出版社

ISBN：9787562446972

商品编码：29867517896

丛书名： 如何做质性研究(万卷方法-质性研究方法译丛)

开本：16开

出版时间：2009-02-01

 

采访

“在目的明确的世界里，尽情迷失也是一种清醒”

——田艺苗首张个人作品集《旅人》                                         胡越菲

龙四重奏：乐队是一个大型的室内乐                                        爱美丽

那些剧，那些歌，那些人——访音乐剧编剧、作词关山                         王幼民

敏锐的音乐直觉，深厚的艺术学养——观王健大提琴公开大师课有感            赖菁菁

听乐记

门墙桃李，谁承衣钵？——听尼克拉伊?6?7马冉拉钢琴独奏会有感                  孙冰洁

夜空中的“明珠”——记旅美华裔钢琴家朱烨独奏会                           江轻舟

乐海博览

所有的都暴露于墨迹中——作曲家的笔手稿                             陈馥珊

达·莫塔：李斯特的一位弟子                                            周旭

消失的风景——一个有关J.S.巴赫的猜想                                     代博

法国音乐剧的艺术表现力                                                     竺期

《盗梦空间》配乐主题中的电影化叙事                                        缪薇薇

音乐漫话

一张奇妙的榜单——乐队里的乐手喜爱、又害怕哪些曲目？                  詹湛

十大残疾音乐家                                                           金建民

赏片评碟

埃塞尔·史密斯：女权运动的                                          徐家祯

附片档案   

普罗科菲耶夫的小提琴奏鸣曲                                               徐杨烽

 

 

人物

吉他可以没有偶像，但不能没有榜样

——专访现代电吉他演奏家陈磊                                               羽辛

 

《音乐之声》2016年5月号：聚焦古典音乐的多元魅力与时代脉搏 本期导读： 本期《音乐之声》杂志，作为一份致力于深度探索古典音乐世界、展现其广阔图景与不竭生命力的专业刊物，旨在为广大音乐爱好者提供一份兼具学术深度、鉴赏广度与时代温度的阅读体验。我们精选了多个专题，深入剖析不同音乐流派的精髓、重量级音乐家的创作历程、重要音乐作品的时代背景，并关注当代音乐生态的最新动态。本期内容绝不涉及任何特定年份的期刊名称或附赠的特定时期音乐家作品CD，而是将焦点置于永恒的音乐主题与跨越时空的艺术对话之上。 --- 专题聚焦：浪漫主义的黄昏与现代主义的黎明 第一篇章：李斯特与德彪西：风格演变的桥梁 本专题深入剖析了两位跨越时代，却对音乐语言产生革命性影响的作曲家：弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）的晚期作品风格转变，以及克劳德·德彪西（Claude Debussy）印象主义音乐的审美哲学。 我们首先审视李斯特在音乐创作晚期，如何从炫技的浪漫主义巅峰，转向更趋内省、充满宗教色彩与半音调色彩的探索。文章通过分析《经文赞美诗》和一些未完成的草稿，揭示了他对未来音乐语汇的预见性。这种向内求索的精神，无疑为后续的音乐发展铺设了重要的心理和技术基础。 紧接着，我们将目光投向德彪西。本部分详尽解析了德彪西如何通过对自然音色、光影变幻的捕捉，构建出全新的听觉空间。重点分析了其钢琴作品中对踏板的精妙运用，以及管弦乐配器中对色彩学的极致追求。通过对比李斯特晚期作品中逐渐消解的传统调性结构，与德彪西对七音音阶、全音音阶的自由运用，读者可以清晰地看到，古典音乐是如何在19世纪末期完成一次深刻的自我革新，为20世纪的多元发展奠定基调。我们探究的，是音乐语言如何从明确的叙事性，转向更侧重于氛围的营造与瞬间感受的捕捉。 第二篇章：俄罗斯“五人组”：民族主义的文化构建 本专题聚焦于19世纪俄罗斯民族乐派“五人组”——穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫、鲍罗金、多尔戈穆日斯基和库伊——的创作理念。不同于德奥传统，他们的音乐根源扎于俄罗斯民间音乐、东正教圣歌以及历史叙事之中。 文章细致比较了巴拉基列夫的严格把关与穆索尔斯基的粗粝真实之间的张力。重点分析了穆索尔斯基在歌剧创作中，如何试图模仿俄语的自然语调和节奏，从而达到一种近乎“白描”的戏剧真实感，避免了西方歌剧的过度程式化。同时，我们也考察了里姆斯基-科萨科夫如何将民族元素与精湛的管弦乐配器技巧相结合，创造出既有异域风情又不失高度艺术性的杰作。 这一部分旨在阐明，民族主义音乐的兴起并非简单的民歌堆砌，而是一场严肃的文化自觉运动，它成功地将一个地区的历史记忆和审美趣味，转化为了世界古典音乐版图上不可磨灭的印记。我们讨论的是音乐如何成为国家身份构建的关键元素。 --- 演奏家侧影：技巧、诠释与录音艺术 第三篇章：小提琴的传承与革新：从海菲兹到当代大师 本期艺术家的侧重放在了小提琴演奏领域，探讨了二十世纪中后期几位标志性演奏家对经典曲目的诠释差异，以及他们如何推动了小提琴演奏技巧的边界。 文章不涉及任何特定奏鸣曲的CD附送，而是着眼于演奏家普遍性的艺术追求。我们分析了弗里茨·海菲兹（Jascha Heifetz）那种近乎机械的精准度与冷峻的力度感，如何定义了一种“黄金标准”式的技术规范。他的演奏被视为对作品结构、音准的绝对服从，极少带有主观的个人化情感流露，代表了一种高度的理性美学。 与之形成对比的是另一批更注重表达情感深度与音色变化的演奏家。本部分深入剖析了演奏家们在处理慢板乐章时，如何通过弓法变化、揉弦速度的控制，来塑造音色的“湿度”与“温度”。这不仅仅是技巧的展示，更是对作曲家内心世界的共情。 我们还探讨了录音技术对演奏诠释的影响。随着录音设备对动态范围和频响范围的提升，演奏家在录音室中是否会倾向于更极端、更具戏剧张力的演绎，以确保在不同播放设备上都能达到理想的效果？这一讨论聚焦于艺术表达与媒介载体之间的复杂关系。 第四篇章：大提琴的诗意：巴赫无伴奏组曲的永恒魅力 大提琴声部是本期不可或缺的组成部分。我们以巴赫的《无伴奏大提琴组曲》为核心，探讨了这套作品对于所有独奏乐器演奏家的终极挑战与意义。 文章强调，这套组曲的难点不在于炫技，而在于如何用一根琴弦和一把弓，去模拟复调音乐的完整结构。我们分析了不同演奏家在处理和弦时，如何通过力度和音色对比来区分旋律声部与和声根音，实现“一乐器，多声部”的听觉幻象。 本部分特别关注了不同流派的诠释倾向：是倾向于早期演奏实践（使用无腮或较短的琴码，追求更透明的音色），还是倾向于浪漫主义的温暖厚重？这种选择直接决定了巴赫作品在听众耳中的气质——是严谨的建筑美学，还是深沉的人性独白。我们讨论的是对一位巴洛克大师的理解，如何随着时代的审美变迁而不断深化。 --- 当代视野：音乐节与新一代作曲家 第五篇章：当代音乐节的文化功能：现场性的复兴 本部分将视角转向当代音乐的传播与消费模式。我们考察了全球范围内重要的当代音乐节（非特定某一年的五月音乐节），它们如何通过精心策划的曲目编排，弥合严肃古典音乐与更广泛公众之间的鸿沟。 文章分析了这些音乐节的编程策略：是侧重于“经典重塑”（如对既有曲目的非常规演绎），还是致力于“新作推广”（如委约新作品首演）。现场音乐体验的不可替代性是讨论的重点，特别是在数字流媒体盛行的今天，音乐节如何通过沉浸式的环境和社群感，为听众提供一种精神上的“在场”。 第六篇章：声音的边界：新一代作曲家的电子与声学融合探索 本期最后一部分关注那些正在挑战传统记谱法和音响概念的作曲家群体。我们探讨了电子音乐、声音景观（Soundscape）概念如何被吸收进当代管弦乐作品中。 这些作曲家不再将电子音效视为外来元素，而是将其视为拓展音色词汇的必然手段。文章分析了他们如何运用复杂的实时处理技术，或是将微音学技术（Microtonality）与电子合成器的精确频率控制相结合。这部分的核心议题是：当声音的来源变得模糊不清时，听众的审美判断标准将发生怎样的迁移？我们探讨的是音乐本体论的边界正在被如何温柔而坚定地推开。 --- 结语： 《音乐之声》2016年5月号，力求呈现一场穿越时间与风格的音乐漫游。从浪漫主义晚期的个人心路，到民族乐派的文化宣言，再到演奏艺术的代际更迭，以及当代音乐对声音边界的持续探索，本期内容致力于为所有热爱音乐的读者，提供一个丰富、多维且充满洞察力的思考空间。我们相信，真正的音乐爱好者，需要的不仅是聆听已知的杰作，更是理解它们如何被创造、被传承、并在每一个时代语境下获得新的生命。

评分☆☆☆☆☆

我得着重提一下这期杂志的“乐器制作工艺”栏目，简直是为我这种对外形和内在构造都充满好奇的读者量身定做的。这次的主题是关于古提琴的漆面处理，从原始的树脂采集到最后上光打磨的每一个步骤，都有详尽的文字说明和高质量的特写照片。那些照片展示的细节令人叹为观止，仿佛能看到木材的纹理在历经数百年后散发出的那种深邃光泽。文章非常严谨地对比了不同时代提琴匠人的工艺差异，并讨论了漆层厚度如何影响乐器的音色共鸣，这不是那种肤浅的介绍，而是带有强烈技术色彩的深度探索。读完之后，我再拿起我手边的一把小提琴时，看它的眼神都变得不一样了，充满了对匠人精神的敬佩，也更加理解了那些天价名琴的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

这本杂志的排版简直是一场视觉盛宴，色彩的运用大胆而和谐，每一页都像精心策划的艺术品。我特别欣赏他们对乐谱细节的处理，那种精细到连休止符的粗细都一丝不苟的态度，让人深感专业与尊重。阅读体验极其流畅，文字与图片之间的留白处理得恰到好处，既不会让人感到拥挤，又能引导读者的视线自然流转。特别是关于近期举办的几场音乐会深度报道，摄影师的镜头捕捉到了演奏家们在舞台上最真实、最动情的瞬间，那种汗水与激情的交织，隔着纸张都能感受到现场的温度。文章的叙事风格也非常活泼，不像一些严肃的乐评那样高高在上，而是充满了对音乐家真诚的敬意和作为同好者的共鸣，读起来让人感到亲切又涨知识。无论是资深乐迷还是刚刚入门的新听众，都能从中找到属于自己的乐趣点，因为它真的做到了雅俗共赏，既有深度的理论探讨，又不乏轻松有趣的音乐轶事。

评分☆☆☆☆☆

关于室内乐的专题报道简直是及时雨，我最近正好在尝试学习几首经典的弦乐四重奏，总觉得在某些段落的衔接上把握不好那个微妙的呼吸感。这部分内容深入浅出地剖析了不同乐器之间如何进行“对话”和“让位”，篇幅虽然不长，但密度极高，充满了实用的建议。作者运用了很多比喻，比如将小提琴的比喻成“叙事者”，大提琴则像是“深沉的基调”，这些形象化的描述一下子就点亮了我的理解。更棒的是，文章最后还附上了一份推荐曲目单，不仅包括了耳熟能详的贝多芬和莫扎特，还推荐了几位现代作曲家不那么主流的作品，这些曲子我以前从未留意过，现在听来别有一番风味，极大地拓宽了我的音乐视野，感觉自己的琴技和听力都有了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本杂志通常是冲着深度乐评去的，但这次的“跨界合作”专栏却给了我一个巨大的惊喜。它探讨了古典音乐如何渗透到电影配乐、现代舞蹈乃至电子音乐的创作之中，打破了传统古典乐的壁垒感。文章的论述流畅自然，并没有生硬地将不相关的领域拼凑在一起，而是找到了一种内在的音乐逻辑的共通性。例如，它分析了一部独立电影中，导演如何巧妙地运用德彪西的某一首钢琴曲来烘托人物的内心挣扎，这种精妙的对应关系，我以前听的时候完全没有察觉。这种将高雅艺术与流行文化进行碰撞和对话的尝试，非常符合当下多元化的审美趋势，让古典音乐不再被束之高阁，而是以一种更具生命力的方式融入我们日常的生活感知中，让人耳目一新，并引发了许多关于未来音乐形态的思考。

评分☆☆☆☆☆

这期特稿聚焦于当代指挥艺术的演变，视角相当新颖，没有落入窠臼去简单赞美那些耳熟能详的大师，而是深入挖掘了那些在幕后默默耕耘、不断尝试新颖演绎方式的中生代指挥家。文章不仅细致分析了他们各自独特的排练哲学和对不同时期作品的处理手法，还引用了大量他们与乐团成员私下的访谈片段，揭示了指挥家如何在一团变动的人员中建立起统一的音乐愿景。我最佩服的是作者挖掘资料的广度，他似乎翻阅了大量尘封的档案，甚至引用了一些在普通音乐史著作中鲜有提及的早期文献来佐证观点。阅读过程中，我忍不住多次暂停下来，重新思考自己过去听某些经典曲目时，是否忽略了指挥家在速度选择和声部平衡上所做的微妙调整。它成功地将冰冷的指挥技巧，转化成了一种充满人性光辉的艺术实践，让我对“指挥”这个角色有了更立体、更敬畏的认识。