正版《 音乐制作自学速成 》 宁佐良讲解示范视频教程曲集 OLD JAZZ钢琴精NO.1 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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施富然 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 春风文艺出版社

ISBN：9787531334408

商品编码：29867676932

丛书名： OLD JAZZ钢琴精选NO.1

开本：8开

出版时间：2010-09-01

第I片
关于计算机音乐
01 计算机音乐的用途
02 计算机音乐和MIDI
03 GM GS XG SMF格式
04 学习计算机音乐的基本条件
制作设备的基本配置
05 硬件方面
06 软件方面
制作的基本步骤
前期工作（MIDI制作）
07 输入/输出设备的设置
08 软件的界面
09 个性化的设置
10 鼠标输入/MIDI键盘输入
11 常用的编辑方法
12 快速的操作
13 旋律声部的输入
14 和声铺垫声部的输入
第二片
01 和声节奏声部的输入
02 节奏声部的输入
03 低音声部的输入
04 乐曲中间的变化
05 MIDI音轨的总体调整
06 MIDI的编辑
07 Sonar软件与CakeWalk软件
后期工作（音频制作）
08 把MIDI缩混为音频文件
09 人声及特色乐器的录音
10 音频的处理
11 母盘刻录
第三片
制作技巧的应用
01 音色的人性化处理
02 管弦乐队的编组
03 为歌曲配伴奏的要领
04 应用自动音乐软件制作MIDI音乐
05 把钢琴作品改编为MIDI音乐
06 和视频同步制作MIDI音乐
乐曲制作示范
07 《Take Five》爵士音乐
08 《碟中谍》电影主题曲
09 《与狼共舞》电影音乐片段
10 《贝多芬第五交响曲》片段

 

 

《音乐制作自学速成》中，宁佐良老师就音乐制作过程中制作设备的配置、制作的主要步骤以及各类制作技巧的掌握、运用等都作了详尽地讲授，并将各种不同风格的音乐作品做了具体、生动地制作示范。通过学习，将帮助你走上音乐制作的成功之路。

纯钢琴演奏的魅力：深入探索爵士黄金时代的声音 本套教程/曲集，旨在带领学习者和爱好者走进一个充满复古情怀与精湛技艺的音乐世界——20世纪中叶的经典爵士钢琴演奏艺术。我们将聚焦于那些定义了“老式爵士”（Old Jazz）风格的标志性作品、和声语言以及演奏技巧，完全脱离现代音乐制作的流程和电子乐器元素，纯粹以钢琴作为表现载体。 第一部分：黄金时代的和声语言与织体（The Harmonic Tapestry of the Golden Age） 本部分内容将集中于对1920年代至1950年代爵士钢琴核心和声体系的解构与实践。这不是关于如何使用数字音频工作站（DAW）编排音乐，而是关于如何用双手在键盘上构建出那个时代特有的声音厚度与色彩。 1. 复杂的九和弦、十一和弦与十三和弦的运用： 我们将深入研究如何有效地在爵士钢琴中运用扩展和弦。重点教授根音在低音区（Bass Clef）的行走方式，以及如何在右手（Treble Clef）精确地编排这些复杂的和声结构，实现其特有的“松弛”与“张力”。例如，我们探讨了如何在快速的布吉伍吉（Boogie-Woogie）节奏中嵌入次属七和弦的替换（Tritone Substitution），以及如何利用降九度或升五度等替代音来为常见的II-V-I进行增添色彩。 2. 琶音与分解和弦的风格化处理： 传统的琶音练习往往侧重于均匀度，但在老式爵士中，琶音的断奏（Staccato）处理、重音位置的变化，以及何时将其转化为快速的分解和弦型（Arpeggiated Figures），是形成时代听感的关键。我们将分析那些著名钢琴家在即兴独奏段落中如何将复杂的和弦内音群以快速、律动的方式铺陈开来，而非仅仅是简单的音阶跑动。 3. 步进低音线（Walking Bass Lines）的艺术： 专注于左手在伴奏中的独立性与功能性。本章将教授如何构建出一条流畅、稳定且富有驱动力的“行走低音线”。这包括对不同节奏型（如四分音符、附点音符的结合）的处理，以及如何巧妙地利用五度圈外的音（如经过音或邻音）来连接和弦根音，确保节奏部分的稳固性，这是支撑起整个独奏框架的基础。 第二部分：经典曲目与风格模仿（Classic Repertoire and Stylistic Emulation） 本部分将以一系列具有代表性的“老式爵士”曲目作为蓝本，教授如何针对性地模仿特定演奏家的风格特征，而非简单地照谱演奏。 1. 摇摆时代的节奏感与触键（Swing Feel and Articulation）： 爵士乐的精髓在于其“摇摆感”（Swing）。我们将详细讲解如何将机械的八分音符转化为富有弹性的“长-短”节奏组合。这涉及到对踏板（Sustain Pedal）的精准控制——何时需要完全释放以保持清晰度，何时需要半踩来制造模糊的“朦胧感”。触键的力度变化（Dynamics）在老式爵士中极为关键，它决定了旋律的“歌唱性”。 2. 蓝调与布吉伍吉的基础结构（Blues and Boogie-Woogie Foundations）： 布吉伍吉钢琴是老式爵士的重要根源之一。我们将教授经典的十六小节蓝调和弦进行（Blues Progression），以及不同速度下左手持续不断的、富有感染力的循环低音型（Ostinato）。如何通过改变右手的和弦色彩，在保持左手律动不变的前提下，实现对同一和弦进行的多次不同诠释，是本节的重点。 3. 独奏句法的构建（Developing Solo Phrasing）： 爵士独奏并非随机音符的堆砌。我们将研究如何从“主题变奏”（Theme and Variation）的角度来组织即兴段落。分析如何从歌曲的原始旋律中提取动机（Motive），并围绕这些动机进行节奏的切分、和声的替换以及音域的扩展。这要求学习者具备极强的听辨能力，并将其转化为指尖的准确表达。 第三部分：钢琴演奏技巧的深化（Advanced Piano Technique for Jazz Contexts） 本章节脱离了纯粹的理论，专注于如何将音乐构思有效地转化为物理上的键盘控制。 1. “卡农式”的对位与织体（Counterpoint and Textural Layering）： 在双钢琴或钢琴三重奏的背景下，老式爵士钢琴手经常需要承担旋律、和声与低音线三重角色。本节将教授如何在同一双手内实现清晰的对位效果，即左手演奏低音线的同时，右手在高音区演奏出清晰的旋律线条，并在适当的时机将伴奏和弦“插入”进来，以避免声音的混浊。 2. 踏板的使用：营造空间感而非混响（Pedal as Space Creation）： 与古典音乐中利用延音踏板来延长音高和泛音不同，老式爵士钢琴手更倾向于用踏板来制造“喘息”的空间。我们将演示在快速行进的和弦进行中，如何进行“半踏”或“换踏”的练习，确保每一个新的和弦进入时，上一个和弦的“脏”音被干净地切断，从而保持低音线的清晰度和节奏的锐利感。 3. 速度控制与耐力训练（Tempo Management and Stamina）： 经典爵士曲目往往要求演奏者在保持极度放松状态的同时，维持较高的演奏速度。本部分提供针对性的指法练习，重点不在于追求最快的速度，而是在指定速度下，保证每一个音符的触感、重音和音色的一致性，以达到长时间稳定演出的耐力。 --- 总结： 本书/教程集专注于传统钢琴演奏艺术，深入挖掘上世纪中叶爵士乐黄金时代的精髓。我们关注如何通过钢琴这一纯粹的乐器，精确还原那个时代特有的和声色彩、律动感和即兴思维，完全不涉及任何现代录音、效果器或数字合成技术。这是一场纯粹的、关于手指与琴键的对话。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我手里已经有不少关于乐理和键盘演奏的书籍了，但很多都停留在理论层面，很少有能把“演奏示范”和“理论解析”结合得如此紧密且富有层次感的。这本书最大的价值在于，它成功地构建了一个从“理解”到“实践”的完整闭环。每当介绍一个新的和弦进行或节奏型时，作者总会立即给出具体的应用场景和演奏范例，让你不是在真空里学习理论，而是在真实音乐的语境中去消化知识。我特别欣赏它在曲集编排上的匠心独运，那些精选的爵士小品，难度梯度设置得非常科学合理，你可以在完成前一课的学习后，立即看到自己进步的成果，这种即时的反馈机制极大地增强了我的学习动力。这本书真正做到了“授人以渔”，它教我的不仅仅是弹奏技巧，更是一套系统性的、可以迁移到任何其他爵士曲目上的分析和学习方法论。这比单纯学会几首曲子要有价值得多。

评分☆☆☆☆☆

天哪，这本书简直是为我这种半路出家的音乐爱好者量身定做的！我一直对爵士乐怀有浓厚的兴趣，尤其是那种老派、醇厚的“OLD JAZZ”风味，但苦于没有系统的入门指导。市面上很多教材要么太学术化，要么就是零散的技巧堆砌，根本找不到一个能把理论和实践完美结合起来的清晰路径。这本书的出现，就像黑暗中的一盏明灯。从拿到手的那一刻起，我就被它那种扎实的教学态度所吸引。它没有急着抛出复杂的和弦指法，而是先花了很大篇幅来梳理爵士乐的历史脉络和基础和声概念，这种宏观的视野非常重要，能让你真正理解你正在演奏的音乐背后的文化和情感。最让我惊喜的是，它非常注重“感觉”的培养，而不是单纯的机械模仿。作者在讲解每一个段落时，都非常注重如何用钢琴去“讲述”故事，如何通过节奏的细微变化来展现爵士乐的律动感，而不是生硬地跟着节拍器走。我感觉自己不仅仅是在学习如何弹奏，更是在学习如何“听”和“感受”爵士乐。这本书的排版和选曲也极其用心，每一首曲目都不是随随便便挑来的，它们都是爵士黄金时代的经典代表作，通过学习它们，我能一步步建立起自己的爵士曲库和演奏风格。

评分☆☆☆☆☆

我最近因为工作压力大，想找点能放松心情的音乐爱好来调节一下，正好听朋友推荐了这套教程。我原本以为学习音乐制作会是一件非常枯燥且需要大量前期投入的事情，但这本书的讲解方式完全是另一种体验。它不是那种冷冰冰的教科书，更像是身边一位经验丰富、耐心十足的老师在手把手地教你。尤其是在示范部分，讲解者对于每一个和弦转换的犹豫、每一个音符的强调，都处理得恰到好处，让你能够清晰地感受到背后的思考过程。我发现，通过跟着书中的示范去模仿和练习，我的手指灵活性有了显著的提高，而且更重要的是，我的“乐感”似乎也被打开了。以前我弹琴总是像在完成任务，现在却能从中找到一种流畅的乐趣。这种“沉浸式”的学习体验，让我愿意花更多时间去钻研，而不是三天打鱼两天晒网。这种轻松但又不失深度的学习氛围，正是忙碌的现代人最需要的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对这种“速成”类的书是持保留态度的，总觉得“速成”往往意味着肤浅。但这本书彻底颠覆了我的看法。它的结构设计非常巧妙，循序渐进得让人感到惊喜。它没有一上来就堆砌那些让初学者望而生畏的属七、九和弦等高难度内容，而是从最基础的布鲁斯音阶和简单的三和弦进行开始，每一步都配有清晰的示范说明，让你在不知不觉中，就已经掌握了构建爵士乐骨架的能力。我特别喜欢它对“即兴”部分的讲解方式。很多教程讲即兴，无非就是让你背诵音阶，但这本书更侧重于“动机发展”和“旋律构建”。它会教你如何从一个简单的动机出发，通过重复、移位、节奏变化等手法，将它发展成一段流畅且富有音乐性的即兴乐句。这种教学思路，真正抓住了爵士乐即兴的灵魂——对话与创造。我已经迫不及待地想把这些技巧应用到自己的练习中了，感觉自己的演奏不再是简单的“照谱弹奏”，而是真正有了自己的声音在里面跳动。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对传统爵士乐有着执念的人，我对于那些过于现代或电子化的音乐制作教程感到提不起兴趣。这本书，从标题到内容，都紧紧围绕着“OLD JAZZ”的核心精神，这对我来说简直是久旱逢甘霖。它不是简单地教你怎么用现代DAW软件进行录音或混音，而是深入探讨了那个时代钢琴手的演奏习惯、音色的选择，以及如何在数字时代重现那种温暖、饱满的“模拟感”。比如，书中对于踏板的运用和触键力度的控制有着非常细腻的描述，这些细节恰恰是决定“老派”味道的关键所在。我甚至觉得，光是研究它对老式钢琴音色特性的分析，就已经受益匪浅了。它让我明白，音乐制作不仅仅是技术的堆砌，更是一种对历史的尊重和对声音纹理的细致打磨。它引导我去思考，在没有现代效果器辅助的情况下，那个时代的音乐家是如何通过精湛的技巧来塑造听感的，这比单纯学习几个混响参数要深刻得多。