张千一创作歌曲精书籍 声乐曲谱教材 上音歌唱乐谱教程附4CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552307122

商品编码：29867608219

丛书名： 张千一创作歌曲精选

 

 

 

 

目 录 序
雪域飞赞歌
1.青藏高原
2.走进西藏
3.神山不说话
4.在那东山顶上
5.雅鲁藏布
6.香格里拉
7.去拉萨的路有多远
8.格萨尔
多彩好民族
1.传说（蒙古族）
2.梦回天山（维吾尔族）
3.长白颂（朝鲜族）
4.马头琴（蒙古族）
5.客家人（客家人）
6.花都之恋（贵州彝族）
7.阿拉里哟（朝鲜族）
8.家园（裕固族）
9.我的阿勒泰（哈萨克族）
真情颂祖国
1.大路越走越宽阔
2.说给大海
3.大地之子
4.秋
5.种树歌
6.月亮和兵
7.锦绣春天
8.在银杏树下
9.幸福的祖国
感悟《道德经》
声乐套曲——感悟《道德经》
（1）老子
（2）道法自然
（3）萤火虫
（4）月光
（5）知足
（6）山谷
（7）道不空空
（8）一字歌
（9）人生当如水
（10）为而不争
银屏绕回声
1.相逢是首歌
2.嫂子颂
3.红舞鞋
4.如此多娇
5.呼唤
6.二十四节气
7.女儿行
8.小薄雪
9.大上海
七彩云之南
1.爱在佤山
2.梦寻高黎贡
3.依恋澜沧江
4.茶语心境
5.翠之韵
6.茶马古道歌
7.梦佤山
8.普洱之恋
9.玉龙情歌
10.不依不饶
舞台扬旋律
1.江山美人（舞剧《霸王别姬》主题歌）
2.想你哩（陕北信天游歌舞剧《山丹丹》主题歌）
3.没想到心灯（歌剧《太阳雪》选段）
4.是你（歌剧《太阳雪》选段）
5.远山（歌剧《太阳雪》选段）
6.车站（交响情景合唱《列兵》选曲）
7.列兵，你在想什么（交响情景合唱《列兵》选曲）
8.列兵玉米提（交响情景合唱《列兵》选曲）

 

 

内容推荐 《张千一创作歌曲精选（附光盘）》在张千一近千首的歌曲中，精选60首作曲家的代表性作品，如“青藏高原”“梦回天山”“大地之子”“相逢是首歌”“嫂子颂””依恋澜沧江”等按歌曲主题分类，提炼了多个颇具匠心的篇章标题“锦绣春天”、“相逢是首歌”、“爱在佤山”、等若干主题。并在每个篇章前题写画龙点睛、富于哲理的短文、短诗。60首乐曲统一编配钢琴伴奏，并录制音响CD。

 

好的，这是一份关于另一本图书的详细简介，其内容与您提供的书名《张千一创作歌曲精书籍 声乐曲谱教材 上音歌唱乐谱教程附4CD》完全无关。 --- 图书名称：西方艺术歌曲发展史及其主要流派研究 作者： [此处可虚构一位该领域知名学者] 出版社： [此处可虚构一家权威音乐出版社] 出版日期： [虚构日期] 定价： [虚构价格] 内容提要： 《西方艺术歌曲发展史及其主要流派研究》是一部深入探讨自18世纪末欧洲“艺术歌曲”（Lied）兴起至20世纪中叶其风格演变与高峰期的学术专著。本书旨在为音乐学、声乐表演专业学生及广大艺术歌曲爱好者提供一部系统、严谨且富有洞察力的研究指南。 本书打破了传统的简单时间线叙述模式，而是采取了“流派交叉对比”的研究视角，力求揭示不同历史时期和地域风格之间的内在联系与差异。全书共分为六大部分，结构精密，逻辑清晰。 第一部分：艺术歌曲的萌芽与古典主义的奠基 本部分聚焦于艺术歌曲的哲学土壤——启蒙运动思潮的影响，以及它如何从民间歌谣和歌剧宣叙调中脱胎而出。重点分析了莫扎特（W.A. Mozart）和贝多芬（L. van Beethoven）早期作品中对文本与音乐结合的探索。特别深入讨论了“歌谣体”（strophic form）在这一阶段的意义，以及诗人歌德（Goethe）和席勒（Schiller）对音乐创作的深刻影响。 第二部分：德奥浪漫主义的黄金时代——舒伯特与舒曼 这是全书篇幅最长、论述最为细致的部分。作者详细剖析了弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）如何通过《魔岩王》、《冬之旅》等套曲，将德语艺术歌曲提升至一个前所未有的高度。书中不仅分析了其旋律的标志性特征，更着重阐释了钢琴伴奏（Klavierbegleitung）如何从单纯的烘托提升为与人声同等重要的“第二声部”，例如在钢琴织体中模仿自然景物或人物内心活动的技巧。 随后，本书转向罗伯特·舒曼（Robert Schumann），探讨他如何将文学叙事感和个人情感表达推向极致。对《诗人之恋》、《妇女的爱情与生活》的深度解析，体现了作曲家对叙事结构和情绪层次的精妙把控。 第三部分：浪漫主义的延伸与风格的分化——勃拉姆斯、沃尔夫与马勒 进入浪漫主义中后期，艺术歌曲的风格开始展现出明显的地域性和个性差异。约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）作品中的德奥传统回归，尤其体现在他对复调技巧的娴熟运用以及对传统曲式结构的坚守上。 本书将休戈·沃尔夫（Hugo Wolf）的贡献视为德语艺术歌曲的“最后的高峰”。沃尔夫对文本的极端忠诚，尤其是在音高选择和和声语言上对诗歌韵律的精确映射，被视为一种近乎偏执的“音乐修辞学”实践。此外，马勒（Gustav Mahler）的套曲，如《流浪儿的歌》，则预示着音乐表达的交响化趋势，为进入新时代埋下伏笔。 第四部分：法语艺术歌曲的崛起——从法伊特到德彪西 本部分将视角转向法国，对比了德奥Lied与法语Mélodie在美学追求上的根本差异。作者首先梳理了法伊特（Fauré）作品中那种精致、内敛、侧重于线条和色彩的法国式抒情性。 随后，本书对德彪西（Claude Debussy）的印象派风格进行了开创性的分析。德彪西如何利用非传统的调式、模糊的终止式和色彩性的和声，来捕捉诗歌中转瞬即逝的意境和光影效果，是本章的核心。书中通过对比德彪西对魏尔伦诗歌的谱写，清晰地展示了音乐如何服务于“氛围”（Ambiance）的营造。 第五部分：东欧与俄国的民族主义色彩 本章探讨了艺术歌曲在东欧和俄罗斯的独特发展路径。在这些地区，艺术歌曲往往与民族复兴运动紧密相连。重点分析了柴可夫斯基（Tchaikovsky）作品中强烈的戏剧性和叙事性，以及拉赫玛尼诺夫（Rachmaninoff）对俄国辽阔大地抒情传统的继承。书中也包含了对穆索尔斯基（Mussorgsky）的激进主义探索，尤其是在他如何挑战传统和声规范，以追求更原始、更“真实”的民间声音方面的讨论。 第六部分：二十世纪的革新与未来展望 最后一部分聚焦于20世纪初至中叶，艺术歌曲如何应对无调性、序列主义等现代主义思潮的冲击。本书详细考察了勋伯格（Schoenberg）在《挂毯的 लटका着的 আলোকিত灯》中对歌词和声的极端拓展，以及普契尼（Puccini）晚期作品中对歌剧宣叙调与艺术歌曲界限的模糊化处理。本章总结了传统艺术歌曲在现代音乐语境中的挣扎与新生，为未来的研究留下了开放性的思考。 本书特色： 1. 跨学科视野： 深度融合音乐分析、文学批评与哲学思想，提供多维度的解读。 2. 详实的乐谱注释： 许多关键乐段配有详细的指法、演唱法提示和和声标记，便于演奏者理解和应用。 3. 丰富的文献参考： 附带详尽的注释和参考书目，方便读者进一步深造。 4. 清晰的流派对比： 避免了单纯的时间罗列，通过对比不同流派对同一主题（如爱情、自然、死亡）的处理方式，使知识点更具辨识度。 本书是所有渴望深入理解西方声乐艺术精髓，特别是对艺术歌曲的结构、情感和历史脉络有志于探究的音乐学者、声乐教师和演唱者不可或缺的案头工具书。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深琴童家长，我对教材的实用性和可操作性看得非常重。这本书在这一点上做得非常出色，它完美平衡了理论的深度与实践的易用性。教材中的示范曲目选择非常广泛，涵盖了从古典艺术歌曲到现代美声作品的各个流派，确保了学生在不同声部和风格上都能得到充分的锻炼。更让我惊喜的是，它对钢琴伴奏部分的标注也极为细致，不仅给出了标准的和声进行，还对钢琴演奏者的力度控制和与演唱者的配合时机给出了非常明确的指示。这意味着，即便是钢琴伴奏经验相对不足的老师，也能通过这本书更好地引导学生进行合奏排练，大大提高了排练效率。我们家孩子以往练习新歌时，常常因为找不到合适的力度平衡而感到挫败，但有了这本书的详尽指导后，她能够更独立、更准确地把握歌曲的整体走向，极大地增强了她对音乐合作的信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品！封面那种泛着微微光泽的纸张，手感温润细腻，光是捧在手里就觉得心情愉悦。色彩搭配上，选用了一种沉稳又不失活力的深蓝色调，配上烫金的字体，显得既古典又现代。内页的纸张选得也非常考究，厚实挺括，即使用钢笔书写或者反复翻阅，也不容易留下难看的折痕或洇墨。尤其是排版布局，简直是为长时间阅读量身定制的舒适体验。歌谱的五线谱间距掌握得恰到好处，既不会显得过于拥挤导致视觉疲劳，也不会因为过于松散而浪费宝贵的页面空间。每一个音符、每一个休止符都清晰可辨，连那些细微的力度记号和表情符号都印制得锐利分明。对于我们这些需要长时间盯着乐谱练习的人来说，这种对细节的极致追求，真的太重要了。这本书放在书架上，本身就是一件赏心悦目的装饰品，拿在手中，更是一种享受，让人忍不住想立刻翻开，沉浸到音乐的世界里去。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源绝对是物超所值，甚至可以说是这场音乐学习体验的点睛之笔。以往的教材往往只提供冰冷的五线谱，听觉上的参考完全依赖于老师的示范或者自己去网上搜索质量不一的录音。但这本书配备的四张CD，简直是为我们提供了一套高质量的“私人陪练和范唱指导团”。这些录音的音质非常纯净清晰，无论是伴奏的录制还是示范演唱，都达到了专业录音棚的水平。示范演唱者的处理既精准又富有感染力，为我们提供了极佳的听觉模板。更贴心的是，有些曲目可能还区分了不同难度或不同声部的示范，让我们可以在不同的阶段进行参考和模仿。这种“视听结合”的学习模式，极大地弥补了传统阅读学习中的听觉缺失，让学习过程变得立体而丰满，极大地提升了学习的效率和乐趣。

评分☆☆☆☆☆

试读了几个章节后，我立刻被作者对音乐情感的细腻捕捉和诠释能力所折服。很多我们习以为常的经典曲目，在经过作者的重新审视和解读后，焕发出了全新的生命力。她不仅仅是教我们“怎么唱”（技术层面），更重要的是教我们“为什么这样唱”（情感与意境层面）。比如在处理一首叙事性很强的民歌时，书中详细分析了歌词的背景故事，建议我们在演唱时，应该如何通过音色的轻重、旋律线的起伏来刻画人物的内心挣扎。这种对“音乐哲学”的探讨，极大地拓宽了我的艺术视野。这已经超越了一般的曲谱教学范畴，更像是一本高级的音乐审美指南。它鼓励我们用心去感受旋律背后的故事，用生命去诠释歌词的重量，让演唱不再是机械的发声练习，而是一次真诚的灵魂对话。对于追求艺术高度的歌者而言，这种深层次的引导价值无可估量。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的严谨，体现了创作者深厚的专业素养。它不是简单地把歌曲堆砌在一起，而是构建了一个清晰、递进的学习路径。从最基础的乐理概念梳理开始，到声乐技巧的初步导入，再到不同时期、不同风格作品的赏析与实践，每一步都衔接得天衣无缝。特别是对一些高难度技巧的处理，作者并没有用晦涩的术语来搪塞，而是用非常接地气、形象化的语言进行阐释，并辅以大量的图示和动作分解，这对于自学者来说简直是如获至宝。我特别欣赏其中关于气息控制的那几个章节，作者深入剖析了横膈膜与声带的协同作用，甚至引用了人体工程学的原理进行说明，使得原本抽象的“气息”概念变得具体可感。这种由浅入深、层层深入的体系构建，让读者在学习过程中始终能保持清晰的方向感，每学完一个阶段，都能切实感受到自己技能的提升，而不是原地打转的迷茫感。