中国歌剧音乐剧通史唱段精粹 民族唱法卷教材 音乐剧教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539647142

商品编码：29867595696

丛书名： 中国歌剧音乐剧通史 中国歌剧音乐剧唱段精粹民

开本：16开

出版时间：2014-01-01

 

目录 丛书总序
本书序言
民族歌剧《白毛女》
创演概况
入选唱段
北风吹
杨白劳
恨似高山仇似海
歌剧《赤叶河》
创演概况
入选唱段
燕燕下河洗衣裳
歌剧《刘胡兰》
创演概况
入选唱段
数九寒天下大雪
新版歌剧《刘胡兰》
创演概况
入选唱段
一道道水来一道道山
歌剧《王贵与李香香》
创演概况
入选唱段
王贵是个好后生
民族歌剧《小二黑结婚》
创演概况
入选唱段
清粼粼的水来蓝莹莹的天
歌剧《红霞》
创演概况
入选唱段
凤凰岭上祝红军
民族歌剧《洪湖赤卫队》
创演概况
入选唱段
洪湖水，浪打浪
大雁南飞
看天下劳苦人民都解放
没有眼泪，没有悲伤
民族歌剧《》
创演概况
入选唱段
海风阵阵愁煞人
渔家女要做好儿男
民族歌剧《江姐》
创演概况
入选唱段
红梅赞
我为共产主义把青春贡献
五洲人民齐欢笑
歌剧《深宫欲海》
创演概况
入选唱段
梦里常吟游子歌
歌剧《从前有座山》
创演概况
入选唱段
千错万错是我错  

 

 

 

内容推荐
《中国歌剧音乐剧通史(中国歌剧音乐剧唱段精粹民族唱法卷)(精)》为安徽文艺出版基金重点项目“中国歌剧音乐剧通史”之一种，作者居其宏、智艳以优中选优、精益求精的原则，在《白毛女》《刘胡兰》《小二黑结婚》《洪湖赤卫队》《江姐》及《党的女儿》《野火春风斗古城》《玉鸟兵站》等剧的精彩唱段中选取音乐性和艺术性高超、可听性强、在群众中流传广泛的经典唱段，编成此卷。  

 

 

音乐的史诗与技巧的殿堂：跨越时空的艺术探索 本书旨在为音乐爱好者、专业研究者以及舞台艺术实践者，提供一份全面而深入的音乐史诗回顾与表演技巧精研指南。我们拒绝仅仅停留于对既有作品的简单罗列，而是致力于挖掘音乐创作背后的时代精神、技术革新与人文关怀，构建一个既有宏大叙事又能深入微观技法的学习框架。 第一部：古典音乐的辉煌遗产与思想脉络 本卷聚焦于西方古典音乐，追溯其从巴洛克时期的严谨对位到浪漫主义的汹涌情感，再到二十世纪现代主义的理性解构与自由探索的全过程。 一、巴洛克时代的结构之美： 我们将详细剖析巴赫与亨德尔作品中的复调艺术。重点不再是旋律的表面听感，而是深入研究赋格的逻辑结构、卡农的精妙构建以及通奏低音的实际操作方法。通过对《平均律钢琴曲集》的深入分析，揭示出音乐如何从数学的精确性中升华出宗教与哲学的思考。我们将探讨协奏曲的“快-慢-快”结构如何在维瓦尔第手中定型，以及歌剧咏叹调在这一时期如何服务于情感的清晰表达，而非过度炫技。 二、古典主义的清晰与平衡： 海顿、莫扎特与贝多芬的交响曲是理解形式美学的基石。本部分侧重于奏鸣曲式的内部张力——呈示部、发展部与再现部的内在驱动力。我们不只是描述主题的对比，而是分析主题是如何通过转调、片段化、对比和融合，完成一场完整的“思想辩论”。特别是对贝多芬晚期作品中，打破常规的结构尝试，如何预示着未来音乐发展的方向，进行细致的考察。 三、浪漫主义的个体觉醒与民族色彩： 从舒伯特的艺术歌曲到瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），浪漫主义的核心是个体情感的无限释放与民族身份的自觉建构。我们将深入探究李斯特的交响诗在叙事性上的创新，肖邦钢琴作品中波兰民族舞曲元素的隐秘运用。对于瓦格纳的“主导动机”理论，我们不仅阐述其功能，更分析其在歌剧戏剧结构中的渗透性，以及对后世电影配乐产生的深远影响。 四、二十世纪的理性与反叛： 音乐进入了“去中心化”的时代。勋伯格的十二音体系，并非简单地废弃调性，而是一种对音乐本体进行重构的严肃尝试。本部分将详细解析序列主义的作曲技法，并对比德彪西印象主义声响的模糊性与斯特拉文斯基《春之祭》中原始节奏的爆发力。我们将探讨非传统乐器、噪音以及电子音乐的早期萌芽，如何挑战听众对“音乐”的传统定义。 第二部：舞台艺术的表演哲学与空间实践 本卷将目光投向舞台，探讨音乐如何从纸面走向真实的表演空间，聚焦于对声乐表达、器乐诠释及舞台调度中技术与艺术的融合。 一、声乐表演中的生理学与美学： 摒弃僵硬的流派划分，本章侧重于歌唱发声的生理基础与美学效果的统一。我们将详细探讨不同声部（男高音、女中音等）的气息支撑机制、共鸣腔体的优化利用，以及如何在高难度乐段保持音准与音色的稳定性。重点分析“美声唱法”在处理不同语言（意大利语、德语、法语）时的元音处理差异，以及如何通过细微的咬字变化来服务于戏剧内容。 二、器乐演奏中的诠释深度： 演奏者不仅是乐谱的搬运工，更是历史的阐释者。本部分选取协奏曲与奏鸣曲作为研究对象，分析同一作品在不同时代（如布索尼对巴赫的改编，或某位指挥家对马勒交响曲的独特速度选择）的诠释差异。我们探讨“历史演奏实践”（HIP）的理论依据，及其对现代乐团配器与演奏习惯的冲击与启示。 三、戏剧冲突与音乐叙事： 舞台艺术的魅力在于其综合性。本卷探讨如何通过音乐设计来强化戏剧冲突。对于配乐，我们分析其如何填补台词的空白、预示人物命运或烘托场景氛围。同时，深入研究舞台调度与音乐节奏的同步性，例如，一个关键的停顿（Fermata）在视觉和听觉上应如何精确配合，才能达到最大的戏剧张力。 第三部：现代舞台艺术的演进与融合 本卷专注于二十世纪至当代的舞台音乐形式，特别是歌剧与现代音乐剧的艺术边界。 一、二十世纪歌剧的多元探索： 从普契尼的晚期悲剧到肖斯塔科维奇的讽刺歌剧，本部分考察了歌剧在面对社会动荡时的反应。我们将重点分析通过非传统和声、极简主义节奏或口语化旋律来构建的现代剧作，以及它们对传统“美”的标准的颠覆。 二、音乐剧的美国叙事： 音乐剧作为一种独特的美式艺术形式，其成功的关键在于对叙事节奏的完美掌握。我们详细拆解经典音乐剧（如俄克拉荷马、西区故事）中“歌唱-舞蹈-对白”之间的无缝转换技术。重点分析如何使用复杂的和声语言来描绘美国当代社会问题，以及如何利用麦克风技术和舞台声场来优化现代剧场的听觉体验。本部分尤其关注当代编舞家如何将现代舞语汇融入音乐剧的叙事体系，创造出新的舞台动力学。 本书力求构建一个跨越数百年历史、贯穿不同文化背景的音乐思维体系，为读者提供一个既扎实又充满前瞻性的艺术视野。它不是一个简单的知识点汇编，而是一套引导学习者深入理解音乐创作本质、掌握舞台表演精髓的综合性工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于整个中国歌剧音乐剧领域的研究者来说，也具有很高的学术参考价值。它并非只是一本简单的“练习曲集”，更像是一部浓缩的行业发展史的侧面记录。通过对这些精选唱段的深入剖析，读者可以窥见不同历史阶段，国内音乐创作者们在融合民族元素与西方戏剧形式时所做的探索与挣扎。它提供的文化语境和审美取向的解读，为深入研究中国音乐剧的发展轨迹提供了坚实的文本基础。对于希望撰写相关论文或者进行深度学术探讨的人士而言，这本书无疑是一部不可多得的、资料详实且见解独到的参考资料库。

评分☆☆☆☆☆

我刚拿到这本教材时，首先被它的内容深度所震撼。它不仅仅是简单地罗列了一些唱段，更是在每一个篇章前加入了详尽的历史背景和艺术风格解析，这种“知其然，更知其所以然”的教学思路，极大地提升了学习的层次感。对于民族唱法的精髓，作者的处理非常到位，从气息的运用到共鸣腔体的调节，再到韵味的把握，都有非常细致入微的讲解和示范性的文字描述，这对于初学者来说，无疑是一份难得的指南。我尤其欣赏它在不同时期、不同地域风格唱法上的区分和对比，这使得我对中国歌剧音乐剧的演变脉络有了更清晰的认知，而不是将所有“民族唱法”一概而论。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经有一定基础的学习者，我更关注教材的实用性和可操作性。这本书在这方面表现得非常出色。它提供的练习曲目选择得非常巧妙，既有广为人知、极具代表性的经典选段，也有一些相对小众但技术要求极高的片段，这种难度跨度的设计非常有利于系统性的能力提升。更重要的是，对于每一个示范唱段，它都配上了针对性的技术难点解析，比如某个高音的处理技巧，某个转音的圆滑度要求等，这些都是在一般教材中难以寻觅的“干货”。我尝试按照书中的指导进行练习，发现对于修正我原有的发声习惯，确实起到了立竿见影的效果，这本教材的“实战性”毋庸置疑。

评分☆☆☆☆☆

从教学法的角度来看，这本书的编排逻辑是极其严谨且富有前瞻性的。它似乎是为培养“全能型”的舞台表演者而设计的，它没有仅仅局限于声音技巧的训练，而是将音乐剧的表演元素融入了民族唱法的教学之中。例如，在某些唱段的讲解中，作者会穿插关于角色塑造、舞台调度和情感表达的建议，引导学生思考如何将技术服务于戏剧的需要。这种跨学科的整合，使得学习过程不再是枯燥的机械模仿，而更像是一场沉浸式的艺术探索。它培养的不是一个只会“唱”的匠人，而是一个懂得“演”的艺术家，这一点令我非常赞赏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面设计得非常有品味，色彩搭配得恰到好处，既有古典韵味又不失现代感，一看就知道是精心打磨的作品。内页纸张的质量也相当不错，厚实平滑，油墨印刷清晰，阅读起来非常舒适，长时间翻阅也不会觉得眼睛疲劳。排版布局上，作者显然花了不少心思，文字与乐谱的穿插安排得井井有条，重点突出，逻辑清晰，让人在学习过程中能够迅速抓住核心要点。尤其是一些篇幅较长的介绍文字，分段合理，段落之间留白得当，使得整体视觉效果既饱满又不拥挤，阅读体验极佳。总的来说，从外在的感官体验来说，这本书无疑是市场上众多音乐教材中的佼佼者，让人爱不释手，甚至会愿意将其作为珍藏的一部分。