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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103042120

商品编码：29867521466

丛书名： 摇滚节奏吉他 迈克克里斯琴森

出版时间：2011-07-01

 

目录

引言

作者——迈克·克里斯琴森（Mike Christiansen）

记谱法说明

扫弦节奏型

第 I 把位强力和弦

可移动强力和弦

强力和弦与低音组合

强力和弦与音阶组合

横按和弦

布鲁斯节奏

摇滚节奏

分解和弦节奏

重复贝司线条

单弦节奏

四根弦和弦及其转位 

 

 

内容推荐

节奏吉他手是乐队中至关重要的一个角色，可以将其比做“胶水”，因为他的演奏能让整个乐队“粘合”在一起。节奏吉他手，无论是扫弦、弹强力和弦，还是弹分解和弦，都会直接影响独奏或独唱者的好与坏。在当今的音乐中，节奏吉他手不仅为歌手或独奏者进行伴奏，有时还会单独亮出，成为独奏者。这本书介绍了节奏吉他的各种弹奏方法，从中你会学到各种节奏型、强力和弦、分解和弦等演奏技巧。通过《摇滚节奏吉他》的学习，你可以翻弹很多艺术家已录制发行的歌曲，也可以创作属于你自己的音乐。摇滚的根源是布鲁斯，这本书也介绍了如何演奏基本的布鲁斯进行及其变奏。

作者简介

迈克?克里斯琴森是美国犹他州立大学的副教授及吉他系主任。他曾先后获得音乐学士和音乐硕士学位，出版过多本著作，并且为电视台创作、录制广告歌曲及广告音乐。他举办过多场独奏音乐会，也从事幕后录音工作，并且还与许多不同的乐队及乐团一起演出。

进阶电吉他演奏技巧与音乐理论深度解析 本书聚焦于现代电吉他演奏技巧的全面提升与音乐理论的深入理解，旨在为中高级吉他学习者提供一套系统、实用的进阶学习路径。全书内容紧密围绕如何将扎实的理论知识转化为富有表现力的演奏能力，内容涵盖和声学基础的拓展应用、高级音阶与调式分析、以及当代音乐风格中的节奏与律动解析。 第一部分：和声学的精深应用与现代和弦构建 本部分将超越基础的三和弦与七和弦概念，深入探讨色彩和弦（Extended Chords）的实际运用。我们将详细解析九和弦（9th）、十一和弦（11th）和十三和弦（13th）的构成、功能及其在不同音乐风格中的音色特点。 1.1 深入解析属功能和弦的色彩变化： 属七和弦的替代与转位： 系统讲解如何运用降五音属七和弦（Altered Dominants）来创造紧张感和解决动力。分析其在爵士乐和融合乐（Fusion）中的实际谱例，教授如何构建平滑的替代进行（Tritone Substitution）。 九和弦的内声部布局： 探讨在狭窄指板空间内，如何通过精妙的指型设计，清晰地表达九和弦中九音的存在感，避免声音的浑浊。特别关注在复合布鲁斯和R&B中的应用。 1.2 现代和声的结构工具： 挂留和弦与附加音的张力： 深入研究挂留和弦（Sus Chords）的心理声学效果，并将其与色彩音结合，形成更具现代感的和声织体。 和声外音（Non-Chord Tones）的策略性使用： 讲解经过音、倚音、预先音等在旋律线和伴奏中的精准放置时机，如何利用这些“非核心”音符来丰富和声的层次感和流动性。 1.3 调式与调性关系的扩展： 调式之间的高级连接： 详细分析如何利用平行调式互换（Parallel Mode Interchange）和借用和弦（Borrowed Chords）来打破传统功能和声的僵硬结构，增强音乐的色彩变化和惊喜度。 半音阶的结构性引入： 研究如何系统性地将半音阶的音符融入到既定的调式框架内，以增强乐句的推动力和戏剧张力，尤其在激进摇滚和金属乐的Solo设计中的应用。 第二部分：高级音阶、调式与指板系统的构建 本部分旨在帮助学习者彻底摆脱单一把位记忆的限制，建立起覆盖整个指板的、系统化的音阶和调式认知地图。 2.1 七声音阶与调式的高级应用： 七声音阶的变体与功能： 深入研究包括弗里吉亚主音调式（Phrygian Dominant）、增音阶（Harmonic Major/Minor Scale）在内的复杂调式，并结合特定的和弦进行，演示其在民族音乐和前卫摇滚中的应用实例。 五声音阶的层叠与融合： 不再局限于传统的五声音阶，而是探讨如何将大调五声音阶、小调五声音阶与布鲁斯音阶进行叠加或交替使用，创造出独特的音色空间，例如在放克（Funk）音乐中的切分律动。 2.2 指板几何学的革命： CAGED系统的超越与三指型框架： 介绍如何将CAGED系统、三音一组（Three-Note-Per-String）系统以及横跨琴颈的音阶模式进行整合，形成一个三维的指板视图。重点演示如何在不移动右手拨弦位置的情况下，快速完成跨把位和跨弦的旋律铺陈。 和弦音与旋律音的定位： 教授如何通过标记性的指板图示，快速识别任何和弦构成音在音阶模式中的具体位置，从而确保Solo的音符选择始终“依附”于当前的和声背景。 2.3 速度与精准度的训练方法： 交替拨弦的细化控制： 针对传统交替拨弦（Alternate Picking）中常见的力度不均和节奏偏差问题，提供专业的练习方案。重点在于手指触弦角度的微调、拨片厚度的选择对音色的影响，以及如何实现“静音”的拨弦动作以减少杂音。 扫拨（Sweep Picking）的逻辑分解： 详细分解扫拨的“粘连”与“分离”技术。从基础的三音扫拨开始，逐步过渡到跨越五根弦的复杂扫拨琶音，强调手腕的顺畅转动而非手臂的僵硬移动。 第三部分：节奏的深度理解与律动的构建 本部分强调，电吉他演奏的“节奏感”不仅仅是跟上节拍器，更在于对音乐内部时间感的精确塑造和对律动的创造性处理。 3.1 切分与摇摆律动的精微差异： 切分音的重音转移： 深入分析放克（Funk）和迪斯科（Disco）音乐中，如何通过刻意地延迟或提前演奏音符，制造出“推拉”的律动感。提供专门针对右手律动的训练集。 摇摆（Swing）与复合拍号的解析： 不再将摇摆视为简单的“三连音感觉”，而是分析不同音乐风格中摇摆系数的细微变化（如慢速布鲁斯与快速爵士乐的差异），并教授如何使用节拍器进行非标准节拍的练习。 3.2 现代吉他语法的节奏处理： 滑音（Bends）的时间控制： 讲解滑音的“目标音”意识，即滑音过程中的速度变化（加速还是减速）如何影响听众对紧张感的感知。重点训练在特定小节内完成精确半音或全音滑音的时机。 休止符的音乐性： 分析优秀吉他手如何利用“沉默”来构建节奏。探讨在快速乐句中，刻意加入短暂的休止符以增强后续乐句的冲击力，提升整体演奏的呼吸感。 第四部分：音色塑造与效果器的逻辑链整合 掌握了技巧和理论后，本部分将引导学习者构建属于自己的标志性音色，将效果器视为音色表达的延伸工具。 4.1 放大器与单块效果器的声学原理： 失真（Gain）的物理模型： 详细解析不同类型失真单块（如Overdrive, Distortion, Fuzz）的内部电路对波形剪切的影响，以及它们与音箱前级放大管的交互作用。 动态控制的艺术： 深入研究压缩器（Compressor）的攻击（Attack）和释放（Release）参数如何改变演奏的动态范围，以及在节奏演奏中如何使用压缩器来“粘合”和声的整体感。 4.2 空间效果的立体声构建： 延迟（Delay）的节奏应用： 教授如何将延迟时间与歌曲的拍速（BPM）精确匹配，创建出复杂的复合节奏回声，并探讨Ping-Pong延迟在立体声空间中的应用。 混响（Reverb）的深度模拟： 分析厅堂混响、板式混响和弹簧混响的物理特性，以及如何在不牺牲清晰度的情况下，利用混响来“烘托”Solo的氛围。 总结： 本书旨在提供一个从基础乐理到高阶演奏哲学的完整桥梁。通过对和声、音阶指板布局、节奏感知和音色设计的系统性训练，学习者将能够打破当前演奏水平的瓶颈，真正实现对电吉他的自由驾驭，并在自己的音乐创作中展现出更深层次的音乐思考与个人风格。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经摸索吉他几年、总觉得自己的节奏感停滞不前的老玩家，我本来对这类教材已经不太抱希望了，总觉得它们是写给零基础新手的。然而，这本书的后半部分内容彻底颠覆了我的看法。它有一个专门的模块，是关于如何处理复杂拍号和不规则重音的。很多教材在这个阶段就开始讲速弹或者复杂的指弹技巧了，但这本书却回过头来，极其细致地打磨了“节奏”的底层逻辑。它里面设计了一些非常“反直觉”的练习，比如要求你在一个稳定的四四拍背景下，故意将扫弦的重音错开半拍，然后强迫自己重新找回平衡点。一开始我练得非常别扭，感觉自己的手脚都不协调了，但坚持了几天后，我发现自己对“时值”的感知变得异常敏锐，就连以前觉得很顺的简单Riff，现在扫起来也更有“弹性”和“弹性”了。这本书更像是给那些已经有一定基础、但想突破瓶颈的中高级乐手准备的“节奏内功心法”，不吹不黑，效果立竿见影。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书的初衷是想找一些实用的摇滚经典曲目分解，结果惊喜地发现，它的“曲谱赏析”部分做得非常精妙。它没有简单地把原曲扒下来，而是加入了大量的“演奏意图解析”。比如，在分析某首七十年代经典重金属歌曲的Intro时，它不仅展示了那个标志性的低音驱动Riff，更解释了当时录音室里是如何通过麦克风摆位和音箱设置，来突出这个Riff的“侵略性”的。这对我这种对音色和录音技术也感兴趣的吉他手来说，简直是额外的宝藏。此外，书中收录的曲目跨度很大，从早期的英式摇滚到九十年代的垃圾摇滚都有涵盖，这使得读者可以清晰地看到节奏吉他在不同年代是如何演变的，每种风格对节奏的要求有什么侧重。这种把技术、音乐史和音色理解融为一体的教学方式，让学习过程变得极其丰富和有趣，完全没有枯燥的理论堆砌感。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最佩服的是这本书的“实用性”和“可操作性”，尤其对于想要自学或者组织乐队的朋友来说，简直是福音。它不仅仅是一个学习者用的工具书，更像是一个排练室里的“技术指导手册”。书中有一部分内容，专门讲解了如何使用最少的音符，在乐队中占据最大的空间感。它用很实际的例子，对比了“只弹根音”和“加入一些经过的七度和九音”时，整体听感产生的巨大差异。更关键的是，它在讲解这些技巧时，并没有使用晦涩的乐理术语，而是用非常“吉他化”的语言去描述，比如“让你的扫弦听起来像是在给鼓点铺上了一层厚厚的毛毯”。我把书里一些关于“扫弦力度变化”的练习用到乐队排练中，立马收到了队友的积极反馈，大家感觉我们之间的配合默契度都提高了。这本书真正做到了，让你在最短时间内，将学到的知识转化为舞台上能听出来的效果，而不是只停留在纸面上好看的理论。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计实在是让人眼前一亮，封面那种复古又带着点叛逆感的字体搭配深沉的底色，一下子就把你拉回了那个摇滚乐黄金年代的氛围里。内页的纸张质感也处理得非常好，不像有些教材那种廉价的哑光纸，它带有一点点微微的光泽，让那些复杂的和弦图和五线谱看起来清晰又不费眼。不过，说实话，我最欣赏的是它在内容组织上的巧妙安排。它不是那种干巴巴地罗列技巧，而是像一位经验丰富的老乐手在手把手教你。第一部分基础练习的步骤设计得极其循序渐进，你会感觉自己每跨过一个章节，手指的灵活度和对拍子的掌控感都有了实实在在的提升，而不是那种为了练习而练习的枯燥感。特别是关于扫弦节奏型的那几个案例分析，作者用非常直观的方式解释了“律动感”这个抽象的概念，配上一些经典摇滚歌曲的片段作为示范，让人忍不住就想拿起吉他跟着扫起来。对于我们这些业余爱好者来说，这种将理论和实战完美结合的编排方式，无疑是省去了太多自己摸索的时间。这本书的用心程度，从每一个细节都能体现出来，绝对是桌面必备的“镇宅之宝”级别的教材。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的深度远超出了我对一般“入门教材”的预期。我之前也买过几本号称是“全能”的教材，但大多都是浅尝辄止，稍微深入一点就找不到详细的解释了。这本书厉害之处在于，它并没有满足于教你几个固定的Riff，而是深入剖析了摇滚乐节奏吉他手的工作原理。比如，它对“律动与推把”（Push and Pull）的处理，简直是教科书级别的讲解。作者不仅给出了乐谱上的标记，更用大量的文字和口语化的比喻，描述了吉他手在乐队中如何与其他乐器进行对话，如何通过细微的速度变化来制造张力。我尤其喜欢其中关于“功能性伴奏”的章节，它不再局限于“弹什么音符”，而是上升到了“为什么要弹这个音符”的层面。它会告诉你，在一段Blues进行中，节奏吉他应该如何通过对根音的强调和对经过音的灵活运用，来烘托主音吉他或人声，这种从“演奏者”到“音乐人”的思维转变，是这本书带给我最大的收获。对于想要真正理解摇滚乐精髓，而不是只学会几首歌的人来说，这简直是打开了一扇新的大门。