正版音乐录音教材 音乐录音从零学 音频工程与音乐制作初学指南 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115330703

商品编码：29867677715

丛书名： 音乐录音从零学 音频工程与音乐制作初学指南

开本：16开

出版时间：2014-01-01

 

 

基本信息

 

出版社: 人民邮电出版社; (2014年1月1日)

 

外文名: Audio Engineering 101

 

丛名: 传媒典藏·音频技术与录音艺术译丛

 

平装: 310页

 

语种： 简体中文

 

开本: 16

 

ISBN: 9787115330703, 7115330700

 

条形码: 9787115330703

 

商品尺寸: 23.4 x 18.6 x 1.4 cm

 

商品重量: 458 g

 

品牌: 人民邮电出版社

 

ASIN: B00H4OT0VU

 

 

 

目录 1章 什么是声音？以及它的七个要素1 第2章 “听”的学问17 第3章 有趣的频率点—让频率不再神秘30 第4章 与人交流的技巧！技术不是录音的44 第5章 话筒使用指南。嗨，准备就绪了吗？57 第6章 调音台，如何在短时间内搞定这么多旋钮？116 第7章 信号处理器—一种可以持续给你新鲜感的玩具136 第8章 信号路由—掌握音频系统的关键151 第9章 工作室录音流程166 10章 基础声学 11章 录音的历史：帮助你了解录音技术的来龙去脉202 12章 理论学毕，开始实习222 13章 工作。我可以用自己的技术做些什么呢？236 14章 常见问题的专家解答253 附录A291 附录B294 音频专业术语303 音视频版权309

 

对于录音初学者来说，《音乐录音从“零”学音频工程与音乐制作初学指南》是一本真正的入门指导书。如果你有梦想、有想法、有音乐才能、不乏创造力，但不知道该从何入手，或不知道应如何把梦想、想法、才能、创造力等结合起来时，这本书就可以帮上你的忙了！

 

 

 

《音乐录音从“零”学音频工程与音乐制作初学指南》涵盖录音过程中所有必须了解的知识点和步骤，不仅在录音设备、音频软件项目文件、声学等方面进行了基础叙述，还用实例阐述了均衡器、压缩器的基本使用方法。《音乐录音从“零”学音频工程与音乐制作初学指南》通过作者长年录音实践所得出的经验和观点，为你提供一个全方位的音乐产业概览，揭开了录音制作的神秘面纱。同时还评述了音频工程中常被忽视的因素：实习、人际关系、职业种类、工作艺术等，将会对你在令人兴奋、同时又时常让人困惑的音乐产业领域里取得成功大有帮助。

 

 

 

你还可以在本书配套网站www.AudioEngineering101.com上找到书中涉及的视频和音频片段，它们是书本文字的补充，让你可以看见和听见书里正在阐述的内容。

 

 

 

《音乐录音从“零”学音频工程与音乐制作初学指南》作者提姆A迪特玛(Timothy A. Dittmar)是音乐人、录音师、现场扩声工程师、制作人、歌曲创作者和教授。自2000年以来，提姆就一直是奥斯汀传媒学院的全职教授，他在学院中主持“音乐事业管理”专业的技术类课程。

 

好的，这是一份关于其他音乐相关主题图书的详细简介，完全不涉及您提到的那本教材的内容，力求自然流畅，信息丰富： --- 音乐史与理论探索：一部跨越世纪的听觉之旅 书名：从格里高利圣咏到电子乐的演变：西方音乐宏观史与体裁分析 内容概述： 本书旨在为所有对西方音乐的深厚历史脉络和复杂体裁演变感兴趣的读者提供一个全面而深入的视角。它摒弃了传统的年代罗列式叙述，转而采用主题交叉和风格对比的方法，探究音乐如何在不同的社会、技术和哲学思潮下，一步步塑造了我们今日所听到的声音景观。 第一部分：早期音乐的奠基与神圣回响（中世纪与文艺复兴早期） 本部分将追溯西方音乐的源头，从古希腊的音乐理论萌芽，聚焦于中世纪教会音乐的核心——格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音结构、调式系统及其在礼拜仪式中的至高地位。我们将详细分析记谱法的诞生与发展，如何使得音乐从口传心授的脆弱状态，转变为可以被精确记录和传播的艺术形式。 随后的章节将转向中世纪世俗音乐，如游吟诗人的歌曲（Troubadour and Trouvère Songs），探讨其叙事性、爱情主题与民间音乐的影响。进入文艺复兴时期，我们将深入探讨复调音乐（Polyphony）的飞速发展，重点分析奥兰多·迪拉索斯（Orlande de Lassus）、乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）等大师的作品，揭示“人声的和谐”如何成为这一时代的审美标准，以及复调音乐的模仿技法和均衡美学。 第二部分：巴洛克时代的辉煌与情感的爆发（1600-1750） 巴洛克时期是音乐史上一个充满戏剧性和装饰性的时代。本部分将详细阐述歌剧（Opera）在佛罗伦萨的诞生及其在欧洲的迅速普及，探讨其对戏剧、诗歌和视觉艺术的融合。我们会剖析“巴洛克风格”的核心特征：强烈的对比、对位法（Counterpoint）的极致运用，以及数字低音（Basso Continuo）在确立音乐结构中的关键作用。 专题研究将集中于三位巨匠：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的赋格艺术、亨德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio）叙事力量，以及维瓦尔第（Vivaldi）协奏曲中对器乐独奏技巧的开拓。读者将学习如何辨识和欣赏巴洛克音乐中复杂的结构和深刻的情感表达。 第三部分：古典主义的秩序与启蒙的理性之光（1750-1820） 本部分侧重于音乐形式的规范化和清晰化。古典主义时期强调平衡、清晰的旋律线条以及明确的乐句结构。我们将系统地解析奏鸣曲式（Sonata Form）——这一时期最核心的结构蓝图，及其在交响曲（Symphony）、奏鸣曲（Sonata）和弦乐四重奏（String Quartet）中的应用。 海顿（Haydn）被誉为“交响曲之父”，他的创新精神如何巩固了乐队编制；莫扎特（Mozart）作品中完美无瑕的旋律与戏剧张力；以及贝多芬（Beethoven）如何通过对既有形式的拓展和个人意志的注入，预示了浪漫主义的到来，这些都将作为核心案例进行深入分析。 第四部分：浪漫主义的自我表达与民族色彩（1820-1900） 浪漫主义音乐是对古典主义规范的反叛，是对个体情感、想象力与超自然主题的无限探索。本部分将探讨这一时期音乐家如何利用和声的扩张、更广阔的音域以及更大型的乐队编制来表达“崇高”（Sublime）的情感。 我们将分析艺术歌曲（Lied）如何与诗歌达到完美的结合，聚焦舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）的贡献。此外，民族乐派（Nationalism）的兴起，如德沃夏克（Dvořák）对斯拉夫民间音乐的汲取，肖斯塔科维奇（Shostakovich）后期的俄国精神，展示了音乐如何成为民族身份认同的载体。 第五部分：二十世纪的碎片化与新的语言（1900至今） 二十世纪是音乐语言最为多元和动荡的一个世纪。本书将梳理从印象派（如德彪西 Debussy）对色彩与氛围的捕捉，到表现主义（如勋伯格 Schoenberg）对传统调性的彻底瓦解，探讨无调性（Atonality）、十二音体系（Twelve-Tone Technique）的诞生及其对音乐创作逻辑的颠覆。 随后，我们将介绍战后各种实验性浪潮，包括序列音乐（Serialism）、随机音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇 John Cage）以及极简主义（Minimalism，如菲利普·格拉斯 Philip Glass）的回归性与重复美学。最后，本书将简要回顾电子音乐、噪音美学在古典音乐领域的渗透与影响，引导读者以批判性的眼光欣赏现代音乐的丰富维度。 本书特点： 跨学科视野： 将音乐史与当时的哲学、文学、绘画思潮相结合，提供更立体的理解。 深入的体裁剖析： 对奏鸣曲、赋格、协奏曲、交响曲等核心体裁的结构进行清晰的图解和分析。 听力指南集成： 附有推荐的“必听曲目清单”，并附带简要的听力提示，指导读者如何有效欣赏复杂的古典作品。 本书适合音乐专业的学生、古典音乐爱好者，以及所有希望系统了解西方音乐发展历程，并提升鉴赏能力的基础和进阶读者。它不仅是一部历史书，更是一部引导您深入聆听的指南。 ---

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚开始翻阅这本书的时候，有点担心它会不会过于偏重理论而忽略了实际操作性，毕竟市面上很多教材都是这样。但是，这本书的平衡感掌握得非常好。它在讲解理论概念的同时，总会立刻接上“实践应用”的案例。比如，在解释“动态范围压缩”这个概念时，它不仅清晰地阐述了阈值、比率、启动时间和释放时间这些参数的含义，还马上给出了一个例子：如何用压缩器来“驯服”一个动态变化剧烈的贝斯录音。更让我惊喜的是，它对不同DAW（数字音频工作站）的通用操作逻辑进行了归纳总结，而不是局限于某一个特定的软件。这意味着，无论你是用Pro Tools还是Cubase，书中的核心思想和技术都可以被直接应用，这大大提高了教材的通用性和长期价值。这本书绝对不仅仅是一本操作手册，它更像是一位经验丰富的老录音师在手把手教你“如何思考”一个声音问题，而不是简单地告诉你“按哪个按钮”。这种思维训练对于想要长期发展的人来说，价值无价。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计简直是业界良心。在这个电子书泛滥的时代，拥有一本实体教材，并且纸张质量如此精良，翻阅起来体验极佳。很多技术书籍的图表都是黑白且模糊不清，但这本书为了讲解波形、频谱分析和连接图，使用了高质量的全彩印刷，很多复杂的电路图和信号流示意图都清晰可见，细节处理得非常到位。对于需要经常在录音棚里查阅资料的人来说，这种直观的视觉辅助至关重要。而且，它的语言风格非常平实流畅，没有那种过于学术化或者自命清高的腔调，读起来非常舒服，就像在听一位耐心的导师讲解一样。我可以随时翻到任何一个章节，快速定位到我需要的知识点，而不是被冗长的前言或者无关的背景信息拖慢学习节奏。这种对用户体验的关注，体现了作者和出版社对读者的尊重。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的一点是它对“版权和合法性”的强调。在现代音乐产业中，使用盗版软件或素材是普遍现象，但这本书非常明确地指出了在专业领域中，使用正版软件和理解录音版权的重要性。它将“正版”不仅仅理解为购买授权，更延伸到对录音成果的知识产权保护意识的培养。这一点在许多技术教材中是被严重忽视的。此外，书中还融入了一些关于音乐产业流程的常识介绍，比如DEMO的递交标准、与工程师沟通的有效方式等。这些“软技能”的补充，让这本书的实用价值超越了单纯的技术指南。它培养的是一个全面发展的音频从业者，而不仅仅是一个会操作软件的“按钮推手”。这种对行业道德和商业规范的引导，无疑是为初学者打下了更坚实、更负责任的职业基础。

评分☆☆☆☆☆

我是一名已经做了一段时间音乐的小制作人，技术上有一些积累，但我总觉得自己的混音作品听起来“不够专业”，缺乏那种大型录音室作品的“厚度和空间感”。我买这本书其实是抱着试试看的心态，想看看它对进阶者有什么帮助。结果，我发现它在“声音设计”和“空间构建”方面的论述非常深刻。它没有停留在基础的EQ和Comp上，而是深入探讨了混响的时间衰减曲线、延迟效果的创造性使用，以及如何利用相位关系来塑造声音的立体感。特别是关于“平衡混音的层次感”那一章，作者用非常形象的比喻解释了频率的“能量分配”，让我一下子领悟了为什么我的某些乐器总是“糊”在一起。这本书提供了一种非常成熟且系统化的混音流程框架，它强调了倾听的重要性，并教会我如何构建一个清晰的三维声场，而不是仅仅堆砌效果器。对于那些感觉自己卡在某个技术瓶颈期的中级用户，这本书提供了一个完美的升级路径。

评分☆☆☆☆☆

这本《正版音乐录音教材 音乐录音从零学 音频工程与音乐制作初学指南》简直是我的救星！我之前对录音和混音一窍不通，看到那些复杂的软件界面就头大，完全不知道从何下手。这本书的讲解方式简直是为我这种“小白”量身定做的，它没有上来就堆砌晦涩的专业术语，而是从最基础的声音物理原理讲起，像是带着我一步步在录音棚里走，从麦克风的选择到摆位，再到前置放大器的使用，每一步都有清晰的图示和详尽的文字说明。特别是关于房间声学处理那一章，讲得非常透彻，让我明白了为什么我的小房间录音效果总是差强人意。它甚至贴心地区分了不同类型的音乐（比如人声、吉他、鼓组）应该采用的最佳实践方案，这对于初学者来说，提供了非常实用的操作模板。我已经按照书里的步骤尝试录制了几段自己的Demo，效果比我之前瞎鼓捣出来的要好太多了，细节和清晰度都有质的飞跃。这本书真正做到了“从零学”，让人感到学习音频工程不再是一件遥不可及的事情，而是触手可及的技能。强烈推荐给所有想迈入音乐制作大门的朋友们。