西方经典音乐作品萨克斯管演奏指导浪漫主义时期教程教材曲谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552305722

商品编码：29867592773

丛书名： 西方经典音乐作品 萨克斯管演奏指导

 

 

内容推荐 西方经典音乐作品之《萨克斯管演奏指导》通过音乐与其他领域的知识融合，生动再现了每一个时代的艺术风采。全系列共五册，每册按照固定体例，分别论及社会、政治、文化对音乐的影响；音乐的功能与作用；音乐风格形式和体裁；乐器的发展以及伟大作曲家的成就。作者收集了数百幅历史珍贵图片资料，使读者能够对古往今来的许多音乐场景如临其境。

 

 

作者简介 杭州师范大学音乐学院器乐系主任、副教授、硕士生导师。的大管演奏新技法“循环换气”、“**动断音”、“一源双声”等，在**外管乐专业领域中居水平。  

 

音乐鉴赏与理论进阶：从巴洛克到近现代的宏大叙事 本书聚焦于西方音乐史中，除了浪漫主义时期萨克斯管演奏指导之外的广阔领域，旨在为音乐学习者、鉴赏家和演奏者提供一套系统、深入且具有前瞻性的音乐知识体系。 我们将目光投向音乐的源头与演变，探讨不同风格流派的内在逻辑、重要作曲家的创作哲学以及音乐作品的结构精髓。 --- 第一部分：音乐的起源与早期形态——奠定西方音乐的基石 本部分将带领读者穿越时空，探寻西方音乐在有明确记谱法出现之前的原始形态，并详细剖析中世纪和文艺复兴时期音乐的核心特征。 第一章：古代与中世纪的声响（约公元500年 – 1400年） 早期音乐的文本基础： 深入探讨格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐特性、调式系统及其在礼仪中的功能。分析其旋律进行中的“自由节奏”与“音高控制”的微妙平衡。 复调的诞生与发展： 考察早期复调音乐（如奥尔加农）的出现，重点解析巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）——特别是列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）——在节奏理论和对位法初步建立中的里程碑意义。我们将详细分析《范式》（Conductus）和早期经文歌（Motet）的结构异同。 世俗音乐的地位： 介绍游吟诗人（Troubadours）和行吟诗人（Trouvères）的歌曲创作及其对民间音乐元素和爱情主题的贡献。分析世俗音乐与教会音乐在记谱、演唱方式上的区别。 节奏的量化： 阐述中世纪晚期（Ars Nova）的变革，特别是菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）和纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）在固定音高与节奏划分上的创新，为后世的节拍概念奠定基础。 第二章：文艺复兴的和谐与人文（约1400年 – 1600年） 人声复调的巅峰： 深入研究佛兰德斯乐派（Franco-Flemish School）对完美复调技巧的追求。重点剖析若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的“模仿”与“主题交织”技巧，以及他如何通过音乐表达文本意义（Word Painting）。 弥撒与经文歌的规范化： 分析特伦特会议（Council of Trent）对教会音乐的改革影响，考察帕莱斯特里纳（Palestrina）如何通过其“纯净”且清晰的对位风格，树立了天主教音乐的典范。 世俗音乐的繁荣： 探讨意大利牧歌（Madrigal）的兴盛，特别是卢卡·马伦齐奥（Luca Marenzio）和卡洛·杰苏阿尔多（Carlo Gesualdo）作品中，对不协和音的非浪漫主义式的、强调戏剧张力的运用。 早期器乐的独立： 考察鲁特琴曲、维奥尔琴合奏曲以及键盘乐器（如比维拉琴）上出现的早期舞曲套曲（Dance Suite）的雏形。 --- 第二部分：巴洛克时代的辉煌与结构（约1600年 – 1750年） 本部分将深入解析巴洛克音乐的“狂热激情”与精密的结构逻辑，这是西方音乐走向高度系统化的关键阶段。 第三章：歌剧的诞生与早期发展 巴洛克思维的萌芽： 探讨早期意大利作曲家（如卡奇尼、蒙特威尔第）为复兴古希腊戏剧效果而发展出的“新人声风格”（Stile Nuovo）——强调清晰的宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的区分。 蒙特威尔第的戏剧张力： 细致分析《奥尔费奥》（L'Orfeo）中对情感的深度描绘，以及他如何通过不协和音和和声色彩来推动叙事。 咏叹调形式的定型： 梳理“束状咏叹调”（Strophic Aria）向成熟的“呈示-重复结构”（Da Capo Aria, ABA）的演变，分析其对后世结构的影响。 第四章：协奏曲、赋格与通奏低音 通奏低音的结构作用： 详细解析数字低音（Basso Continuo）作为巴洛克音乐“骨架”的原理，理解即兴低音填充与和声行进的内在联系。 器乐的结构革命： 重点研究科雷利（Corelli）和维瓦尔第（Vivaldi）对大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲（Solo Concerto）的贡献，特别是快速-慢速-快速的固定结构模式。 赋格的逻辑体系： 深入解析巴赫（J.S. Bach）的对位艺术。本书将不涉及萨克斯管演奏，而是专注于对位法理论本身：主导动机的呈示、展开、插入段（Episodes）的构建，以及对位织体中“声部逻辑”的纯粹研究。我们将以《平均律键盘曲集》为例，解析其严谨的结构形式。 巴赫的晚期探索： 分析巴赫晚期作品（如《音乐的奉献》）中，在既有规则下对形式的极端化处理和智力游戏般的结构设计。 --- 第三部分：古典主义的平衡与清晰（约1750年 – 1820年） 本部分着眼于“启蒙运动”精神在音乐中的体现：清晰的结构、明确的旋律线条以及对完美比例的追求。 第五章：奏鸣曲形式的黄金法则 从巴洛克到古典： 探讨从晚期巴赫的对位法向海顿（Haydn）的“主题展开”风格转变的原因。 奏鸣曲的解构： 对呈示部、展开部和再现部的功能性进行详尽的理论分析。特别关注“主导调性冲突”和“副部主题的引入与解决”在古典主义逻辑中的核心地位。 海顿的幽默与创新： 分析海顿在四重奏和交响曲中对固定结构的“打破”与“重塑”，如何通过节奏的突然变化和主题的机智处理来避免形式的僵化。 第六章：莫扎特的完美与交响乐的成熟 歌剧的心理深度： 研究莫扎特（W.A. Mozart）在《费加罗的婚礼》和《唐璜》中如何将宣叙调、咏叹调与合唱，无缝地整合到戏剧场景中，展示了早期歌剧对人物复杂情感的捕捉能力。 协奏曲的对话性： 分析莫扎特钢琴协奏曲中，独奏乐器与乐队之间日益平等的“对话”关系，以及他如何深化了奏鸣曲结构在器乐协奏曲中的应用。 古典交响曲的定型： 梳理从海顿到莫扎特，交响曲四乐章结构（快板-慢板-小步舞曲/谐谑曲-回旋曲/奏鸣曲）的最终确立及其在配器上的平衡艺术。 --- 第四部分：走向二十世纪的边缘——二十世纪初的结构与探索 本书的最后一部分将视角投向1900年至1945年间，音乐家们如何应对浪漫主义的“过度饱满”并开始系统性地探索新的组织原则。 第七章：印象主义与原始主义的色彩革命 德彪西的听觉景观： 分析德彪西（Debussy）如何摆脱传统调性束缚，使用五声音阶、全音阶以及复杂的和弦色彩，专注于创造“氛围”而非“发展”的作曲手法。 拉威尔的精确与借鉴： 探讨拉威尔（Ravel）如何结合印象派的色彩感与更严谨的古典结构（如他对古典形式的回溯与解构）。 斯特拉文斯基的节奏冲击： 详细研究《春之祭》中，通过多重节拍、节奏的突然断裂和“拼贴”手法，展现出的原始主义力量，以及这如何宣告了对传统和谐语法的颠覆。 第八章：调性瓦解与序列音乐的先声 第二维也纳乐派的转向： 聚焦勋伯格（Schoenberg）的创作历程。分析他如何从晚期浪漫主义的“自由无调性”过渡到十二音序列技法（Twelve-Tone Technique）的建立，及其对音高组织的主观理性控制。 韦伯恩的极致精炼： 探讨安东·韦伯恩（Anton Webern）如何将序列原则推向极端，作品结构高度浓缩、音色对比异常清晰，预示了战后序列主义的发展方向。 巴托克的民族主义与结构： 分析巴托克（Béla Bartók）如何将东欧民间音乐的节奏、调式元素，融入到高度结构化的奏鸣曲与赋格形式中，形成一种“新古典主义”的独特路径。 --- 结语：跨越风格的共通性 尽管本书涵盖了从单一旋律到复杂序列的巨大音乐图景，但最终的结论指向一个核心：无论作曲家身处何种时代，对既有音乐结构（如调式、复调、奏鸣曲）的理解深度，决定了他们能够多大程度上有效地“打破”或“超越”这些规则，从而创造出具有持久生命力的艺术作品。 本书提供的正是理解这些规则及其演变轨迹的理论工具，而非聚焦于特定乐器（如萨克斯管）的演奏技法。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让人眼前一亮，尤其是对于像我这样，在学习古典音乐的浩瀚海洋中摸索的乐器学习者来说。它的结构编排非常巧妙，并非那种枯燥的、把所有曲目堆砌在一起的教学方式。相反，作者似乎非常懂得如何引导学习者一步步深入。从基础的指法和音阶练习开始，循序渐进地过渡到具体的作品分析和演奏技巧提升。我特别欣赏它在每一个乐章或者选段前，提供的背景介绍。这不仅仅是枯燥的乐理知识，而是生动地讲述了作曲家创作时的心境、当时的时代背景，以及这部作品在浪漫主义音乐史上的地位。这种“带着故事去演奏”的方式，极大地激发了我对音乐本身的理解和热情，不再是机械地吹奏音符，而是试图去捕捉和再现那个时代的艺术精神。书中的乐谱排版清晰易读，重要的指法变化和呼吸控制点都有详细的标记，这对于自学者来说简直是福音，省去了太多自己摸索的时间。总的来说，它提供了一个非常扎实且富有启发性的学习框架。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年活跃在管乐室内乐舞台的演奏者，我深知，离开了对音乐历史的深刻理解，任何高超的技巧都可能显得空洞无物。这本教材的价值恰恰在于它的“历史纵深感”。浪漫主义时期是一个音乐风格极其多元且情感表达极其饱满的时代，这本教材没有采用简单的曲目罗列，而是精心挑选了一些具有代表性、风格迥异的作品片段进行深入剖析。它会对比勃拉姆斯式的内敛克制与瓦格纳式的宏大叙事在萨克斯管音色和力度控制上的差异。这种对比性的教学方法，极大地拓宽了我对萨克斯管作为一种“抒情乐器”的认识边界。我发现，以前我总是在用一种“通用”的方式去演奏所有时期的曲目，但读了这本书后，我开始学着去“扮演”那个特定时代的演奏者，去思考他们当时使用的乐器特性和对音色的审美偏好。这对于提升我对不同时期作品的风格把握能力，起到了关键性的作用。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了一批关于萨克斯管演奏技法的专业书籍，坦白说，大部分都偏向于技术层面的堆砌，读起来非常费劲，而且很多“高深”的技巧讲解，对于我这种还在努力攻克中级难关的乐手来说，实用性并不强。但是，这本《西方经典音乐作品萨克斯管演奏指导》却完全不同。它的重点似乎不在于炫技，而在于如何“诠释”音乐。书中对于浪漫主义时期那些标志性的、充满情感张力的乐句处理，给出了非常独到且可操作的建议。比如，在处理某段慢板时，它详细分析了揉音（vibrato）的频率和幅度变化如何影响乐句的“呼吸感”，以及如何在保持连贯性的同时，通过细微的音高变化来表达乐思的起伏。这比单纯告诉你“在这里要慢一点”要有效得多。更让我惊喜的是，它并没有回避那些技术上的难点，而是将这些难点融入到对情感表达的追求中去解决，让技术服务于艺术，而不是反过来。这本书更像是一位经验丰富的导师，在你耳边轻声细语地指导你如何走进作曲家的内心世界。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我购买这本书之前是抱有一丝疑虑的，因为市面上很多声称是“教程”的书籍，内容往往浅尝辄止，或者干脆就是乐谱的简单集合，缺乏真正的教学深度。然而，这本书完全颠覆了我的预期。它的学术严谨性体现在对原始乐谱的考证和对演奏版本选择的审慎态度上。作者在脚注中经常会引用不同的原始版本或早期的诠释，这对于追求“本真性”的演奏者来说至关重要。例如，对于某个连音记号的处理，作者会引用不同学派的观点进行探讨，而不是武断地下结论。这种开放式的探讨，鼓励读者自己去思考和实验，而不是被动接受。此外，书中对乐谱中那些看似不起眼的表情术语，如“espressivo”、“dolce”等，都进行了细致入微的语言学和音乐学层面的解释，这使得每一次的练习都变成了一次对德语或法语音乐术语的深入学习。这种对细节的关注，是区分优秀教材和平庸教材的分水岭。

评分☆☆☆☆☆

我主要用它来为我的学生们备课，发现它在辅助教学方面表现出了极强的灵活性和前瞻性。很多现有的教材，在面对现代乐团对音色纯净度越来越高的要求时，显得力不从心。而这本书在关于气息支撑和高把位控制的讲解部分，融入了许多现代声学和气息管理的理念，使得原本被视为“禁区”的高音区域，也能吹奏出具有浪漫主义色彩的饱满音色，而不再是单薄的哨音。它没有拘泥于传统的“老派”教学方法，而是巧妙地将古典作品的内涵与现代演奏科学相结合。我尝试用书中的某些练习方法来纠正一些学生长期存在的圆润度不足的问题，效果立竿见影。从教学资源的角度来看，这本书无疑提供了一套成熟、系统且与时俱进的教学路径，让指导学生进入浪漫主义音乐的殿堂变得更加清晰和高效。