外国声乐作品(二)(附钢琴伴奏谱) 声乐教程书籍 徐朗,颜蕙先 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806674277

商品编码：29867676166

丛书名： 外国声乐作品选(二)(附钢琴伴奏谱)

开本：16开

出版时间：2005-04-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

 

 

目录 前言
1.回忆
2.我不知如何爱他
3.
4.今晚
5.玛丽亚
6.光阴似流水
7.我准能跳通宵
8.好一个美丽的早上
9.七十六支长号
10.难以实现的梦
11.我曾经有一个梦
12.试回首
13.当我们年轻时光
14.缆车 编辑推荐 高等艺术、师范院校声乐补充教材《中国声乐作品选》和《外国声乐作品选》自1992年出版以来，至今已先后再版印刷九次，总计发行了八万余册。深受院校师生、歌唱家和声乐爱好者的欢迎。
为了满足声乐教学的需要，促进声乐艺术专业的繁荣发展，由上海师范大学徐朗教授和哈尔滨师范大学颜蕙先教授负责续编了本书。
《外国声乐作品选》（二）选编了18世纪到20世纪末的经典声乐作品：有艺术歌曲、歌剧选曲、音乐剧选曲及部分外国民歌等。这些不同风格、不同流派的声乐作品，不仅可作为声乐学生的教材，也为歌唱家、声乐爱好者提供了丰富的演唱曲目。这些作品对声乐技巧的磨练、艺术素质的提高以及音乐感觉的培养等都有值得借鉴和学习的价值。
本套教材适合高等艺术、师范院校声乐教学选用，也可供歌唱家和广大声乐爱好者选用。

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经典与创新的交响：二十世纪西方音乐的声乐艺术之旅 本书聚焦于二十世纪至今西方声乐艺术的流变与发展，旨在为声歌唱者、音乐学者及爱好者提供一个全面、深入的艺术图景。它不涉及特定地域的民族声乐传统，而是将目光投向欧洲大陆及北美地区在这一关键历史时期内涌现的声乐风格、重要作品和代表人物的艺术实践。 本书的结构严谨，分为四大核心板块，层层递进地剖析了从传统美声向现代声乐转型的复杂过程。 第一部：世纪之交的声乐遗产与现代性的萌芽（约1890-1930年代） 本部分首先回顾了十九世纪晚期浪漫主义声乐的余晖，特别是意大利中晚期美声（Verismo）的戏剧张力如何为二十世纪的表达需求让位于新的可能性。我们将深入探讨受象征主义、印象主义影响的法国香颂（Mélodie）的细腻音色处理，以及德奥地区“晚期浪漫主义”向“新音乐”过渡期的复杂情感表达。 重点研习内容包括： 1. 法国印象派声乐的音响革命： 分析德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）作品中对清晰音高、精确节奏的挑战，以及他们如何利用色彩性的和声来描绘文学意境，而非仅仅服务于歌唱线条。探讨这些作品对歌手气息控制和声音穿透力的独特要求。 2. 后瓦格纳时代的德语艺术歌曲： 考察勋伯格（Schoenberg）早期作品中对调性模糊的处理，以及伯格（Berg）和韦伯恩（Webern）——即“第二维也纳乐派”——在无调性（Atonality）和十二音体系（Dodecaphony）下对声乐旋律线和发声技巧提出的全新要求。这部分将详细解析演唱者如何在缺乏传统调性支撑的情况下，保持文本清晰度和音乐逻辑。 3. 意大利歌剧的转型： 聚焦于普契尼（Puccini）晚期作品中对人声情感的极端写实主义处理，以及蒙蒂（Mascagni）、莱翁卡瓦洛（Leoncavallo）等作曲家对“真实声音”的追求，这不仅影响了演唱的戏剧性，也对音域跨度和耐力提出了更高要求。 第二部：跨越冲突与实验的声乐探索（约1930-1960年代） 这一时期是西方艺术经历剧烈社会动荡和音乐观念重塑的阶段。本书将着重分析作曲家如何将社会批判、政治诉求融入声乐创作，以及前卫技术如何开始渗透到传统声乐领域。 重点研习内容包括： 1. 新古典主义对人声的“净化”： 分析斯特拉文斯基（Stravinsky）在不同创作阶段对古老体裁（如清唱剧、歌剧）的借鉴与解构，以及他如何要求演唱者回归一种更为客观、去情感化的“新古典”音色。这包括对古老演唱范式的有意疏离。 2. 第二新古典主义与序列主义的结合： 深入研究布列兹（Boulez）、卡特（Carter）等作曲家如何运用复杂的节奏结构、高密度和声，以及对人声音色谱的极端扩展。讨论“歌唱性”（Cantabile）在这些作品中被如何重新定义，例如，对非传统发声法（如喉音、气音、吼叫）的初步探索。 3. 美国声乐的兴起与融合： 考察美国作曲家如何吸收欧洲的现代技法，并融入其本土的音乐元素。分析科普兰（Copland）、伯恩斯坦（Bernstein）的作品中，对美国口语化旋律线条的借鉴，以及他们对美声技巧的本土化改造。 第三部：先锋、科技与声乐的边界拓展（约1960-1990年代） 此阶段是声乐艺术对既有传统进行最彻底挑战的时期。本书将详述“扩展技巧”（Extended Vocal Techniques）如何从边缘走向主流，以及电子媒介的介入如何改变了声乐的听觉感知。 重点研习内容包括： 1. “扩展技巧”的系统化： 详细分类和解析如“喉音振动”（Vocal Fry）、“口部打击乐”（Mouth Percussion）、“非固定音高滑音”（Glissandi）等技巧在不同作曲家作品中的应用。强调这些技巧并非是对传统美声的否定，而是对人声潜能的科学拓展。讨论演唱者在掌握这些技巧时，如何保持对核心发声器官的保护和控制。 2. 空间与电子乐的互动： 分析作曲家如何利用多声道播放系统、延迟、混响等电子技术，结合现场人声表演，创造出超越传统音乐厅声学限制的听觉空间。讨论声乐家在面对“电子化声音”时，如何定位自己的角色与发声位置。 3. 极简主义与重复的魔力： 考察菲利普·格拉斯（Philip Glass）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）等人在声乐作品中对简约织体、相位技巧和冥想式重复的运用。分析这种重复性结构对歌手气息的持续要求，以及在看似简单的旋律中隐藏的复杂节奏关系。 第四部：当代声乐的多元化与跨界融合（1990年代至今） 最后一部分将目光投向当代，探讨全球化背景下，西方声乐创作呈现出的多元面貌和对新的审美趋势的回应。 重点研习内容包括： 1. 对“美声”的回归与解构： 讨论当代作曲家如何在运用现代技法的同时，重新审视和借鉴十九世纪的优美旋律线条，但通常会以一种“疏离的”或“后现代的”方式呈现。分析歌剧作品中对戏剧性与心理深度的重新挖掘。 2. 跨学科的合作： 探讨声乐与多媒体艺术、装置艺术、身体剧场的融合趋势。分析在这些跨界作品中，演唱者如何从单纯的“声音再现者”转变为“行动表演者”。 3. 演唱者的主体性： 讨论当代声乐教育和实践中，对演唱者个人诠释权力日益增长的重视。分析优秀演唱者如何在不牺牲作曲家意图的前提下，将个人经验和技术融入作品的最终呈现。 本书特点： 本书以清晰的音乐分析为基础，辅以对文本文学性的深入解读，力求避免纯理论的枯燥。它将重点放在技术实践与审美理解的结合上，对不同风格的作品都提供了可操作的发声指导原则和解析框架，是声乐学习者深入理解二十世纪以来西方声乐艺术脉络的权威参考。全书贯穿着对“什么是歌唱性”这一核心问题的不断追问与拓展。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实吸引人眼球，那种古典与现代交织的质感，让人忍不住想翻开它一探究竟。我本来对声乐学习抱持着一种既期待又有些畏惧的心态，毕竟“外国作品”听起来就充满了专业和高深的壁垒。然而，拿到这本书后，那种亲切感油然而生。首先，它的排版非常清晰，字体选择恰到好处，即便是初学者也能轻松地跟上节奏。我特别欣赏其中对一些技巧难点的处理方式，不是那种冷冰冰的术语堆砌，而是融入了作者多年教学经验的体悟，仿佛一位经验丰富的老师正耳提面命。例如，书中对某些高难度换声区的处理，给出的建议就非常具有可操作性，不像有些教材那样只停留在理论层面。而且，附带的钢琴伴奏谱质量极高，音准和节奏的标注都非常精准，这对于找不到专业钢琴陪练的自学者来说，简直是雪中送炭。我试着跟着伴奏哼唱了几段，感觉声音的定位感和音乐的连贯性都有了显著提升，这套教材的实用价值真的远超我的预期。它不仅仅是一本“教程”，更像是一个循序渐进的声乐伙伴。

评分☆☆☆☆☆

当我开始深入学习其中的练习曲目时，我发现这本书的难度进阶设计得非常合理。它不像有些教材那样，上来就挑战高难度的作品，而是遵循了循序渐进的原则，确保学习者能够稳扎稳打地建立起扎实的技巧体系。从基础的音阶、琶音的规范练习，到中等难度的咏叹调选段，再到最后的复杂套曲，每一个阶段都有明确的技能侧重点。这一点对于自学者极其友好，因为在没有老师即时反馈的情况下，清晰的结构能帮助我们自我校准学习进度。我尤其赞赏它对不同语种（德语、法语、意大利语）作品处理的细微差别所做的标注。例如，针对德语作品中咬字的清晰度要求，书中给出的建议非常具体，这比单纯依赖录音模仿要有效得多。总而言之，这是一本为系统性学习者量身定做的工具书，它的科学性体现在每一个细节的处理上，让人用起来得心应手，效率倍增。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上的声乐教材汗牛充栋，但真正能让人产生“相见恨晚”感觉的凤毛麟角。这本书能给我带来这种感觉，很大程度上归功于它平衡了“学术严谨性”和“学习实用性”的绝佳比例。很多学术专著过于偏重理论，实操性不强；而很多流行声乐指南又过于注重技巧的速成，导致基础不稳。这本书却完美地架起了这两者之间的桥梁。当我翻到其中关于“歌剧宣叙调的戏剧张力处理”的那一章时，我被作者的洞察力折服了。他们没有停留在“气息要稳”这类空泛的描述上，而是深入分析了宣叙调在剧情推动中的功能，以及如何通过节奏的微小变化来塑造角色的内心活动。这种高屋建瓴的视角，让我对声乐表演的理解上升到了一个新的维度。对于那些真正渴望成为全面、深刻的歌唱艺术家的学习者而言，这本书绝对是案头必备，常读常新，每次翻阅都能获得新的启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量也值得称赞，这对于一本需要经常翻阅和携带的教材来说至关重要。我习惯带着书去琴房练习，很多廉价的教材用不了多久内页就开始松动，或者纸张反光严重影响视线。但这本《外国声乐作品(二)》的纸张选择了哑光处理，即便是强光下阅读也毫无压力，而且装订得非常牢固，我可以放心地将它摊平在谱架上，不用担心它会合拢。更重要的是，这套书对于演唱者情感表达的引导，我个人认为达到了一个很高的水准。它不像某些教程那样，过度强调肌肉的控制和气息的支撑，而是在技术基础之上，非常注重情感的流动性。其中一些关于“声音的色彩变化”和“意群的划分”的文字描述，精准地捕捉到了歌唱艺术的精髓。我感觉自己在学习过程中，不仅是声带在工作，更重要的是头脑和心灵在积极参与。这种全方位的训练，让我的演唱少了一些机械感，多了一份鲜活的生命力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对“徐朗、颜蕙先”这两位作者的名字并不十分熟悉，但翻开目录后，我对他们的专业深度有了全新的认识。这本书的选曲跨度非常大，从巴洛克时期的严谨对位，到浪漫主义时期磅礴的情感表达，再到近现代作品中那些对音色和发声技巧的全新探索，都得到了细致的梳理。最让我印象深刻的是，他们并没有简单地罗列作品，而是在每首作品之前加入了深入的背景介绍和风格解析。比如，讲解某首意大利艺术歌曲时，作者会先带你了解当时的文化思潮和作曲家的创作心境，这使得演唱者在面对乐谱时，不仅仅是在完成技术动作，更是在进行一次深层次的文化对话。这种“知其所以然”的教学方式，极大地丰富了演唱的内涵。我感觉自己像是在上大学的声乐大师课，而不是在翻阅一本普通的教材。对于那些希望提升自己音乐素养和舞台表现力的学习者来说，这本书提供的不仅仅是“怎么唱”，更是“为什么要这样唱”。