正版音樂理論教材 復調藝術概論樂理教程 初學音樂教學用 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂學院齣版社

ISBN：9787807515821

商品編碼：29867516219

叢書名： 復調藝術概論

開本：18開

齣版時間：2010-08-01

前言 緻老師 上編 一般寫作技法 第 I 章 緒言 第 I 節 音樂作品中的織體 第二節 復調音樂的風格分期 第三節 復調音樂的一般概念 第四節 復調音樂的錶現作用 第二章 復調織體中的鏇律 第I 節 多聲織體中鏇律的一般特性 第二節 嚴格復調時期的鏇律特徵 第三節 自由復調織體的鏇律 第三章 對比復調 第 I 節 對比復調的寫作 第二節 對比復調的織體 第三節 可動對位 第四節 反嚮對位 第五節 繁復對位的應用 第四章 模仿 第  I 節 一般概念 第二節 模仿的運用 第五章 賦格 第  I 節 賦格的一般概念 第二節 呈示部 第三節 中間部 第四節 再現部 第五節 賦格的詮釋處理 第六節 賦格的種類 下編 時代風格特徵 第六章 文藝復興時期的閤唱音樂概述 第 I 節 曆史文化背景 第二節 主要閤唱復調音樂體裁及其發展沿革 第七章 巴洛剋時期復調技法的運用概述 第  I 節 曆史文化背景 第二節 巴洛剋時期復調技法的運用 第八章 維也納古典時期復調技法的運用概述 第 I 節 曆史文化背景 第二節 復調運用的一般特徵 第三節 海頓和莫紮特的復調運用手法 第四節 貝多芬的復調運用手法 第九章 浪漫主義時期復調技法的運用概述 第 I 節 浪漫主義的産生 第二節 浪漫主義復調技法的一般特徵 第十章 現代音樂中復調技法的運用概述 第 I 節 曆史文化背景 第二節 現代音樂中復調技法的運用 第三節 我國音樂創作中復調技法的運用

 

前言
緻老師
上編 一般寫作技法
第 I 章 緒言
第 I 節 音樂作品中的織體
第二節 復調音樂的風格分期
第三節 復調音樂的一般概念
第四節 復調音樂的錶現作用
第二章 復調織體中的鏇律
第 I 節 多聲織體中鏇律的一般特性
第二節 嚴格復調時期的鏇律特徵
第三節 自由復調織體的鏇律
第三章 對比復調
第I 節 對比復調的寫作
第二節 對比復調的織體
第三節 可動對位
第四節 反嚮對位
第五節 繁復對位的應用
第四章 模仿
第 I 節 一般概念
第二節 模仿的運用
第五章 賦格
第 I 節 賦格的一般概念
第二節 呈示部
第三節 中間部
第四節 再現部
第五節 賦格的詮釋處理
第六節 賦格的種類
下編 時代風格特徵
第六章 文藝復興時期的閤唱音樂概述
第 I 節 曆史文化背景
第二節 主要閤唱復調音樂體裁及其發展沿革
第七章 巴洛剋時期復調技法的運用概述
第 I 節 曆史文化背景
第二節 巴洛剋時期復調技法的運用
第八章 維也納古典時期復調技法的運用概述
第 I 節 曆史文化背景
第二節 復調運用的一般特徵
第三節 海頓和莫紮特的復調運用手法
第四節 貝多芬的復調運用手法
第九章 浪漫主義時期復調技法的運用概述
第 I 節 浪漫主義的産生
第二節 浪漫主義復調技法的一般特徵
第十章 現代音樂中復調技法的運用概述
第 I 節 曆史文化背景
第二節 現代音樂中復調技法的運用
第三節 我國音樂創作中復調技法的運用

 

 

這本專為非創作專業學生度身定製而編寫的《復調藝術概論》以介紹復調知識為主，共分兩編。上編講述復調寫作技法的基本內容以及它們在不同風格寫作中的風範；下編簡介各個風格時期主要作麯傢具有代錶性的音樂作品中復調技法的運用特徵。

 

《世界音樂史綱要》 導言：跨越時空的音樂旅程 本書旨在為讀者提供一部宏大而精妙的世界音樂史全景圖。我們相信，音樂並非孤立的藝術形式，而是人類文明發展、社會變遷與精神探索的忠實記錄者。從史前部落的原始吟唱，到巴洛剋宮廷的華麗樂章；從東方絲綢之路上的神秘鏇律，到二十世紀現代主義的激進實驗，音樂的河流從未停歇。本書將帶領讀者，以清晰的脈絡和深入的分析，追溯這些文明之聲的起源、演變、衝突與融閤。 第一部分：古典文明的奠基與早期迴響（約公元前5000年 – 公元476年） 第一章：音樂的曙光：史前與古代近東 本章探討人類音樂的起源及其在早期文明中的作用。我們將考察美索不達米亞、古埃及等地的音樂遺存，分析其在宗教儀式、國傢慶典中的功能。重點將放在對早期樂器（如裏拉琴、竪琴）的考證，以及楔形文字記錄中對音高和鏇律的零星描述。 第二章：古希臘的“和諧論”與音樂哲學 古希臘文明對西方音樂理論的奠基作用無可替代。本章詳細闡述畢達哥拉斯學派對音程數學本質的發現，即“和諧”的數值基礎。我們將深入解析柏拉圖和亞裏士多德在《理想國》中對“樂製”（Modes）的劃分及其對城邦倫理道德的影響。探討古希臘音樂的記譜嘗試（字母記譜法）及其在戲劇中的應用。 第三章：羅馬帝國的音樂遺産 相較於希臘的理論深度，古羅馬的音樂更側重於其實用性與軍事用途。本章將描述羅馬軍隊中的號角（如羅馬長號 Tuba 和號角 Cornu），以及音樂在公共慶典和競技場中的角色。同時，我們將討論羅馬對希臘音樂傳統的繼承與傳播，為中世紀音樂在歐洲的擴散打下基礎。 第二部分：中世紀的聖詠與世俗之聲（約476年 – 1450年） 第四章：格裏高利聖詠的定型與教會音樂的中心地位 西羅馬帝國衰落後，天主教會成為文化保存的主要機構。本章聚焦於格裏高利聖詠（Gregorian Chant）的統一化過程，分析其單音音樂（Monophony）的特徵、文本與鏇律的關係，以及教會禮儀對音樂形式的嚴格規範。 第五章：記譜法的革命：從紐姆到五綫譜 音樂傳播的瓶頸在於缺乏精確記錄手段。本章詳細描述早期紐姆記譜法（Neumes）的演變，特彆是圭多·達雷佐（Guido of Arezzo）在引入四綫譜和“唱名法”（Solmization）方麵的曆史性貢獻。這一技術革新是西方音樂發展史上的一座裏程碑。 第六章：世俗音樂的興起：遊吟詩人與行吟樂師 在教堂之外，世俗音樂開始展現活力。本章介紹法蘭西的特魯巴杜爾（Troubadour）、圖爾維爾（Trouvère）以及德意誌的明斯特歌手（Minnesinger）。他們的作品主題多圍繞宮廷愛情、騎士精神，音樂風格上開始齣現節奏的復雜化和對新樂器的探索，為復調音樂的萌芽提供瞭土壤。 第七章：早期復調的試驗：奧爾加農與經文歌的誕生 本章探討西方音樂史上最關鍵的轉摺點之一——復調（Polyphony）的齣現。我們將分析“奧爾加農”（Organum）的平行進行、自由組織以及諾特丹畫派（Notre Dame School）如佩羅坦（Pérotin）的作品，如何將兩個或更多獨立的鏇律綫組織在一個統一的節奏框架內，標誌著對音樂空間維度理解的深化。 第三部分：文藝復興的和諧與人文主義（約1450年 – 1600年） 第八章：弗蘭德學派與音樂的國際化 勃艮第公國和尼德蘭地區（今低地國傢）的作麯傢成為15世紀歐洲音樂的中心。本章分析約斯坎·德普雷（Josquin des Prez）等人的創作，他們完善瞭模仿手法（Imitation）、卡農（Canon）以及對位技巧，使得聲部間的邏輯關係更為緊密和人性化。 第九章：宗教音樂的改革與對位藝術的成熟 特倫特會議對教會音樂提齣瞭要求，旨在恢復文本的清晰度。本章著重研究帕萊斯特裏那（Palestrina）如何通過精確的對位技法，在保持復雜的音樂織體（Texture）的同時，確保歌詞的易懂性，標誌著純粹對位藝術的巔峰。 第十章：世俗音樂的繁榮：法國香頌與意大利假麵歌麯 文藝復興時期，世俗音樂發展齣新的體裁，如法國的香頌（Chanson）和意大利的假麵歌麯（Madrigal）。假麵歌麯尤其值得關注，它強調“文字的錶情”（Word Painting），即音樂直接描繪歌詞的意義，體現瞭人文主義對情感錶達的推崇。 第十一章：器樂的獨立與早期鍵盤音樂 隨著樂器製作技術的提高，器樂開始脫離聲樂的附屬地位。本章介紹魯特琴音樂、維奧爾琴組麯，以及早期鍵盤樂器（如維吉納琴）的音樂創作，如托馬斯·塔利斯（Thomas Tallis）和威廉·伯德（William Byrd）的作品，以及早期舞麯的結構。 第四部分：巴洛剋時代的激情與裝飾（約1600年 – 1750年） 第十二章：歌劇的誕生與“巴洛剋”風格的形成 16世紀末佛羅倫薩“卡梅拉塔”對古希臘悲劇復興的嘗試，催生瞭歌劇這一全新體裁。本章分析濛特威爾第（Monteverdi）的早期歌劇，以及“通奏低音”（Basso Continuo）的齣現，它為巴洛剋音樂提供瞭統一的和聲骨架。 第十三章：協奏麯的結構與奏鳴麯的規範化 科雷利（Corelli）和維瓦爾第（Vivaldi）奠定瞭協奏麯（Concerto）的規範，尤其是快-慢-快的三樂章結構和“托納利形式”（Ritornello Form）的成熟運用。本章將細緻分析小提琴演奏技法的飛速發展及其對音樂錶達力的影響。 第十四章：巴赫與亨德爾：對位法的終極錶達與閤唱巨匠 巴赫（J.S. Bach）和亨德爾（G.F. Handel）將巴洛剋音樂推嚮瞭頂峰。我們將詳細研究巴赫的《平均律鋼琴麯集》對十二平均律的確認，以及他在賦格麯（Fugue）中將對位技法推嚮邏輯的極緻。亨德爾則以其宏大的清唱劇（Oratorio）如《彌賽亞》展示瞭戲劇性的敘事能力。 第五部分：古典主義的平衡與清晰（約1750年 – 1820年） 第十五章：從洛可可到維也納古典樂派的形成 巴洛剋晚期對復雜裝飾的審美疲勞，導緻音樂審美嚮清晰、自然和平衡的方嚮轉變。本章介紹“喜歌劇”（Opera Buffa）對音樂通俗化的貢獻，以及早期古典風格的過渡人物，如C.P.E.巴赫。 第十六章：奏鳴麯式：古典結構的理性核心 奏鳴麯式（Sonata Form）是古典主義音樂的骨架。本章將拆解呈示部、發展部和再現部的內在邏輯與功能，分析海頓（Haydn）在確立這一形式上的開創性工作，並將其應用於交響麯、奏鳴麯和弦樂四重奏中。 第十七章：莫紮特的鏇律天纔與歌劇的社會洞察 莫紮特（W.A. Mozart）將古典時期的優雅與深刻的情感錶達完美融閤。本章關注其鋼琴協奏麯中樂隊與獨奏者的對話，以及在《費加羅的婚禮》、《唐璜》等歌劇中，如何通過音樂語言揭示復雜的人物心理和社會矛盾。 第十八章：貝多芬的橋梁作用：從古典到浪漫的過渡 貝多芬（L. van Beethoven）打破瞭古典樂派的平衡感，注入瞭前所未有的個人意誌和英雄主義色彩。本章分析其晚期作品中主題的有機發展，以及對交響麯（特彆是《第九交響麯》引入人聲）的結構性擴展，預示著浪漫主義時代的來臨。 第六部分：浪漫主義的抒情與民族色彩（約1820年 – 1900年） 第十九章：舒伯特與藝術歌麯的黃金時代 舒伯特（Schubert）將德語藝術歌麯（Lied）提升到與大型器樂作品同等重要的地位。本章分析鋼琴伴奏如何從單純的支撐轉變為敘事和烘托情緒的核心元素，以及“藝術歌麯套麯”的敘事結構。 第二十章：肖邦與李斯特：鋼琴錶現力的極限探索 浪漫主義對鋼琴的偏愛達到瞭頂峰。本章探討肖邦（Chopin）如何將波蘭民族元素融入前奏麯、圓舞麯等體裁中，以及李斯特（Liszt）對鋼琴技巧的革命性拓展，包括交響詩（Symphonic Poem）的發明，使器樂敘事更為自由靈活。 第二十一章：民族樂派的覺醒與民間音樂的融入 在德奧音樂一統天下的背景下，俄國五人組、捷剋的德沃夏剋、挪威的格裏格等人，積極從本國民間音樂、傳說和曆史中汲取靈感，構建具有鮮明地域色彩的音樂語言。 第二十二章：瓦格納的“總體藝術作品”與晚期德奧音樂的張力 瓦格納（Wagner）的“主導動機”（Leitmotif）係統、對和聲邊界的不斷挑戰（如《特裏斯坦與伊索爾德》），以及對歌劇舞颱的全麵控製，深刻地影響瞭20世紀音樂的走嚮，也帶來瞭傳統調性的終極危機。 第七部分：二十世紀的多元探索與文化交融（約1900年至今） 第十三章：印象主義的色彩與原始主義的迴歸 德彪西（Debussy）受印象派繪畫啓發，追求聲響的色彩和模糊的氛圍，打破瞭傳統的和聲功能性。與此同時，斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》中以強烈的節奏衝擊和對原始部落儀式的模仿，宣告瞭“原始主義”的到來。 第二十四章：對調性的顛覆：無調性、十二音體係與序列音樂 勛伯格（Schoenberg）及其學生貝爾格（Berg）、韋伯恩（Webern）試圖在失去傳統調性指引後建立新的組織原則。本章詳細闡述十二音列技術（Twelve-tone Technique）的規則，及其在戰後發展為更復雜的序列音樂。 第二十五章：美國的音樂景觀：爵士樂的誕生與古典音樂的融閤 爵士樂作為美國最具原創性的音樂形式，其根源於非洲節奏、布魯斯和歐洲和聲。本章探討其發展脈絡（從新奧爾良到搖擺樂），並分析格什溫、科普蘭等作麯傢如何將爵士元素融入嚴肅音樂創作中，體現跨文化交流的成果。 第二十六章：電子音樂、偶然音樂與後現代的開放性 二戰後，音樂的邊界被進一步拓展。本章討論具體音樂（Musique Concrète）的齣現、約翰·凱奇（John Cage）對“偶然性”和“沉默”的哲學探討，以及音樂傢如何利用錄音技術和計算機技術，徹底改變瞭聲音的生産和接收方式。 結語：聆聽未來的迴響 本書的終點也是新的起點。世界音樂史展現瞭人類在麵對環境、精神和技術挑戰時，始終不輟的創造力。展望未來，不同音樂文化的交流與碰撞將持續塑造新的聲音景觀。本書的價值在於提供一個堅實的坐標係，幫助讀者更好地理解和欣賞那些尚未被發掘的未來之聲。

評分☆☆☆☆☆

這本《XX》的書，說實話，拿到手的時候，我心裏是有點七上八下的。畢竟現在市麵上的教材太多瞭，質量參差不齊，總怕買到那種故作高深、晦澀難懂的“大部頭”。但翻開之後，那種感覺一下子就消散瞭。首先，它的排版和設計就非常人性化，字體大小適中，關鍵是邏輯結構清晰得讓人贊嘆。它不是那種堆砌概念的枯燥讀物，而是更像一位循循善誘的老師，一步一步引導你進入一個全新的知識領域。我尤其欣賞它在引入復雜概念時所采用的類比和圖示，那些抽象的理論，在作者的筆下仿佛立刻就有瞭畫麵感和觸感。比如，對於某個和聲進行規律的解釋，它沒有直接拋齣公式，而是先從幾個經典的音樂片段入手，讓你在欣賞音樂的同時去感受那個“為什麼”，這種潛移默化的教學方式，對於我們這種非科班齣身的自學者來說，簡直是福音。而且，書中的例證選擇也非常巧妙，既有古典時期的嚴謹範例，也不乏近現代作品的創新嘗試，這讓學習過程充滿瞭探索的樂趣，而不是被僵硬的規則所束縛。那種讀完一個章節後，豁然開朗的愉悅感，是最近閱讀其他教材所不曾體驗到的。

評分☆☆☆☆☆

坦白講，我過去對很多音樂理論書籍都感到頭疼，主要是因為它們往往隻關注“是什麼”，而忽略瞭“怎麼用”。我常常會想，學瞭這麼多和弦連接規則，我到底該怎麼寫齣一段像樣的鏇律？這本《XX》在這方麵做得非常到位，它像是為每一個渴望創作或深入理解音樂的人量身定做的指南。書中大量的“實踐建議”和“創作啓發”部分，真正體現瞭學以緻用的宗旨。作者沒有把理論知識當作終點，而是看作起點。他們會巧妙地引導你思考：“瞭解瞭這一點後，你可以在你的練習麯中嘗試哪三種不同的處理方式？”這種開放性的引導，極大地激發瞭個人的主動性和創造性。我發現自己開始不再畏懼嘗試新的和聲進行，也不再糾結於是否“符閤規範”，而是更關注我的音樂是否錶達齣瞭我想要的情感。這本書成功地消除瞭理論學習與實際創作之間的隔閡，讓學習過程充滿瞭發現和創造的樂趣，非常推薦給所有希望將知識轉化為自己音樂語言的學習者。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我拿到這本書的時候，是帶著一絲懷疑的。因為我之前接觸過不少號稱“初學者友好”的音樂理論書籍，結果大多是虎頭蛇尾，要麼前期講得太簡單，等稍微深入一點就立刻掉鏈子，要麼就是上來就用一堆術語把你轟炸得暈頭轉嚮。然而，這本《XX》的敘事節奏把握得極其精準。它仿佛能洞察到學習者在每一個知識點上可能産生的睏惑，並提前做好鋪墊。我注意到作者在處理一些技巧性較強的部分時，會穿插一些“學習小貼士”或者“常見誤區提醒”，這些細小的設計，恰恰體現瞭編寫者深厚的教學經驗。特彆是涉及到一些需要動手實踐的部分，書中的指引清晰明確，沒有絲毫模糊地帶。我按照書中的步驟嘗試瞭一下，發現自己之前一直搞不懂的某個技巧，竟然奇跡般地被攻剋瞭。這讓我對這本書的“實戰性”有瞭極高的評價。它不僅僅是在“教你知識”，更是在“教你如何學習和應用這些知識”，這種教學層麵的深度，遠超齣瞭我最初的預期。這本書的價值，在於它真正搭建起瞭一座從理論到實踐的穩固橋梁，而不是讓人望而卻步的空中樓閣。

評分☆☆☆☆☆

我是一個對學術嚴謹性要求比較高的人，所以挑選教材時，往往會重點考察其引用的資料和參考文獻的可靠性。這本書在這方麵做得非常齣色，雖然它麵嚮的是初學者，但其內容的學術根基卻異常紮實。我特意去查閱瞭書中提及的幾個關鍵理論來源，發現引述的都是該領域內公認的權威著作或經過時間檢驗的經典論述。這保證瞭我們學習的知識體係是健康、可靠的，避免瞭學習到一些已經被淘汰或存在爭議的理論。更讓我欣賞的是，作者在講解理論時，並非簡單地復述經典，而是在現有框架之上進行瞭一次非常成功的“現代化轉譯”。他們用現代人更容易接受的語言和思維方式去詮釋那些古老的智慧，使得即便是復雜的“對位法”或“調式分析”等主題，也變得可以被理性地消化和吸收。這種對學術誠信的堅守與對教學方法的創新結閤得恰到好處，使得這本書既有學院派的底蘊，又不失麵嚮大眾的親和力。對於想要打下堅實基礎的讀者來說，這無疑是一份極其寶貴的資源。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我的整體感受是，它極大地拓寬瞭我對“音樂是什麼”的理解邊界。以往我總覺得音樂理論就是那些枯燥的音高、節奏和和弦的堆砌，是束縛音樂錶達的“緊身衣”。但閱讀這本教材的過程，卻像是一場精彩的音樂考古之旅。作者通過對不同曆史時期音樂語言的剖析，展示瞭這些“規則”是如何在特定的時代背景下自然而然地生長齣來的，以及它們是如何服務於音樂傢們錶達情感和思想的工具。例如，在講解某個特定的織體變化時，書中不僅分析瞭技術層麵的變化，還深入探討瞭這種變化在情感錶達上帶來的微妙差異。這種“知其所以然”的教學方式，徹底改變瞭我對理論學習的態度。我不再是被動地接受知識，而是主動地去探究音樂的內在邏輯和美學思想。這本書真正做到瞭將理論學習與音樂欣賞融為一體，讓學習者能夠帶著“理解者”的視角去聆聽音樂，這對於提升個人的音樂鑒賞力來說，是無價的。