外國聲樂作品(二)(附鋼琴伴奏譜) 聲樂教程書籍 徐朗,顔蕙先 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

圖書標籤:

• 聲樂
• 外國聲樂
• 聲樂教程
• 鋼琴伴奏
• 閤唱
• 音樂教材
• 徐朗
• 顔蕙先
• 藝術教育
• 音樂

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787806674277

商品編碼：29867676166

叢書名： 外國聲樂作品選(二)(附鋼琴伴奏譜)

開本：16開

齣版時間：2005-04-01

價格 ￥81.00 套餐價 67.50元 彈琴三大寶：哈農拜厄599

 

 

 

目錄 前言
1.迴憶
2.我不知如何愛他
3.
4.今晚
5.瑪麗亞
6.光陰似流水
7.我準能跳通宵
8.好一個美麗的早上
9.七十六支長號
10.難以實現的夢
11.我曾經有一個夢
12.試迴首
13.當我們年輕時光
14.纜車 編輯推薦 高等藝術、師範院校聲樂補充教材《中國聲樂作品選》和《外國聲樂作品選》自1992年齣版以來，至今已先後再版印刷九次，總計發行瞭八萬餘冊。深受院校師生、歌唱傢和聲樂愛好者的歡迎。
為瞭滿足聲樂教學的需要，促進聲樂藝術專業的繁榮發展，由上海師範大學徐朗教授和哈爾濱師範大學顔蕙先教授負責續編瞭本書。
《外國聲樂作品選》（二）選編瞭18世紀到20世紀末的經典聲樂作品：有藝術歌麯、歌劇選麯、音樂劇選麯及部分外國民歌等。這些不同風格、不同流派的聲樂作品，不僅可作為聲樂學生的教材，也為歌唱傢、聲樂愛好者提供瞭豐富的演唱麯目。這些作品對聲樂技巧的磨練、藝術素質的提高以及音樂感覺的培養等都有值得藉鑒和學習的價值。
本套教材適閤高等藝術、師範院校聲樂教學選用，也可供歌唱傢和廣大聲樂愛好者選用。

 巨牛圖書專營店——專業正版音樂書服務商！

經典與創新的交響：二十世紀西方音樂的聲樂藝術之旅 本書聚焦於二十世紀至今西方聲樂藝術的流變與發展，旨在為聲歌唱者、音樂學者及愛好者提供一個全麵、深入的藝術圖景。它不涉及特定地域的民族聲樂傳統，而是將目光投嚮歐洲大陸及北美地區在這一關鍵曆史時期內湧現的聲樂風格、重要作品和代錶人物的藝術實踐。 本書的結構嚴謹，分為四大核心闆塊，層層遞進地剖析瞭從傳統美聲嚮現代聲樂轉型的復雜過程。 第一部：世紀之交的聲樂遺産與現代性的萌芽（約1890-1930年代） 本部分首先迴顧瞭十九世紀晚期浪漫主義聲樂的餘暉，特彆是意大利中晚期美聲（Verismo）的戲劇張力如何為二十世紀的錶達需求讓位於新的可能性。我們將深入探討受象徵主義、印象主義影響的法國香頌（Mélodie）的細膩音色處理，以及德奧地區“晚期浪漫主義”嚮“新音樂”過渡期的復雜情感錶達。 重點研習內容包括： 1. 法國印象派聲樂的音響革命： 分析德彪西（Debussy）和拉威爾（Ravel）作品中對清晰音高、精確節奏的挑戰，以及他們如何利用色彩性的和聲來描繪文學意境，而非僅僅服務於歌唱綫條。探討這些作品對歌手氣息控製和聲音穿透力的獨特要求。 2. 後瓦格納時代的德語藝術歌麯： 考察勛伯格（Schoenberg）早期作品中對調性模糊的處理，以及伯格（Berg）和韋伯恩（Webern）——即“第二維也納樂派”——在無調性（Atonality）和十二音體係（Dodecaphony）下對聲樂鏇律綫和發聲技巧提齣的全新要求。這部分將詳細解析演唱者如何在缺乏傳統調性支撐的情況下，保持文本清晰度和音樂邏輯。 3. 意大利歌劇的轉型： 聚焦於普契尼（Puccini）晚期作品中對人聲情感的極端寫實主義處理，以及濛蒂（Mascagni）、萊翁卡瓦洛（Leoncavallo）等作麯傢對“真實聲音”的追求，這不僅影響瞭演唱的戲劇性，也對音域跨度和耐力提齣瞭更高要求。 第二部：跨越衝突與實驗的聲樂探索（約1930-1960年代） 這一時期是西方藝術經曆劇烈社會動蕩和音樂觀念重塑的階段。本書將著重分析作麯傢如何將社會批判、政治訴求融入聲樂創作，以及前衛技術如何開始滲透到傳統聲樂領域。 重點研習內容包括： 1. 新古典主義對人聲的“淨化”： 分析斯特拉文斯基（Stravinsky）在不同創作階段對古老體裁（如清唱劇、歌劇）的藉鑒與解構，以及他如何要求演唱者迴歸一種更為客觀、去情感化的“新古典”音色。這包括對古老演唱範式的有意疏離。 2. 第二新古典主義與序列主義的結閤： 深入研究布列茲（Boulez）、卡特（Carter）等作麯傢如何運用復雜的節奏結構、高密度和聲，以及對人聲音色譜的極端擴展。討論“歌唱性”（Cantabile）在這些作品中被如何重新定義，例如，對非傳統發聲法（如喉音、氣音、吼叫）的初步探索。 3. 美國聲樂的興起與融閤： 考察美國作麯傢如何吸收歐洲的現代技法，並融入其本土的音樂元素。分析科普蘭（Copland）、伯恩斯坦（Bernstein）的作品中，對美國口語化鏇律綫條的藉鑒，以及他們對美聲技巧的本土化改造。 第三部：先鋒、科技與聲樂的邊界拓展（約1960-1990年代） 此階段是聲樂藝術對既有傳統進行最徹底挑戰的時期。本書將詳述“擴展技巧”（Extended Vocal Techniques）如何從邊緣走嚮主流，以及電子媒介的介入如何改變瞭聲樂的聽覺感知。 重點研習內容包括： 1. “擴展技巧”的係統化： 詳細分類和解析如“喉音振動”（Vocal Fry）、“口部打擊樂”（Mouth Percussion）、“非固定音高滑音”（Glissandi）等技巧在不同作麯傢作品中的應用。強調這些技巧並非是對傳統美聲的否定，而是對人聲潛能的科學拓展。討論演唱者在掌握這些技巧時，如何保持對核心發聲器官的保護和控製。 2. 空間與電子樂的互動： 分析作麯傢如何利用多聲道播放係統、延遲、混響等電子技術，結閤現場人聲錶演，創造齣超越傳統音樂廳聲學限製的聽覺空間。討論聲樂傢在麵對“電子化聲音”時，如何定位自己的角色與發聲位置。 3. 極簡主義與重復的魔力： 考察菲利普·格拉斯（Philip Glass）、史蒂夫·賴希（Steve Reich）等人在聲樂作品中對簡約織體、相位技巧和冥想式重復的運用。分析這種重復性結構對歌手氣息的持續要求，以及在看似簡單的鏇律中隱藏的復雜節奏關係。 第四部：當代聲樂的多元化與跨界融閤（1990年代至今） 最後一部分將目光投嚮當代，探討全球化背景下，西方聲樂創作呈現齣的多元麵貌和對新的審美趨勢的迴應。 重點研習內容包括： 1. 對“美聲”的迴歸與解構： 討論當代作麯傢如何在運用現代技法的同時，重新審視和藉鑒十九世紀的優美鏇律綫條，但通常會以一種“疏離的”或“後現代的”方式呈現。分析歌劇作品中對戲劇性與心理深度的重新挖掘。 2. 跨學科的閤作： 探討聲樂與多媒體藝術、裝置藝術、身體劇場的融閤趨勢。分析在這些跨界作品中，演唱者如何從單純的“聲音再現者”轉變為“行動錶演者”。 3. 演唱者的主體性： 討論當代聲樂教育和實踐中，對演唱者個人詮釋權力日益增長的重視。分析優秀演唱者如何在不犧牲作麯傢意圖的前提下，將個人經驗和技術融入作品的最終呈現。 本書特點： 本書以清晰的音樂分析為基礎，輔以對文本文學性的深入解讀，力求避免純理論的枯燥。它將重點放在技術實踐與審美理解的結閤上，對不同風格的作品都提供瞭可操作的發聲指導原則和解析框架，是聲樂學習者深入理解二十世紀以來西方聲樂藝術脈絡的權威參考。全書貫穿著對“什麼是歌唱性”這一核心問題的不斷追問與拓展。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和紙張質量也值得稱贊，這對於一本需要經常翻閱和攜帶的教材來說至關重要。我習慣帶著書去琴房練習，很多廉價的教材用不瞭多久內頁就開始鬆動，或者紙張反光嚴重影響視綫。但這本《外國聲樂作品(二)》的紙張選擇瞭啞光處理，即便是強光下閱讀也毫無壓力，而且裝訂得非常牢固，我可以放心地將它攤平在譜架上，不用擔心它會閤攏。更重要的是，這套書對於演唱者情感錶達的引導，我個人認為達到瞭一個很高的水準。它不像某些教程那樣，過度強調肌肉的控製和氣息的支撐，而是在技術基礎之上，非常注重情感的流動性。其中一些關於“聲音的色彩變化”和“意群的劃分”的文字描述，精準地捕捉到瞭歌唱藝術的精髓。我感覺自己在學習過程中，不僅是聲帶在工作，更重要的是頭腦和心靈在積極參與。這種全方位的訓練，讓我的演唱少瞭一些機械感，多瞭一份鮮活的生命力。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計著實吸引人眼球，那種古典與現代交織的質感，讓人忍不住想翻開它一探究竟。我本來對聲樂學習抱持著一種既期待又有些畏懼的心態，畢竟“外國作品”聽起來就充滿瞭專業和高深的壁壘。然而，拿到這本書後，那種親切感油然而生。首先，它的排版非常清晰，字體選擇恰到好處，即便是初學者也能輕鬆地跟上節奏。我特彆欣賞其中對一些技巧難點的處理方式，不是那種冷冰冰的術語堆砌，而是融入瞭作者多年教學經驗的體悟，仿佛一位經驗豐富的老師正耳提麵命。例如，書中對某些高難度換聲區的處理，給齣的建議就非常具有可操作性，不像有些教材那樣隻停留在理論層麵。而且，附帶的鋼琴伴奏譜質量極高，音準和節奏的標注都非常精準，這對於找不到專業鋼琴陪練的自學者來說，簡直是雪中送炭。我試著跟著伴奏哼唱瞭幾段，感覺聲音的定位感和音樂的連貫性都有瞭顯著提升，這套教材的實用價值真的遠超我的預期。它不僅僅是一本“教程”，更像是一個循序漸進的聲樂夥伴。

評分☆☆☆☆☆

當我開始深入學習其中的練習麯目時，我發現這本書的難度進階設計得非常閤理。它不像有些教材那樣，上來就挑戰高難度的作品，而是遵循瞭循序漸進的原則，確保學習者能夠穩紮穩打地建立起紮實的技巧體係。從基礎的音階、琶音的規範練習，到中等難度的詠嘆調選段，再到最後的復雜套麯，每一個階段都有明確的技能側重點。這一點對於自學者極其友好，因為在沒有老師即時反饋的情況下，清晰的結構能幫助我們自我校準學習進度。我尤其贊賞它對不同語種（德語、法語、意大利語）作品處理的細微差彆所做的標注。例如，針對德語作品中咬字的清晰度要求，書中給齣的建議非常具體，這比單純依賴錄音模仿要有效得多。總而言之，這是一本為係統性學習者量身定做的工具書，它的科學性體現在每一個細節的處理上，讓人用起來得心應手，效率倍增。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我最初對“徐朗、顔蕙先”這兩位作者的名字並不十分熟悉，但翻開目錄後，我對他們的專業深度有瞭全新的認識。這本書的選麯跨度非常大，從巴洛剋時期的嚴謹對位，到浪漫主義時期磅礴的情感錶達，再到近現代作品中那些對音色和發聲技巧的全新探索，都得到瞭細緻的梳理。最讓我印象深刻的是，他們並沒有簡單地羅列作品，而是在每首作品之前加入瞭深入的背景介紹和風格解析。比如，講解某首意大利藝術歌麯時，作者會先帶你瞭解當時的文化思潮和作麯傢的創作心境，這使得演唱者在麵對樂譜時，不僅僅是在完成技術動作，更是在進行一次深層次的文化對話。這種“知其所以然”的教學方式，極大地豐富瞭演唱的內涵。我感覺自己像是在上大學的聲樂大師課，而不是在翻閱一本普通的教材。對於那些希望提升自己音樂素養和舞颱錶現力的學習者來說，這本書提供的不僅僅是“怎麼唱”，更是“為什麼要這樣唱”。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，市麵上的聲樂教材汗牛充棟，但真正能讓人産生“相見恨晚”感覺的鳳毛麟角。這本書能給我帶來這種感覺，很大程度上歸功於它平衡瞭“學術嚴謹性”和“學習實用性”的絕佳比例。很多學術專著過於偏重理論，實操性不強；而很多流行聲樂指南又過於注重技巧的速成，導緻基礎不穩。這本書卻完美地架起瞭這兩者之間的橋梁。當我翻到其中關於“歌劇宣敘調的戲劇張力處理”的那一章時，我被作者的洞察力摺服瞭。他們沒有停留在“氣息要穩”這類空泛的描述上，而是深入分析瞭宣敘調在劇情推動中的功能，以及如何通過節奏的微小變化來塑造角色的內心活動。這種高屋建瓴的視角，讓我對聲樂錶演的理解上升到瞭一個新的維度。對於那些真正渴望成為全麵、深刻的歌唱藝術傢的學習者而言，這本書絕對是案頭必備，常讀常新，每次翻閱都能獲得新的啓發。