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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807519447

商品编码：29867519387

丛书名： 古典音乐影碟品鉴

开本：32开

出版时间：2013-01-01

 

   

 

 

  目录

前言

声乐篇

歌剧

合唱

独唱 重唱

器乐篇

管弦乐

独奏 重奏

指挥篇

舞蹈篇

   

 

 

内容推荐

本书评介了150多款不同种类的古典音乐DVD，其中既有歌剧、合唱、独唱/重唱，也有管弦乐、独奏/重奏、指挥、舞蹈等。这些DVD真实记录与再现了二十世纪音乐大师艺术与生活的不同侧面，内容丰富，演艺精彩，镜头珍贵，系历史上极为瑰宝的视觉影像资料，具有很高的音乐观赏性。作者专业性的品鉴，客观中肯，实话实说，笔下有乐，有褒有贬。本书既可作为研究用的专书，也可以作为供观赏DVD的参考书。

 

好的，这是一份关于其他书籍的详细简介，完全不涉及您提到的“古典音乐影碟品鉴教程”中的任何内容。 --- 《西方艺术史：从文艺复兴到现当代》 导言：人类文明的视觉长廊 本书旨在为读者构建一条清晰、深入的西方艺术史脉络，聚焦于14世纪中叶至21世纪初的关键艺术思潮、流派及其代表人物。它不仅仅是一部艺术编年史，更是一部对人类审美观念、社会变迁与哲学思考进行视觉解读的深度研究。我们力求摒弃僵硬的年代划分，转而强调不同艺术时期之间的内在联系与对后世的深远影响。 第一部分：古典的复兴与精神的觉醒（文艺复兴与巴洛克） 第一章：文艺复兴的曙光与人文主义的胜利 本章将细致剖析14世纪意大利城市共和国中萌发的文艺复兴精神。重点探讨乔托（Giotto）如何将中世纪的平面叙事转化为具有空间深度的情感表达，以及菲利普·布鲁内莱斯基（Filippo Brunelleschi）对古典建筑规范的重新发现。 透视法的革命： 详细介绍阿尔伯蒂（Alberti）的几何学原理如何彻底改变绘画的二维空间，使画面成为一个“窗户”。 巨匠群像： 深入分析达·芬奇（Leonardo da Vinci）在解剖学、光影处理（如晕染法Sfumato）上的创新，米开朗基罗（Michelangelo）雕塑中蕴含的“未完成感”与普拉东式的理想人像追求，以及拉斐尔（Raphael）对和谐与秩序的极致表达。 北方文艺复兴的独特路径： 比较意大利的理想主义与尼德兰画派（如扬·凡·艾克 Jan van Eyck）对细节的偏执与油画媒介的精妙运用，探究其宗教虔诚与世俗观察的结合。 第二章：巴洛克的激情与戏剧性 从17世纪初的罗马开始，巴洛克艺术以其强烈的动感、光影对比（明暗对照法）和情感张力，回应了宗教改革带来的冲击与君主专制的需要。 卡拉瓦乔（Caravaggio）的黑暗与真实： 分析他如何通过街头写实的人物和极端的戏剧性光照，挑战古典主义的理想化倾向。 光影的建筑： 探讨贝尼尼（Bernini）如何将雕塑、建筑与光线融为一体，创造出如《圣特蕾莎的狂喜》般极具感染力的瞬间。 北方光线的咏叹调： 重点研究伦勃朗（Rembrandt）对内心世界的深刻挖掘，以及维米尔（Vermeer）在日常场景中捕捉到的宁静与光线纯度。 第二部分：秩序、情感与理性的交锋（古典主义、浪漫主义与现实主义） 第三章：新古典主义：对古代秩序的回归 18世纪中叶，随着庞贝古城的发掘和启蒙运动的兴起，艺术界再次转向古希腊罗马的规范与理性。 大卫（Jacques-Louis David）的道德说教： 分析其作品如何服务于法国大革命的政治理想，强调公民美德和清晰的轮廓线。 建筑的肃穆： 探讨新古典主义建筑在欧洲和北美洲的传播，其对称性、柱式与纪念碑性。 第四章：浪漫主义：个体情感的火山爆发 作为对新古典主义僵硬理性的反动，浪漫主义将焦点转向了主观感受、自然的力量和异域的神秘。 戈雅（Goya）的黑暗预言： 分析其作品中对战争恐怖、民间信仰以及人类非理性层面的探索。 风景的崇高（Sublime）： 细致解读特纳（Turner）对光线和风暴的痴迷，以及弗里德里希（Caspar David Friedrich）画面中，孤独个体面对宏大自然的哲学沉思。 德拉克洛瓦（Delacroix）的色彩激情： 探讨其如何运用强烈的对比色来表达情感的强度，而非仅仅描绘事实。 第五章：现实主义的平视视角 19世纪中叶，面对工业革命带来的社会剧变，艺术家们拒绝了理想化和戏剧化，转而直面劳动阶层和日常生活的真实面貌。 库尔贝（Courbet）的挑战： 重点分析《奥尔南的葬礼》如何通过对普通人主题的宏大处理，挑战传统艺术的等级制度。 米勒（Millet）与土地的联系： 探讨其作品中对农耕生活的尊重与诗意化。 第三部分：现代性的开端：革命性的视觉语言（印象派、后印象派与象征主义） 第六章：印象派：捕捉流逝的光影 本章深入研究19世纪70年代巴黎发生的艺术革命，艺术家们如何走出画室，将焦点从“描绘什么”转移到“如何看”。 光学科学与瞬间捕捉： 分析莫奈（Monet）对不同时间、天气下光影变化的系统性研究，如干草垛和鲁昂大教堂系列。 笔触的解放： 探讨雷诺阿（Renoir）对愉悦气氛的描绘，以及德加（Degas）对舞者和赛马场动态瞬间的捕捉技巧。 第七章：后印象派：结构、情感与色彩的回归 后印象派代表着对印象派短暂瞬间的反思，艺术家们试图为现代艺术重新注入结构、情感深度或纯粹的象征意义。 塞尚（Cézanne）的结构主义先声： 探讨他对物体的几何化分解，以及如何为立体主义埋下伏笔。 梵高（Van Gogh）的内心风景： 分析其作品中厚涂的颜料（Impasto）和扭曲的线条如何成为情感的直接投射。 高更（Gauguin）的异域象征： 研究他对原始主义的向往以及其色彩的象征性运用。 第四部分：20世纪的颠覆与多元探索 第八章：野兽派、立体主义与未来主义：形式的瓦解 20世纪初，艺术以前所未有的速度进行自我解构。 野兽派的色彩狂欢： 马蒂斯（Matisse）如何将颜色从描绘对象中解放出来，使其成为独立的情感载体。 立体主义的革命： 详细解析毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）如何通过多视角并置，颠覆文艺复兴建立的单点透视体系。 机器时代的赞歌： 考察未来主义对速度、工业和暴力的迷恋。 第九章：达达主义与超现实主义：潜意识的疆域 战争的残酷催生了对理性、逻辑和既有文明的彻底否定。 达达的反艺术姿态： 杜尚（Duchamp）的现成品（Readymades）如何质疑艺术品的定义和作者权威。 超现实主义的梦境地图： 深入解读达利（Dalí）和马格利特（Magritte）如何运用精确的写实技巧描绘荒诞、非逻辑的潜意识场景。 第十章：抽象的胜利与战后艺术的全球化 二战后，艺术中心转向纽约，抽象表现主义成为主流。 行动绘画与尺幅的扩张： 剖析波洛克（Pollock）的滴画如何强调创作过程本身的重要性。 冷抽象的沉思： 考察罗斯科（Rothman）色域绘画中追求的崇高与冥想体验。 波普艺术的日常反击： 探讨沃霍尔（Warhol）和李奇登斯坦（Lichtenstein）如何挪用大众文化图像，模糊了“高雅艺术”与“低俗文化”的界限，为后现代艺术奠定基础。 --- 结语：未完成的对话 本书的最后一部分将简要回顾1970年代以来的多元化趋势，包括极简主义、概念艺术、装置艺术的兴起，以及当代艺术在身份政治、全球化背景下的持续自我质疑与重塑。本书旨在为读者提供一套分析和理解视觉文化演变的基础工具，培养批判性观察能力，认识到艺术史是一场永不停歇、不断自我更新的文化对话。 推荐读者： 艺术史专业学生、对西方文化发展脉络感兴趣的爱好者、需要系统性知识体系的文化研究者。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深乐迷，我一直对那些流于表面的“入门指南”感到厌倦。我需要的不是告诉我莫扎特是谁，而是告诉我如何分辨福特万格勒和伯恩斯坦对同一部作品的处理差异，以及这种差异背后的哲学思考。这本书恰恰满足了这种进阶需求。它对那些非主流但极具研究价值的影碟版本也有所涉猎，这一点非常难得。书中对“伪正版”和真正有学术价值的录像的甄别标准写得非常清晰，这对于我们这种避免踩雷、只追求高质量研究资料的人来说，是极其宝贵的指导。它教会我的不是“听什么”，而是“如何带着批判性眼光去研究和欣赏影像资料”，其专业性和导向性极强。

评分☆☆☆☆☆

初次接触古典音乐时，我常被那些复杂的曲式结构和德语、意大利语的术语搞得一头雾水，买了市面上一些厚厚的“教程”，结果翻两页就想放弃。这本《影碟品鉴教程》的出现，彻底颠覆了我对“教程”的刻板印象。它的切入点非常新颖，不再死抠乐理，而是聚焦于“观看”和“聆听”的结合体验。我发现，当作者详细解析某部歌剧的舞台调度、灯光运用以及演员的肢体语言时，那些原本晦涩难懂的戏剧冲突一下子就鲜活起来了。书中的图文并茂的对比分析，比如同一部歌剧，A版是写实风格，B版是极简主义舞台，这种视觉冲击力远比单纯听音频更能帮助理解作曲家的本意。它让我明白了，古典音乐的魅力在于跨媒体的综合呈现，这本书真正做到了将“研究”融入“品鉴”，非常实用。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书是抱着试一试的心态，因为市面上的“正版教程”很多都是印刷粗糙、内容陈旧的翻版。但这本书的装帧和选材都透露着一股严谨和尊重，这让我对内容本身也多了一份期待。最让我惊喜的是它对于特定历史时期音乐家影像资料的梳理。比如，书中专门辟出章节讨论卡拉扬后期录音的一些技术特点，并配上了当时录影的截图分析，这对于研究二十世纪下半叶的指挥艺术具有极高的参考价值。它不是简单地罗列曲目，而是深入挖掘了影像记录背后蕴含的历史信息和艺术决策。对于需要进行专业研究的学生或者严肃的音乐爱好者来说，这本书提供的不仅仅是欣赏指南，更是一份宝贵的“视觉档案”，其深度和广度都超出了我的预期。

评分☆☆☆☆☆

这本碟片品鉴指南简直是为我这种半吊子古典乐迷量身定做的。我一直苦于无法真正“看”懂那些交响乐的精妙之处，买了许多CD，但听来听去总觉得少了点什么。直到我入手了这本书，才发现原来欣赏古典音乐不仅仅是耳朵的享受，视觉的辅助简直是打开了新世界的大门。书里对不同乐团、指挥家的演绎风格分析得极其到位，比如对某场贝多芬第五交响曲的某个乐章，作者会精确指出不同版本在速度处理上的微妙差别，以及这种差别如何影响了整体的情感表达。我特别喜欢它推荐的那些“必看”的录影版本，很多都是我之前完全没听过的，光是跟着书里的提示去寻找那些影碟的过程，就充满了探索的乐趣。它不像那些枯燥的理论书，而是像一个经验老到的老乐迷在手把手地教你如何提升品味，那种“原来如此”的顿悟感，非常棒。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏和语调非常舒服，读起来完全没有压力。我是一个下班后想放松，但又不想浪费时间在无效娱乐上的人。这本书的特点在于它不卖弄术语，而是用非常生活化、近乎聊天的口吻，引导你去发现细节。比如，它会提到某个著名小提琴家在演奏时，镜头捕捉到的那个细微的换弓动作，并解释这个动作带来的音色变化，这种“窥视”艺术家的创作瞬间的感觉，让人觉得非常亲近。它成功地弥合了专业分析和大众接受度之间的鸿沟。我甚至发现，听某些听了无数遍的协奏曲时，因为记住了书中提到的某个舞台调度的小细节，整首曲子的意境都变得不一样了。这本书真是一个低调的“品味加速器”。